El amor trasplantado

 

En MISÉRICORDE, Alain Guiraudie vuelve a su incesante, incontenible baile de cuerpos en movimiento, aparentemente cansados de deambular, locos por encontrar un lugar, su lugar, lo que normalmente no suele salir bien. Guiraudie convierte un anodino pueblecito de la campiña francesa en una especie de caldera de deseos y frustraciones, pecados barridos bajo la alfombra que, en un momento dado, giran hacia el peor escenario posible. Hasta allí llega Jérémie (Félix Kysyl invocando al Stamp pasoliniano) desde Toulouse, diez años después, para asistir al funeral del dueño de la panadería, donde él trabajaba. Inmediatamente, afloran deseos que parecían haber quedado olvidados, pero la figura de Jérémie ejerce de polo magnético incontenible, atrayendo o repeliendo a todo quien caiga bajo un influjo curiosamente involuntario, incluso ingenuo. Estamos en el terreno de ese thriller anguloso y gélido, que presiona a sus personajes hasta que encuentran sus límites, y aquí todo está al límite, de lo ridículo, de lo repugnante, y también de lo tierno, lo confortable. Estos personajes, que parecen habérsele escapado a Bresson, necesitan confesarse (atención a ese cura, no han visto otro igual en pantalla), ser comprendidos, y no siempre lo intentan de la mejor manera, sino brutalmente, en una confusión de los sentidos que nos deja en un fantasmal territorio, donde la realidad puede no corresponder a la verdad, donde este Jérémie, que llega de ninguna parte, es ese fantasma con el que todos quieren estar y ninguno puede poseer.

Puede resultar una experiencia asaltante para quien anteponga principios morales predeterminados a lo que Chabrol definiría como "la oscuridad que no queremos ver".

Saludos.

La pesca de la trucha en América

 

MAN'S FAVORITE SPORT? es de esas películas que no recomiendo, a menos que se sea un cinéfilo inagotable, se quiera disfrutar de una comedia romántica sin pretensión alguna o quieran ver a Rock Hudson clavando eso de la "falta de química" con Paula Prentiss, no muy difícil por motivos obvios. A mí me parece un refrito encubierto de esa subvertiente del profesor despistado, reconvertido aquí en un vendedor de equipos de pesca, cuya ordenada vida se ve abocada al caos por la intromisión de una fémina, cuyas aparentemente inocentes pretensiones ocultan un interés romántico obvio. Hawks explota la vertiente cómica de Hudson, patoso pero no demasiado, galán pero no demasiado, canalla pero tampoco demasiado, con la excusa de un prestigioso concurso de pesca de trucha, al que este supuesto experto, autor de libros de técnica de pesca... en realidad no ha pescado en su vida. Así, la publicista del evento, al descubrir su secreto se ofrece para prepararlo como el gran pescador que no es, derivando en una catarata de situaciones disparatadas, como un par de truchas haciendo de las suyas bajo los pantalones, un salvavidas que casi ahoga al improvisado pescador y hasta un oso montando en ciclomotor o Hudson y Prentiss río abajo en una cama, tal cual. Yo, ya digo, no soy un gran fan, porque de éstas Hawks las tenía mejores, pero es ideal para una tarde despresurizada.

Saludos.

Maten Al Gran Arquitecto

 

O siglas y ya está. Al fin, Ari Aster con el traje de guionista bueno, dejándose de majaderías outer space para rellenar sus numerosísimos agujeros de guion. EDDINGTON es un mordaz, poderoso y malalechista (perdón por el palabro, pero es perfecto) fresco que parece salido de la grandiosa pluma de un Azcona; e inmediatamente imagino a los Leguineche deambulando por ese desolado y polvoriento poblacho de Nuevo Mexico, donde (aquí Aster se luce) las rencillas personales, incluso las más insignificantes, son el caldo de cultivo de una sociedad dividida por todos los motivos posibles, justo al principio de la pandemia. Maravilloso el antihéroe interpretado antológicamente por Joaquin Phoenix, repleto de matices, sombras, claroscuros, ángulos imposibles; un tipo al que coges cariño, y seguidamente quieres escupirle. Un ser humano, superado por su propia incapacidad, por mucho que esté convencido de que lleva la razón ¿quién no? Estamos en el germen de muchas cosas, de la paranoia conspiranoica, del auge fascista que en realidad es voracidad financiera, de la ingenuidad (y falsedad) de los movimientos indigenistas, de aquello tan lejano de arrodillarse por Rodney King. Y de mascarillas, de llevarlas o no; de que grabar algo con el móvil no incluye el derecho a contextualizar; de que cualquier charlatán se te lleva al amor de tu vida, y entonces empiezas a culpar a todo el mundo. Un microcosmos que bebe de Pynchon y de DeLillo, y del que me gusta especialmente que nadie sale bien parado, porque los únicos héroes son los que esquivaron las balas y lloraron con media sonrisa, el resto o vende porteros electrónicos o se pone ridículas gorritas rojas. Vale que el tramo final está un pelín forzado, pero si este señor sigue por este camino podemos tener vitriolo para rato.

Por cierto, no sé si lo había dicho antes por aquí, pero el premio planeta (nótese la minúscula) es una puñetera mierda para lameculos y cobardes.

Saludos.

Bogey days

 

Contra todo pronóstico, me gusta el golf. No es el deporte más popular del mundo, se le suele atribuir (supongo que con razón) un signo elitista que lo aleja de las clases populares, y (esto sí que no lo comparto) tiene fama de ser endiabladamente complejo de entender, y lo es de jugar, pero no deja de ser "gana el que meta la pelotita antes". En este sentido, no recuerdo muchas películas notables sobre golf, pero alguna buena hay, y THE LEGEND OF BAGGER VANCE es de las que mantienen el interés de la manera más complicada. Con mínimos elementos dramáticos, cogidos con pinzas, bordeando una cursilería casi indefendible, Robert Redford levanta una fábula de superación y dignidad apenas con un par de intervenciones de Will Smith, en su salsa haciendo de tipo entrañable, un misterioso caddy que se aparece para darle extraños consejos a un Matt Damon que interpreta a un prometedor golfista, que vive como un vagabundo tras una experiencia traumática en la WWI, pero que es embaucado por su antigua prometida, Charlize Theron, heredera del mejor campo de golf de Savannah, que pretende sortear las deudas tras la muerte del padre y constructor organizando un grandioso torneo entre los dos mejores jugadores, aunque aún debe convencer al tercero. Es, ya digo, una película amable en las formas, con ese anacronismo que le gustaba a Redford, que se inserta en esas epopeyas tan americanas (recuerden F1) del perdedor capaz de sortear sus demonios personales de forma más o menos terrenal. 

Es entretenida, hay un cameo encantador de Jack Lemmon, pero una pizquita de mala leche le habría sentado bastante bien.

Saludos.

Rincón del freak #665: Los pelmazos búlgaros

 

Yo pensaba que ya lo había visto casi todo en cuestión de películas, pero lo de DEATHSTALKER IV: MATCH OF TITANS es otro nivel. Pongámonos en situación, porque te vas a Bulgaria a reducir costes, que está muy bien, rescatas al "protagonista" de la primera entrega, que da el pego de garrulo, para entregar otro batiburrillo de chistes malos, peleas a ritmo de jubilado, efectos especiales antediluvianos y carne femenil desbocada. Todo en 75 minutos, que uno diría que qué bien, qué conciso todo; pero es que, en el colmo de la desvergüenza, y si se tiene la primera entrega más o menos fresca (como es mi caso), ves que han usado unos veinte minutos ¡20 minutos! de aquélla, sin anestesia. Da un poco igual porque no sabría decir cuál de las dos es más mala, pero Jesús de mi corazón, se podrían haber tapado un poquitín. La saga es terrible, mala con avaricia, lo que me lleva a pensar si era necesario hacer un remake... Aunque bien pensado, lo mismo alguien sentía la imperiosa necesidad de hacer justicia. A ver Sitges.

Hay pocas películas en las que veas a gente muriendo mientras se ríe... Equilicuá.

Saludos.

Lleno, por favor

 

Que quede claro que si titulas tu película F1: THE MOVIE... ¿qué coño quieres, que venga Boyero a alabarte? Esto es lo más cerca que vamos a estar de considerar un simulador de Fórmula 1 como cine, y ser más condescendiente con un guion que nadie puede creerse que se haya ido a más de tres páginas me parece pasarse un poco. Dicho esto, 150 minutos que pasan más rápidos que Fernando Alonso dándole una colleja a Brad Pitt (lo juro), que debió sentirse como un carapolla cualquiera. Sin más ni más, una tontería muy tonta, con todos los clichés que pueden reunirse, pero que consigue un par de cosas que tampoco es tan fácil conseguir. Una, que no podamos despegar los ojos cada vez que hay una carrera, y lo dice un tipo que se aburre como una ostra con este deporte. Lo otro es aún más improbable: tragarnos como héroes a un grupo de gente que se dedica a perder carreras a base de estrellar coches multimillonarios por hacer el gilipollas. Díganme si eso no es magia. Bueno, eso y que Lewis Hamilton la haya producido sólo para ser el malo... 

Saludos.

Un thriller dodecafónico

 

De verdad que no se me ocurre un encabezado mejor para una película tan difícil de encasillar como THE LIMEY, un filn mucho más experimental de lo que su premisa inicial sugiere, y que no estaría tan olvidada de no ser Soderbergh un cineasta tan incontenible en su producción. Con un montaje a veces sincopado, a veces directamente desencajado, llegando a unos límites de metanarración que muy pocos autores son capaces de empuñar tan desinhibidamente, Soderbergh reinventa el thriller mal llamado "neonoir", para escabullir la historia de un tipo que un buen día llega a Los Angeles desde Inglaterra con la firme intención de encontrar al tipo responsable de la muerte de su hija. Hasta ahí, nada que no hayamos visto antes, pero ya es descolocante el uso del doblaje, rara vez coincidente con las imágenes en pantalla, lo que crea una atmósfera de narración mental, como si el signo de los personajes ya estuviera designado de antemano. Por si fuera poco, Soderbergh da un salto mortal que me parece insólito, usando (supongo que con permiso) imágenes de POOR COW, de Ken Loach, que trajimos aquí para abrir el homenaje a Terence Stamp, que es ¡aquel personaje!, muchos años después, en un crossover que me parece digno del Grant Morrison más desatado. El resultado es notable, difícil de defender, pero adelantando al último Paul Schrader (THE CANYONS, EL CONTADOR DE CARTAS), mientras se apoya en las consignas del Michael Mann de THIEF. Creando un villano que no parece ni malo (Peter Fonda, un productor musical), mientras ese cuerpo extraño que se mueve y habla diferente (Stamp más eastwoodiano que nunca) interfiere en ese esacio marciano que son las laderas y cañones californianos. Para mi sorpresa, y teniendo en cuenta que es de 1999, de lo más estimulante que he visto últimamente.

Saludos.

Y al cuarto descansó

 

Con THE CONJURING: LAST RITES voy a ser todo lo breve que pueda, debo serlo. En pocas películas se expresa y conjuga con mayor claridad el significado del término "franquicia"; no necesariamente negativo, pero en este caso con pocos motivos para justificar el haberse ido hasta cuatro películas, cuando cada una de ellas puede verse sin perjuicio por separado. Dirige Michael Chaves, que hace cuatro años logró una entrega digna en THE DEVIL MADE ME DO IT, pero aquí se limita a amasar un refrito requetevisto de caras que aparecen de repente, luces que se atenúan y sustos que sólo funcionan por meter un traquido sonoro a traición. Uno puede adelantarse a cada escena sin agobios, verbigracia de un guion tan previsible como apresurado; y la trascendencia que debería tener el cierre (que suponemos que es), se enmarca, ahora más que nunca, en una santurronería que haría las delicias de los zumbados del Palmar de Troya, ahí es nada. A mí me ha parecido un coñazo con todas las letras, aunque esperemos que Wan y compañía dejen de dar la tabarra con una cosa que daba para poco más de una película.

Saludos.

Todo legal

A mí me parece que HATARI! debe ser una de las películas más extrañas e improbables que he visto en mi vida. Empezando por sus casi tres horas de duración, estiradas admirablemente por la capacidad de cooncisión de Hawks, que se vio literalmente desbordado por las exigencias de Paramount, empeñados en conciliar unas espectaculares escenas en las que los propios actores se ocupaban de dar caza a animales salvajes, con un romance cuanto menos incómodo, el de la sofisticada Elsa Martinelli y un ya maduro John Wayne, que prefería echar el lazo a los rinocerontes que a la actriz italiana. El resto, un montón de tiempos muertos en los que este improbable grupo de gente, que hoy estaría en la cárcel, se ponen de whisky hasta las cejas, empalman cigarrillos como posesos y bailan el watusi con los acordes de Henry Mancini, al que encargaron música de safaris y, cómo no, entregó una para coctels canallitas. La película tiene un nosequé que la hace extrañamente irresistible, puede que porque todo luce anacrónico, como una tía a la que no deberías haberte encontrado cambiándose. Y así, con el estipendio de unos furtivos que se sabían amparados porque "así eran las cosas entonces", uno no sabe si abandonarse a esas increíbles persecuciones en jeeps tuneados (ay, George Miller), reírse con lo de los elefantitos, enternecerse con la pobre Michèle Girardon (que 13 años después se quitó la vida por el amor no correspondido de José Luis de Vilallonga) o pensar que, al fin y al cabo, jamás volverá a rodarse una película igual. Exactamente igual, desde luego que no.

Saludos.

El Nobel de la paz

 

Lo mejor de PREDATOR: KILLER OF KILLERS, aparte de su esmeradísimo trabajo de animación (Con LD&R's en la mirilla) lo compone su curiosa estructura, en principio episódica, pero que confluye habilidosamente en un final abierto, que deja la posibilidad de una continuación. Sin inventar nada que se salga del universo de los Yautjas, Dan Trachtenberg sigue la estela de la estimable PREY, saltando diferentes etapas temporales, desde los vikingos hasta los samuráis del Japón de 1600, o la WWII. Con resultado irregular, he de decir, aunque se agradece lo picado de la narración, más sensorial que intelectual, como buena película de acción que no busca mucho más que entretener. Su apartado técnico es asombroso, con algunas imágenes de gran belleza, aunque la historia, ya digo, es una nueva vuelta a los "depredadores" y su querencia por coleccionar trofeos por donde quiera que vayan. No esperen nada revolucionario, y sí una entretenida cinta repleta de sangre, desmembramientos y sangre fluorescente. 

Por cierto, lo del Nobel de la paz a una señora que pidió el bombardeo de su propio país es para que vengan del espacio exterior y nos cacen de una puñetera vez. Con lo contento que estaba yo el jueves con lo del húngaro...

Saludos.

¿Qué tendrá Montana, Montana qué tendrá?

 

Era inevitable que Robert Redford recalara en el melodrama más obvio y recalcitrante, lo que aún retumba, ocupando memes y recursos de mal crítico, en las innecesarias, agotadoras casi tres horas de THE HORSE WHISPERER. Una película con muchas películas dentro, y no todas necesariamente buenas. El arranque, prometedor, nos sitúa en un trauma tremendo, el que sufre la joven Grace (una casi debutante Scarlett Johansson) en un espantoso accidente a caballo, que le cuesta la vida a su mejor amiga, y a ella nada menos que una pierna. Sus padres, altos cargos en Nueva York, son incapaces de reconducir a la joven, que se encierra en sí misma, lo que lleva a su madre (Kristin Scott Thomas) a no sacrificar al caballo, muy malherido tras el accidente, con la esperanza de que la ayude a recuperarse. Para ello recurre a Tom Booker, un experto vaquero con la cualidad de "comunicarse" de alguna manera con los caballos, emprendiendo un largo viaje hasta el remoto rancho donde Booker ni siquiera la espera. No está mal para plantear una historia más o menos interesante, pero Redford se engolosina de su personaje (insoportable de tan perfecto), y decide que para ser la primera vez que se filma a sí mismo a lo mejor había que ponerle sonriendo con un prado detrás y la luz del crepúsculo cayendo suavemente. Ahora en serio, el libro ya era una gilipollez mojabragas de tomo y lomo, pero hay que ponerle mucho empeño y mucha paciencia a una película alargada hasta la exasperación, que va relegando la historia de superación de la pobre Grace en favor de la hijoputez de la madre, que por mucho Redford que sea, hombreee, que iba nada más a curar al caballo...

No recordaba haberla visto antes, y ahora sé por qué.

Saludos.

Rincón del freak #664: Lovecraft y buzukis

 

Una de las cosas más bizarras que he visto últimamente ha sido MINORE, una serie Z que parece salida directamente de las catacumbas de la Troma, pero que ha sido producida y realizada enteramente en Grecia. Con un espíritu absolutamente amateur y lúdico, se aleja radicalmente de ese "último cine griego", sesudo y cultureta, para ofrecer un descacharrante híbrido entre las películas de monstruos gigantes y una crítica social repleta de costumbrismo y lugares comunes. A ver, esto es una frikada hecha con cuatro dracmas, que hubiese mejorado una barbaridad en manos de, por ejemplo, Álex de la Iglesia; con efectos digitales hechos con el Windows XP, sangre de moussaka y un corolario de personajes que parece que pasaban por allí y actuaron por una botella de ouzo. Algunas cosas tienen gracia, como el arma definitiva contra la horda de mostruos marinos, consistente en pincharles un buen sirtaki, lo que recuerda demasiado a MARS ATTACKS, o la querencia por los torsos masculinos, en detrimento de unas féminas más guerrilleras. Qué quieren que les diga, yo sólo la recomendaría a gente muy abierta de sesera y con pocos prejuicios.

Saludos.

Pequeños y grandes gestos de la humanidad

 

Si el otro día traíamos aquí la figura de Jane Goodall, era de recibo invocar a la otra mujer que tanto hizo por dar visibilidad y proteger a los primates. Con una historia sorprendentemente similar, Dian Fossey no poseía ninguna experiencia ni preparación cuando, en 1967, se postuló para realizar la ingrata tarea de censar la población de gorilas en África Central. Nadie en su sano juicio se internaría, prácticamente en soledad, en un país en guerra civil continua, sin atención médica cercana (Fossey se hizo extirpar el apéndice para no sufrir un hipotético ataque), para esperar el milagro de que un gorila de más de dos metros no le arrancara la cabeza de cuajo. De todo eso va GORILLAS IN THE MIST, uno de esos títulos míticos (mitificados) con los que Hollywood tantas veces ha ejercido de "buen observador", cuando en realidad se trata de una dramatización a ratos emocionante, a otros ingenua, que se sustenta en una estupenda interpretación de Sigourney Weaver, una espectacular fotografía a cargo de John Seale (oscar por EL PACIENTE INGLÉS y curiosamente sin nominación aquí) y un trabajo increíble con gorilas reales, logrando algunas escenas de una belleza y veracidad pocas veces vistas en el cine comercial. Otra cosa es compaginar el trágico destino de Fossey, con toda probabilidad asesinada por los cazadores furtivos contra los que luchó de manera furibunda, y el discutible intervencionismo de cierta prensa "naturalista", no dudo que bienintencionada, pero que pasa casi siempre por alto las necesidades reales de los habitantes de esos lugares tan conflictivos, y este film no es una excepción.

Saludos.

Las reinas que importan

 

No hay mucho que decir de THE ADVENTURES OF PRISCILLA, QUEEN OF THE DESERT. Excepto su imparable explosión de tolerancia, de libertad y respeto, tan necesario en estos tiempos en los que hemos involucionado hacia las cavernas del odio y la ignorancia. La historia de estas tres drag queens, a bordo de un autobús rosa llamado Priscilla, cruzando el desierto australiano, sin perder el glamour en tascas de mala muerte, mientras interpretan a Abba o Gloria Gaynor, es ese antídoto contra la estupidez, porque representa ese descaro y frescura tan necesarios ante los discursos vacíos y rancios de un patriarcado que sigue sumido en su propia y confortable decadencia. Resuena la maravillosa interpretación de Hugo Weaving, algunos años antes de explotar con MATRIX o TLOTR, un increíble Guy Pearce, aún más desconocido por entonces, y sobre todo Terence Stamp, en una de esas interpretaciones que definen a un actor de pura raza. Los tres están en estado de gracia, aportando mucho de fábula estremecedora, en esta colección de estampas icónicas (el autobús como punta de lanza de la libertad), de alarido lúdico y contestatario que deberíamos empuñar como arma arrojadiza, que un taconazo duele mucho.

Inolvidable, absolutamente vigente y reivindicable.

Saludos.

En compañía de monos

 

A finales de los años cincuenta, Jane Goodall era una simple secretaria en las oficinas de una amiga, que poseía una granja en Kenia; una chica con 25 años, que había dejado Inglaterra sin un céntimo, pero con una idea que la acompañaría siempre: acercarse a los chimpancés en su hábitat, comprenderlos, establecer qué nos une íntimamente a ellos. Goodall fue contratada por un investigador como asistente, al que hizo una proposición descabellada: iría ella sola a estudiar a los primates en su entorno. JANE es un documental producido por National Geographic (para quien Goodall trabajó varias décadas), repleto de imágenes inéditas, bellas y elocuentes, en las que entendemos el insólito método de trabajo de una mujer que fue pionera, precursora de una zoología menos invasiva, que anteponía el respeto y la comprensión. Un acercamiento a la vida y la obra de una gran mujer, que nos ha dejado un legado impagable; embajadora de los derechos humanos, algo que jamás separó de los derechos de los animales. Amó tanto a unos como a otros, y de ella deberíamos aprender tantas cosas y no darlas por obvias.

Saludos.

El mundo es un pañuelo

 

No puede abarcarse todo, pero ya me parecía raro no haber comentado hasta ahora RIO BRAVO, título capital del western, lección de cine tan generosa como elocuente, y una de las mejores y más emotivas historias sobre eso tan silenciado que es la amistad entre hombres. Y eso que no es de mis westerns favoritos, y la coloco como una obra maestra con matices, casi todos derivados de esa sensación de alargamiento innecesario hasta unas casi dos horas y media excesivas para una historia en modo alguno épica; Hawks invocaba aquí las mejores claves del cine mudo (su secuencia inicial es un portento de narrativa, demorando las primeras palabras de Wayne nada menos que cuatro minutos), ofreciendo un retrato repleto de naturalidad, donde cada figura obtiene su tiempo y su sitio. Me gusta pensarla como una pieza de cámara, y realmente lo es, el pueblo como no-lugar mítico, el bar-hotel donde se explican los movimientos y motivaciones de cada personaje, incluso los que no están presentes, o la cárcel convertida en improvisada vivienda del sheriff y sus colaboradores. Y un aparte aquí para dimensionar los personajes de Dean Martin y Walter Brennan, fundamentales para apuntalar una narración siempre al borde del punto de fuga. El primero es un taciturno alcohólico, cuyos demonios interiores ponen a pruba su amistad y lealtad hacia un Wayne que ejerce de hermano mayor, mientras el otro ofrece el alivio cómico, necesario, un viejo cascarrabias que necesita la aprobación continua, pero cuya voluntad jamás flaquea. El "malo", curiosamente, es más una entidad, casi siempre fuera de campo, como una amenaza abstracta que también sirve para enmarcar lo que más importa aquí, ese improbable dibujo de una familia que no es, pero se comporta como tal. Es en esas melancólicas aguas donde RIO BRAVO obtiene sus cartas de solemnidad, y lo que la ha hecho perdurar durante tanto tiempo, si bien no como una obra maestra absoluta, sí como el magistral trazo de un maestro en su plenitud creativa.

Inmortal.

Saludos.

La Forma sobre el Fondo

 

Del mismo modo que ocurría en el Superman de James Gunn, la aproximación a los 4 fantásticos tiene mucho de pórtico liberador, una vuelta a las raíces que oxigene al fin el muy anquilosado panorama superheroico en pantalla. THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS es, por un lado, el film que hace (al fin) justicia a los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby, paradójico por cuanto se trata de la piedra fundamental para entender la idiosincrasia del universo Marvel; pero también es un soplo de aire fresco para abordar este tipo de películas en adelante, con menos solemnidad y mayor atención a los detalles, traducido en una fidelidad disciplinar y, claro, estética. Es el único pero que le pongo, la sensación de ir con el freno de mano, si no echado, presto a ser activado. La historia es lo suficientemente potente (el advenimiento de Galactus para devorar nuestro planeta) como para haber ido todos los pasos más allá que puedan ocurrírsele a unos guionistas con un papel de calca, lujoso, eso sí, pero que se limita a trasladarnos (y no es poco) a aquellos comics de principios de los sesenta. Galactus es un concepto tan grande (en todos los sentidos), que su problemática parece cosa más para resolver filosóficamente que en una contienda física; una apuesta que el espectador ha de comprar sin rechistar, y que necesitaría un formato más cercano a la literatura de ciencia ficción. Por lo demás, un elenco creo que acertado, aunque Pedro Pascal cede mucho terreno ante una estupenda Vanessa Kirby y los muy competentes Ebon Moss-Bachrach y Joseph Quinn, sin olvidar a Julia Garner comoniendo un buen Silver Surfer o el imponente Ralph Ineson prestando su gravedad al "devorador de mundos". Curioso, porque me parece una cinta sumamente entretenida y que se complica poco la vida, pero a la que le veo material para haber sido mucho más grande. Quizá no lo necesite.

Saludos.

De padres e hijos

 

Vaya por delante que A RIVER RUNS THROUGH IT me gusta, porque conserva ese encanto clásico que Robert Redford daba a sus historias, de enseñanza y aprendizaje, lecciones de vida que aquí se muestran con la simpleza del personaje principal contándonos cómo fue su vida junto a sus padres, su hermano y el río que no sólo simboliza ese fluir vital, que personalmente me deja rechinando por exceso de obviedad, sino el punto de encuentro a donde dejarse llevar con sinceridad y pausa. Un río para pescar, y testigo mudo del devenir de estos dos hermanos tan diferentes pero iguales. El mayor, Craig Sheffer, de talante templado y que sólo aspira a graduarse, encontrar un buen trabajo enseñando y casarse con la única chica para la que tiene ojos; mientras, un por entonces incipiente Brad Pitt, el menor sobrevive trabajando en el periódico local de Missoula (curiosamente, la ciudad natal de David Lynch), ahogado por las deudas de juego, pero con un carácter tan rebelde como encantador. No hay mucho más que contar en esta película bonita de ver, incluso con momentos de estupendo cine, que en mi opinión hubiese ganado con menos bucolismo y reforzando la psicología de sus personajes, algo que Redford bordó en su debut, por poner un ejemplo. Una película que parecen fotografías en fila, para que uno escoja la que más le guste, con escenas impecables (las de pesca, por ejemplo) y otras que tienen algo de maestrillo castigando de cara a la pared, de tarta de manzana enfriándose en el alféizar o escaparate de misal en temporada. No dejen, empero, que un pesimista como yo les arruine el visionado de un film, por otra parte, que en ojos del espectador adecuado puede resultar fascinante.

Fantástica fotografía de Philippe Rousselot, por cierto, que aquel 1992 se llevó el premio de la Academia.

Saludos.

Rincón del freak #663: ¿Es tu espada o te alegras de verme? O, respuestas definitivas a los grandes misterios de la política actual

 

Como lo prometido es deuda, continuamos deshojando la saga del ¿bárbaro? ¿guerrero? ¿ladrón? ¿pichabrava?, antes de que se nos eche Sitges encima. Y hay poco que contar de DEATHSTALKER III, una indigente producción rodada enteramente en México, con lo de curiosamente sintomático que tiene, como procederemos a explicar en breve. Película mala, hecha a toda prisa, con un guion demencial que mezclaba hechiceros, princesas, muertos vivientes y amazonas, sin que nada de ello aparezca, porque todos los personajes hacen las mismas cosas. Y acabaría aquí la reseña, pero tengo que ponerme con los actores, y sobre todo las actrices; no por nada en particular de su trabajo, que es paupérrimo. John Allen Nelson, que luego estaría en Baywatch, es un protagonista inane, que se ríe mucho, pero que te cae peor que el malo, un señor calvo con pinta de árbitro ochentero llamado Thom Christopher, mientras que la "actriz" local Claudia Inchaurregui se dedicaba a tirar flechas poniendo morritos, antes de dedicarse al zumba. Pero, ay amigos, hay aquí una sorpresa inesperada, porque el único punto sesudo del guion se lo lleva el papel doble de las princesas Carissa y Elizena, aspirantes a gobernar un reino de ensueño, aunque estén dotadas de caracteres contrapuestos: una, soberbia y caprichosa, la otra comprometida y humilde. Pues bien, la "actriz" que desplegaba sus facultades interpretativas era una tal Carla Herd, que no les sonará porque ese era su apellido de soltera, que trocó por el Sands de Fred Sands, un importantísimo hombre de negocios vinculado con el partido republicano, con el que estuvo casada hasta la muerte de éste en 2015. Ahí empieza lo divertido, porque justo después Carla Sands donó un cuarto de millón de $ a Mr. Trump, en la que fue la campaña de su primer mandato, y éste, haciendo honor a su ojo para designar a gente en sitios, envió a la "pobre viuda" en calidad de embajadora... ¡a Dinamarca!... ¿No daría esto para una peli muy chula de metacine, en vez de remedar otra vez los espadazos de saldo y atrezzo? Apasionante en cualquier caso, como explicarle al señor naranja que es mejor llevarse bien con México, que allí los rodajes eran más asequibles...

Bonita anécdota, que rubricamos en apenas un par de semanas.

Saludos.

Amar es lo que más duele

 

A ver, NOVOCAINE debería no gustarme, pero nada nada. Mi impresión es que son las dos horas mejor empleadas en mucho tiempo, y no dejo de frotarme los ojos, preguntarme si aún hay esperanza para unos guiones maravillosamente escritos, que soportan cualquier cosa que le echen. Es el caso de este frenético film, que cada decisión que toma tiene un porqué que nos va explicado sin reiterar, ni ir de sobrado. Es un thriller y una comedia, y una peli de acción con escenas muy bestias, sin medias tintas, y la vis cómica de Jack Quaid, que me resultaba cargante en The Boys pero aquí es perfecta, le da un gamberrismo que parece directamente sacado de un cómic de Dark Horse. Y aun así, digo lo del guion porque lo importante es lo que late en cada escena violenta o cada chiste, que es una pulsión romántica irresistible. En su tramo final, Nathan Caine, ese apocado empleado de banco, al que le han dado más golpes por dentro que por fuera, enseña un tatuaje completado, una escena prototípica de los cuentos de hadas, con la princesa rescatada del torreón acechado por dragones, y ahí está todo el cuerpo del film explicado, en el de su protagonista. Caine no siente dolor en absoluto, lo que podría confundirse con insensibilidad, pero tras conseguir una cita con una compañera de trabajo descubre que el pacer es otra cosa, y el amor otra aún más intensa, y que podría llevarle a la perdición.

Así las cosas, me sorprendió descubrir que ya había visto la anterior película de Berk y Olsen, SIGNIFICANT OTHER, de la que no tenía muchos recuerdos (es muy inferior), pero que también proponía un audaz reto, el de un organismo alienígena que experimenta el amor tras invadir y poseer el cuerpo de un joven, sin que su pareja sospeche lo más mínimo.

Gran acierto por tanto, una película sin ínfulas ni pretensiones, más allá de pasar un rato de emociones encontradas, mientras acompañamos a Nathan (Novo)Caine en su particular cruzada, como un Quijote moderno con el que aprendemos qué cosas duelen más.

Entretenidísima.

Saludos.

La memoria muerta

 Leí en su momento BELTENEBROS, llevado por el impacto que me produjo "El jinete polaco" (otro nivel), y que me sirvió como preámbulo para enfrentarme a la adaptación de Pilar Miró, empresa nada sencilla para captar el intrincado léxico del escritor jienense, para lo que contó con la colaboración inestimable del gran Mario Camus y el también escritor Juan Antonio Porto. El resultado es, para quien esto escribe, el mejor posible. Un thriller gélido, desapasionado, casi abúlico, ataviado con un excepcional Terence Stamp, invocando al Delon de Melville, pero con más corazón y principios que aquél; un "hombre que no existe", que luchó junto a los perdedores republicanos, fue sentenciado y logró escapar a Inglaterra. Lo que se apunta, también en la novela, es el destino marcado de Darman (el seudónimo del seudónimo), su sino fatal que lo arrastra, más de veinte años después "a asesinar a un hombre que no había visto nunca", encontrándose con una España miserable y mentirosa, plagada de costras y carcasas. Allí encuentra a una prostituta muy cara que de vez en cuando hace de Rita Hayworth sin vestido, a un proyeccionista que miente muy bien, un repugnante psicópata sexual y, al final, a un hombre inocente, pero marcado para morir. Quédense con la gran interpretación de Stamp, la hermosa partitura de José Nieto, y sobre todo con la sublime fotografía de Javier Aguirresarobe, que fue uno de los tres Goya que se llevó y el principal baluarte para alzarse con el Oso de plata en Berlín.

De lo mejor que rodó Pilar Miró sin duda alguna.

Saludos.

El efecto Profiden

 

Paradójicamente, RICH FLU es una película insoportable, incluso ofensiva de ver (en algunos tramos, no seamos cabrones), pero irresistible de comentar, por la cantidad de contradicciones e incongruencias que incurre, sin que nadie se lo haya pedido a su director y guionista, un Gaztelu-Urrutia que ya metió la gamba con la innecesaria secuela de EL HOYO. Como sea, la premisa es maravillosa, y de alguna manera parece un spin-off o extraña precuela (esto habría sido un golpe de ingenio) de lo de las plataformas, lo que incluso se sugiere en algún pasaje. No, el gran problema de esta película destartalada y adorablemente ingenua es, por ejemplo, mostrar ideas interesantes para descartarlas inopinadamente, hacer desaparecer a sus personajes mejor escritos (Timothy Spall) para dar cancha a otros que no aportan absolutamente nada (curiosamente, Rafe Spall), o crear una protagonista (Mary Elizabeth Winstead) que, sin un solo rasgo psicológico comprensible, pasa de hija de puta sin escrúpulos a madre protectora, y por si fuera poco lo culmina como una vengadora psicópata. El asunto es que los ricos, los muy ricos, se mueren por una extraña epidemia, cuyo único síntoma es una dentadura exageradamente resplandeciente, y por el único motivo de ser tan ricos. Ya de por sí es jodido dar una explicación plausible a cómo diantres hay una enfermedad así, lo que deriva en que Urrutia tira por la calle del medio, le da una patada a la Winstead colina abajo y convierte la reflexión moral en una bazofia en la que todos los problemas se resuelven a base de puñetazos, carreras y otras heroicidades. Cosas del plataformeo. Mi opinión es que hubiese sido más valiente y políticamente incorrecto plantear una distopía en la que, por lo que sea, al pueblo por una vez no le dé por votar a quien le esclaviza, y luego ver qué pasa con esas minorías fuera de los capitolios. Es como un Guy Debord para la generación de cristal, lo siento mucho, y más cuando una vez más todo es un enorme elefante blanco, el de las relaciones familiares dañadas. Empiezo a pensar que hay gente que hace elículas para ahorrarse el psicólogo.

Lo peor: los últimos quince minutos, romantizando la vida tribal con bailecitos en la playa a media tarde.

Por cierto, la película ha recaudado en todo el mundo un millón de euros, exactamente la misma cantidad que ha recibido en subvenciones. Saquen sus conclusiones.

Saludos.

Más estrellas

 

Uno de los datos más estremecedores de la astronomía nos dice que, con toda certeza, hay más estrellas en el universo que granos de arena en nuestro planeta. Intenten hacer un cálculo, pero no se puede. Lo que sí se puede hacer es reflexionar en base a estos términos inconcebibles, porque donde los seres humanos que hacen honor a su especie se quedan en un humilde acto de contrición, los ufanos, ensimismados con un ombligo frecuentemente habitado de pelusilla, llevarán su escaso magín, como en un hipervínculo, hasta el último video de TikTok. Esta contradicción es también una verdad incontrovertible, y al menos a quien esto escribe contra viento y marea le sirve para construir el umbral de LAND OF THE PHARAOHS, aquella superproducción que literalmente obligaron a rodar a Howard Hawks, que después observó el inevitable batacazo en taquilla sin inmutarse. Básicamente porque hizo una de las mejores películas que Hollywood ha entregado sobre faraones, pirámides y arena, mucha arena. Un film aparentemente gigantesco, pero en el que cobraban mayor importancia los interiores, las intrigas en el reinado del megalómano Keops, obsesionado con acumular riquezas incalculables que le acompañaran en la tumba. Para ello, sólo un obstáculo: construir el descomunal panteón, para lo que emplea a un arquitecto judío, a condición de liberar poco a poco a su pueblo cautivo. Pero la irrupción de la insolente princesa chipriota Nellifer, cegada de ambición, la lleva a elaborar un maquiavélico plan, con el que pretende acabar con Keops ganándose su corazón, y así reinar Egipto en solitario. Sin grandes estrellas (ni siquiera una por entonces desconocida Joan Collins), Hawks concita un eficaz alegato humanista, en esplendoroso Cinemascope y "Warnercolor", y apoyado en la tremenda banda sonora de Dimitri Tiomkin, cuya partitura influyó decisivamente a Philip Glass en la composición de su ópera Akenathon. 

Te arregla una tarde tonta sin aparente esfuerzo.

Saludos.

La puerta mágica y el gorrocóptero

 

Comienzo diciendo aquí que Blogger ha censurado (es la segunda vez que me pasa) la entrada del pasado viernes de este peligroso blog dedicado al siniestro arte de comentar películas. Lo digo por si alguien pensaba que me había pasado algo.

Dicho esto, vayamos con WEAPONS, enésima gran esperanza blanca de eso tan pesadito del terror elevado, que en realidad consiste en hacerte la picha un lío para contar las mismas tonterías de siempre. Porque no nos engañemos, que está todo inventado. O yo no me he enterado de nada, que también puede ser, porque lo que hace Zach Cregger es, ni más ni menos, ampliar sin añadir respecto a BARBARIAN, su anterior trabajo, cuya caprichosa estructura ya levantó opiniones encontradas. Y como no quiero desvelar más de lo necesario su argumento, me centraré en su naturaleza de "artefacto", un puzzle caleidoscópico que lleva a repetir los mismos motivos en un excesivo número de puntos de vista, que ralentiza su ritmo exasperantemente. Ahora bien, Cregger sabe crear incertidumbre, extrañeza, y además tiene la suerte de trabajar con excelentes intérpretes; por poner algún ejemplo, Julia Garner, Josh Brolin o Amy Madigan, que al menos aportan convicción a sus personajes, siempre al borde de la parodia. Es un artefacto, ya digo, demasiado obvio como para pensar que no es consciente de su propia naturaleza, pero lo salva la noticia de que su director trabaja ya en su continuación, una precuela, algo que se hace simplemente imprescindible para dar un poco de sentido a un film que termina deshilachado, incapaz de cohesionar su descabellada trama, con demasiados puntos de fuga, incoherencias a plena luz del día teniendo en cuenta la irritante fotografía de Larkin Seiple, porque hasta John Alcott iluminaba mejor con una velitas... 

Nada, esperaremos esa necesaria continuación y que Blogger no se convierta en la inquisición de las redes, que este blog está a puntito de la mayoría de edad, ahí es nada.

Por cierto, el título se explica por una secuencia, ya al final, que puede verse sin sonido y añadiéndole la cabecera de Doraemon. Lo juro.

Saludos.

Sí se puede

 

Te pueden arrebatar todo, pero no la dignidad. Es una frase pintona, casi para ponerla en una taza, pero es una frase con tronco, que palpita y sacude. Robert Redford entiende esto a la perfección en THE MILAGRO BEANFIELD WAR, aquella preciosa fábula en un polvoriento rincón de Nuevo Mexico, que invocaba el rigurosa admiración a John Ford o a McKendrick. Todo comienza con un amanecer (cómo no) y una misteriosa silueta con un acordeón saltando alegremente por los campos, el pueblo, Milagro, donde todos duermen. Amarante Córdova (genial, mítico, Carlos Riquelme), el más viejo de todo Milagro, despierta y da las gracias por tener un día más, pero el ángel Coyote ha decidido hacerle una visita, no porque haya llegado su hora, sino porque también se aburre. A lo mejor porque los puñeteros gringos quieren plantar un campo de golf, allí que no llueve nunca, para dar trabajo dicen. Menos a uno, uno muy cabezón, José Mondragón, que con el mosqueo le da un puntapié a la llave que restringe intencionadamente el acceso al agua, y súbitamente, su reseco campo de frijoles, el que siempre cultivó su padre, se ve regado. Mondragón decide cultivar, lo que desata las iras del empresario, dispuesto a detenerlo a toda costa. Esto es vieja escuela, personajes con peso y entidad, una historia divertida y emocionante, y un punto de realismo mágico para volver acerca de las lecciones vitales de LAS UVAS DE LA IRA o LOS SANTOS INOCENTES. Lo cierto es que UN LUGAR LLAMADO MILAGRO no es tan trágica ni tan fatalista, y de repente te ves sonriendo ante ese sentido del humor tan sano y cercano que destilaba Redford, lejos del frío Star System; y con los ojos humedecidos porque... claro que se puede, siempre se puede...

Hermosísima, preciosa película.

Saludos.

Rincón del freak #662: Retarded activity and titty biting

 

El título lo he tenido que poner en inglés porque me daba vergüenza cómo sonaba en español. Esto, amigos, es el mundo de The Asylum, la productora que eleva a la Troma a la categoría de factoría de superproducciones. Normalmente me cuido mucho de alejarme de estas bazofias, que suelen incluir tiburones voladores de dos cabezas, vampiros mellados y zombis que se ganan la vida vendiendo biblias a domicilio, pero por arte de birlibirloque ha aparecido un DVD por un rincón del desván mágico, cuyo origen he sido incapaz de recordar, lo que, conociéndome, no ha hecho más que acrecentar la curiosidad. Vale, esto se titula 8213: GACY HOUSE, con el subtítulo (PARANORMAL ENTITY). Supuestamente es un salpicón de cámaras mareantes en una casa desvencijada, la de John Wayne Gacy, donde un grupo de gente, a cual más idiota, pretende... bueno, no sé qué pretenden, porque han puesto cámaras y hacen rituales espirituales, mientras pasean de aquí para allá y hablan con el énfasis de un notario jubilado. Es una porquería tan mala, tan infecta, tan inenarrable, que podría ser recordada por una escena que paso a describir: la medium, cuyo look nos llevaría indefectiblemente hasta Dolly Parton, anda hacia ninguna parte, como todo el mundo, hasta que se detiene y suelta un grito de terror. Es la primera vez en la historia del cine en que un fantasma le da un mordisco en una teta a alguien...

Saludos.

En el espacio nadie puede oír tus gritos #8

 

Claramente de muy más a muy menos, este ALIEN: EARTH, con el que Noah Hawley aspiraba a revolucionar el maltratado universo del xenomorfo y adláteres, se ha quedado, si no en una decepción sí en un quiero y no puedo, teniendo en cuenta el espectacular arranque y el episodio central, finalmente el homenaje que el original de 1979 merecía. No tengo ni la más remota idea de si Disney (en serio, Disney, no todo puede transformarse en un "producto Disney") retomará esta miniserie en un futuro, ampliando la maraña de cabos sueltos que el indefendible guion de Hawley & Co. se empeña en ir desparramando a lo largo de ocho episodios desastrosamente distribuidos, sin sentido del ritmo y dejando la sensación de ir tomando decisiones al azar. La analogía no se hace esperar, encarnada en esos inaguantables superhéroes que la serie se saca de la manga, superpoderosos pero con la mente de un guaje cualquiera, porque... No, tampoco se desarrolla esto. Tiene, eso sí, un envoltorio formal magnífico, en la línea de lo de Romulus, y, en sus momentos más inspirados, constata lo adelantada a su tiempo que era "el octavo pasajero". Por supuesto que tendrá su público, mayormente uno no muy exigente, enganchado a la papilla plataformera, que no tendría que saber ni que Ridley Scott es un señor que ha dirigido cosas y tal ¿Pensaban que Alien podía pasar de un organismo diseñado para aniquilar a una sitcom para gente con espinillas? Pues han acertado...

Buffff...

Saludos.

PD, por lo de los spoilers: Se llama Alien nosequé, pero se podría llamar de otra manera, porque han conseguido que el bicho en cuestión se pasee por ahí y que nos dé igual. El resto de la fauna, mejor me lo ahorro, porque Hawley ha decidido presentar varias especies extraterrestres al principio y hacerlas actuar... ¡en los putos ocho últimos minutos del último episodio!...

Al menos, suena Tool...

Si los monos hablaran

 

LINK es una de esas cintas que, de una manera u otra, han quedado relegadas a un fondo de catálogo muy desagradecido, cuando revisitarla supone un entretenimiento bastante digno, y que incluso reserva alguna que otra sorpresa formal, gracias a la siempre imaginativa dirección del australiano Richard Franklin, uno de esos artesanos a los que merece la pena rescatar. Con una estructura extraña, Terence Stamp se erige como el protagonista de su primera mitad, para desaparecer por completo en la segunda, interpretando a un excéntrico zoólogo, que contrata a una joven norteamericana (Elizabeth Shue de menos a más) como asistente en la mansión que le sirve como campo de pruebas, en un apartado rincón de la costa escocesa. Allí lleva a cabo sus investigaciones con tres chimpancés: Vudú, Ido y el enigmático Link. Link es intrigantemente inteligente, se viste con ropas decimonónicas y adopta gestos genuinamente humanos, lo que el profesor atribuye a su pasado circense, donde era capaz de manejar el fuego sin asustarse; pero repentinamente, la actitud de Link cambia por completo con la llegada de la joven, convirtiéndola en su particular objeto de deseo. Película irregular, sí, pero que contiene un asombroso trabajo de integración de los animales, dejando en ridículo cualquier bazofia rendida al CGI, con una partitura a cargo de Jerry Goldsmith y algunos momentos perturbadores incluso para el espectador avezado que me considero. Sólo fíjense en la mirada del simio en cuestión mientras observa a Elizabeth Shue completamente desnuda...

Una curiosidad que merece la pena.

Saludos.

Desde el techo del infierno observamos las flores

 

La frase es de Matsuo Basho, un haiku. La película es NU ASTEPTA PREA MULTDE LA SFÂRSITUL LUMII (NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO), que propongo desde ya como mejor título del año, aunque la película sea de 2023. La trama es sencillísima; la intención, maquiavélica. Angela es ayudante de producción en una productora de spots y documentales, lo que, eliminada toda tentación glamourosa, equivale a conducir de un lado a otro en interminables jornadas que pueden llegar a las veinte horas, lo que incluye buscar candidatos para un spot sobre seguridad laboral, pero también recoger las lentes de cámara, hacer de chófer y hasta ocuparse del cátering. Intentando no quedarse dormida al volante, su distracción es realizar una serie de videos de contenido satírico, que después comparte en las redes bajo un filtro que la convierte en un macarra reaccionario y machista. El trasiego, caótico, violento, agotador, por las calles de Bucarest, se intercalan con las imágenes de otro film rumano, el anticlásico ANGELA MERGE MAI DEPARTE, rodado en 1982 por Lucian Bratu, que narraba las andanzas de una mujer taxista en el Bucarest comunista, la correspondencia entre ambas mujeres estalla en el descomunal último plano secuencia, de aproximadamente unos veinte minutos, donde la actriz que interpretaba a aquella Angela lo hace ahora como la madre del seleccionado, que pasó un año en coma por un accidente laboral, perdiendo la movilidad de las piernas. De nuevo Jude nos restriega todas las miserias posibles en las narices, la deshumanización impune, perfectamente trasladable de un régimen autocrático hasta cualquier empresa. Aquí también el esclavo da las gracias por las migajas, y aún peor, termina con su supuesta denuncia recortada hasta uno de los finales más dolorosamente absurdos que he visto últimamente. Lo que se supone que es un spot para denunciar una injusticia es sistemáticamente censurado, para no "molestar" a quienes realmente han puesto la pasta, hasta el máximo, hasta sostener carteles verdes, imaginen para qué...

Brutal, valiente y corrosivamente mordaz. Magnífica.

Saludos.

Los mejores amigos de una chica

 

GENTLEMEN PREFER BLONDES es una película tontísima... o puede que no. Es lo que es, pero hablemos de lo que cada cosa es en el fondo y nos llevaremos una sorpresa. Aquí Marilyn Monroe interpreta a una rubia más ingenua que frívola, pero que en un momento dado nos mira por encima del antifaz y nos guiña un ojo, un poco como fue su vida real, tratada como un objeto, sirviéndose de su físico, incomprendida al final. A su lado, Jane Russell es la mujer escéptica, igualmente ambiciosa, pero con un punto descreído que le hace tener, a su pesar, los pies en la tierra. No se equivoquen, ésta es una película que puede llevar al equívoco de observarla como un viejo adinerado miraría a una chica, sin importarle si su vestido está descosido o le duelen los pies mientras mantienen una sonrisa perfectamente ensayada. Ni musical, ni comedia, ni drama romántico, esta película es la manera en la que las mujeres llevan toda la historia de la humanidad soportándonos. No es de extrañar que "ellas" prefieran amigos más brillantes...

Saludos.

Prius y Alzheimer

 

En algún lugar de una urbanización de Los Angeles, una pareja que ha rebasado los 45, con un niño que se quedará sin hermanos, tendencia a mover mucho las manos mientras discuten problemas del primer mundo que aspiran a imitar sentencias de Montaigne o Wilde, van de aquí para allá mientras se estresan porque van a dar una fiesta. Él es representante de actores y ella era actriz, y él está harto de vivir en el primer mundo y le propone liarse la manta a la cabeza y largarse a algún país centroamericano y vivir sin temor al bypass. Ella le mira con cara de asco, aunque esta mujer siempre (al menos en esta película) tiene esa disgustante expresión facial, y sigue moviendo las manos como si tuviese parkinson. Llegan los invitados, ninguno tiene el más mínimo interés, de hecho no tienen una sola línea de diálogo, excepto un cocainómano egocéntrico y memorizador ocasional de frases de autoayuda y Pedro Pascal, que sale exactamente cuatro minutos, pero la productora estimó que presentarlo como protagonista podría dar a esta cosa titulada THE UNINVITED algún tipo de sex appeal propio de las comedias neoyorquinas sofisticadas. Abominen, porque esto es como pretender capturar el aura de Woody Allen con una cámara desechable. Ni más ni menos... 

Lo único salvable, ver a Lois Smith manteniendo el tipo con 94 años.

Saludos.

La broma infinita

 

Con Robert Redford se da otro aldabonazo a un Hollywood que no va a volver jamás. Estrella rutilante, con un carisma imponente, Redford era ese "indiscutible", un tótem intocable, un valor seguro, la garantía en la inversión y el exponente que precedía a estrellas posteriores como Pitt, Cruise, DiCaprio... Pero también era mucho más, era ese tipo comprometido, que instauró una institución como Sundance, que hoy día no es ni la sombra de lo que él pretendió que fuera. Y también un demócrata convencido, mucho más humilde de lo que su posición en la industria pudiese indicar, lo que reflejó en su faceta como director, coherente con sus inquietudes, y que revelaba a un cineasta verdaderamente dotado y que, como veremos en las próximas semanas, no se ciñó a un solo género. Me parece indiscutible que ORDINARY PEOPLE, su ópera prima, es también su cima como el atento observador de las pequeñas miserias y grandezas del americano medio, en una historia alejada del mero entertainment, emparentándose en una disección social y psicológica que proviene directamente de Richard Brooks o Mike Nichols, aunque aquí se invoca de manera indirecta a Bergman, mientras se adelanta el ácido bisturí de Thomas Anderson o Sam Mendes. No es una película perfecta, hay que decirlo, ni lo necesita; es un grito sordo pidiendo ayuda, el que emerge de un prodigioso Timothy Hutton (que ganó el oscar con 20 años), mientras lucha con los demonios de un intento de suicidio, tras ser testigo de la trágica muerte de su hermano. Película contenidamente coral, distribuyendo con inteligencia a cada secundario, Redford maneja el juego de espejos en otras dos magníficas interpretaciones, un contenido Donald Sutherland como el padre conciliador pero incapaz de contradecir a una Mary Tyler Moore gélida, y por momentos terrorífica, esa madre sin amor para dar... porque cada uno sobrelleva el duelo como puede.

La familia Jarrett podría albergarse en cualquier párrafo de la obra maestra de Foster Wallace, no mucho más allá, apenas como una de esas ventanas de madera impoluta en un residencial de lujo, a través de la cual vemos sonrisas perfectas, mientras se tricha el pollo y el árbol de navidad está a punto de desplomarse...

Saludos.

Rincón del freak #661: ¡Los muertos de Crom!

 

Dudé más tiempo del necesario acerca de emprenderla con la saga del "cazador de la muerte", en realidad el primo tonto (que ya es decir) de Conan, dado que se espera (podrá verse en el inminente Sitges) el remake que al fin dé algo de dignidad a unas series Z de las que el propio Corman se desentendió en lo artístico, delegando en Jim Wynorski la dirección, y que no contento con ello, cuatro años después hizo la misma jugada, que era llevarse la producción a Argentina para abaratar costes y rodar en apenas dos semanas. La cosa es que DEATHSTALKER II, aparte de ostentar la misma impactante cartelería, es igual de cutre y chapucera que su antecesora, pero al menos se lo toma todo a chufla e inserta todo tipo de metachistes, a cual más absurdo, llegando al spoof descarado, con un tono que luego ensayó con mejores resultados Sam Raimi en otra secuela. Ni puñetera idea sobre el argumentario de una película supuestamente de espada y brujería, pero que incluye zombis (¡zombis, me cago en la leche!), ni un solo extra con la cara destapada (así les evitas lo de gesticular) y hasta un ring de boxeo con la música de Bill Conti (lo juro), donde el protagonista (lo que obtienes si mezclas a Tom Brady con Gary Busey) se marca un inclasificable combate de lucha libre con una señora de 1'90 que se hacía llamar Queen Kong, luchadora en la vida real, a la que le faltó un fatality de pechamen, que ya hubiese redondeado la función. Palabrita del niño Jesús...

Saludos.

La bruja triste

 

Si el otro día volvíamos a la excitante metamorfosis de un alelado científico a un Cary Grant ciclotímico, algo parecido ocurre en ZOOLOGIYA, donde a Natasha, la administrativa de un zoológico, le crece una prominente cola, lo que, lejos de suponerle un problema, ejerce de improvisado estimulante, sacándola de una abulia que la aplasta día a día. En el trabajo es objeto de burlas constantes, vive con su madre y un gato, ambos ancianos y su vida sentimental parece no haber existido. Pero ahora su vida ha dado un giro y ha encontrado un propósito, puede que se vea emparentada con los animales, a los que ama más que a las personas; ha encontrado un amigo muy especial en el radiólogo que le ha tomado, con toda naturalidad, una radiografía; y finalmente ha cambiado su imagen, rejuveneciéndola y despertando el asombro de sus envidiosas compañeras. Con sólo 28 años, es encomiable la madurez con la que Tverdovskiy dirige esta apesadumbrada fábula, probablemente una alegoría del peso de la edad sobre una mujer que no encuentra un lugar ni un momento para ser feliz, e igualmente alegórica, ese inusitado apéndice como símbolo de rebeldía. Si la ven, atentos a la escena de la bañera.

No es ninguna maravilla, pero sí más que correcta.

Saludos.

De paseo por las ruinas

 

Hay mucho del mejor Ken Loach en POOR COW, su primer largometraje, lo que indica a las claras toda su extensa deriva posterior, sus obsesiones éticas y estéticas, el naturalismo observacional, buscando el protagonismo en esas esquinas poco iluminadas por el cine comercial, donde habitan "sus personas", seres en su agotador día a día, luchando por sacar la cabeza en un mundo hostil, deprimente y a veces terrorífico. Lo que para algunos es la normalidad, y que en la extraordinaria interpretación de Carol White supone el componente de una mujer demasiado joven pegada a su pequeño hijo desde la impactante escena de apertura, pero cuya adorable ingenuidad la lleva a no perder jamás esa "sonrisa de ojos tristes", mientras intenta buscarse la vida tras el ingreso del padre, un ladrón de poca monta, en prisión. Joy (un nombre nada casual) roza la felicidad junto a Dave (un magnífico pero breve Terence Stamp), hasta que éste es también sentenciado a doce años. A partir de ahí, Joy ha de ser simpática como camarera, sexy en una repugnante sesión de fotos y complaciente cuando no le queda otra que abrirle la puerta a algún hombre que otro, porque su pequeño tiene que comer y las facturas no se pagan solas. Lo que nadie sabe es que quizás Joy sólo quiere ser feliz, y por ello entabla conversaciones con facilidad y nunca pierde la esperanza de tener una vida, ni más ni menos. Casi sesenta años han pasado desde que Loach adaptara el polémico libro de Nell Dunn, un insólito manifiesto feminista observado desde los márgenes, como aceptando la oscura invisibilidad a la que las mujeres son sometidas sistemáticamente, pero dispuesto a vislumbrar una nimia rendija de esperanza, lúcidamente expuesta en su desenlace, puede que explícitamente deudor de Antonioni en su fuerza simbólica, pero que adelantaba a uno de los cineastas clave del cine europeo del siguiente medio siglo.

Saludos.

La comedia sin voluntad

 

Si descontextualizamos una película como THE ALTO KNIGHTS, sus imágenes, su correlación de estampas estratégicamente dispuestas, espiritualmente emitidas, nos queda un capítulo de SNL sin gracia. Peor: conscientemente arrogada de una excelencia no ya fantasmal, sino directamente decrépita. Nada tiene que ver usar a este pobre, encapsulado Robert deNiro, intentando insuflar humanidad desde el desfile de narices de goma, ojos inexpresivos y otros artilugios de lo más variopinto. No, lo más indefendible aquí es la historia arrastrándose por un montón de lugares comunes, asideros visuales que ni siquiera dejan entrever el talento narrativo que siempre ha caracterizado al cine de Barry Levinson, que a sus 83 años parece haber dado ya su canto del cisne. Desconozco de quien habrá sido la infeliz idea de colocar a deNiro haciendo este ridículo face to face, pero podría dar para algunos memes de lo más jocoso, y es algo que no me hace mucha gracia precisamente. De hecho, no hay nada que me haga ni pizca de gracia en una de las peores películas que he visto últimamente.

Saludos.

Una fórmula perfecta

 

El profesor Barnaby Fulton es un genio de la química que trabaja para encontrar el remedio definitivo contra el envejecimiento. Un genio que no ve tres en un burro, nunca encuentra las llaves de casa aunque las pone siempre en el mismo bolsillo, y vive literalmente en las nubes. Sin embargo, vive enamorado de Edwina, su esposa, que le adora igualmente. Barnaby no encuentra la fórmula, pero uno de los chimpancés con los que experimenta empieza a mezclar ingredientes a lo loco... Y ya se sabe que a lo loco se vive mejor. Mejor no desvelar mucho más sobre MONKEY BUSINESS, esa maravillosa película en la que Cary Grant hace de profesor chiflado con culos de vaso, está casado con la abnegada Ginger Rogers, se lleva a Marylin Monroe a dar un voltio en un descapotable y termina disfrazado de indio y cortándole la cabellera a su mejor amigo. Bueno, dije que no desvelaría nada más, pero a quién diablos le importa... 

Es mejor que el 95% de las comedias que se hacen hoy día, y creo que me quedo corto. Desde luego es la "mejor película con monos" que he visto recientemente...

Divertidísima.

Saludos.

El escuadrón suicida

 

Como advertencia apenas, si tienen Netflix no sucumban ante la tentación de acercarse a 11 REBELS; dos horas y media de vuelta al mito de los renegados que son reclutados para una misión suicida, revelándose después como más que aptos para la única oportunidad de redimir sus condenas. Algo así como mezclar LOS SIETE SAMURAIS y DOCE DEL PATÍBULO, con un exceso de imágenes digitales, un guion tan simple como confuso, y ninguna actuación memorable, es lo que apuntábamos al principio: un producto teledirigido para aplacar las conciencias de quienes airean en las plataformas a golpe de entretenimiento vacuo, pero que irán raudos a entronizar. No hay nada de eso en una película agotadora por muchos motivos.

Saludos.

El coco del oasis

 

Sin ser yo ni mucho menos fan del señor Robbie Williams, reconozco que el tipo es mundialmente conocido, se ha hecho su sitio (un poco a empujones) al lado de los grandes y a día de hoy puede afirmarse que representa el paradigma de gran estrella. Ok, de acuerdo, guardaremos los cayados y nos pondremos al lado del tipo que no para de reivindicar sus orígenes humildes, su cabeza hueca y otros demonios respiratorios; más que nada porque BETTER MAN es apenas eso, un masaje muy confortable con apariencia de infierno personal. Biopics los hay mejor interpretados, más arriesgados o inmisericordes, y éste es el único que podría hacerse sobre un tipo, un artista, tan poco interesante como Williams; que se reinventó, por supuesto, pero que jamás debería obviar que hacía bailes chorras para mojar bragas, mientras intentaba convencer a los managers de que era el nuevo Sinatra. Es lo que hay, porque las boy bands y adláteres, además de machacones son ufanos, porque les cuesta crecer, porque no tenían un Bernie Taupin de la vida escribiendo, y encima te dan el coñazo cuando tienen barriguita y canas. No sé, porque la película es medianamente entretenida, y salen Oasis que son aún más mongoloides, y además el protagonista es un mono, y eso siempre suma algún punto. Lo peor, que es sensiblera, como sólo lo puede ser un malote sin poesía en las venas. El día que hagan un biopic decente (y me cuesta mucho creerlo) sobre Tom Waits, entonces hablamos...

Saludos.