domingo, 20 de agosto de 2017

Rincón del freak #277: Interpreten el título



Que promociones una película hasta la saciedad, poniendo carteles con la (bella) efigie de Eva Green, para comprobar luego que estará una media hora (de un total de más de 120 minutos), fumando en pipa, mientras intenta no parecer sexy (sin conseguirlo) mientras se dirige como la institutriz que nunca será a unos niños con poderes bastante repelentes (los niños y los poderes), constata que Tim Burton hace tiempo que ha dejado de tener el control de sus películas y que lo que vemos cada temporada es un pálido reflejo comercial de un tipo que solía ser un genio. Burton no es ya un director de cine, es una factoría similar a la Disney, solo que sus maneras parecen querer indicar otra cosa, que aún se puede esperar un penúltimo destello de verdadero artista, que no se discute eso, sino que su metamorfosis se perciba como conscientemente trazada, y no como una (larga) crisis creativa.
Y MISS PEREGRINE'S HOME FOR PECULIAR CHILDREN ilustra esto a la perfección. Una película rutinaria, un banco de pruebas para nuevos efectos digitales y unos personajes que podrían ser una versión estrafalaria y ñoña de los X-men de Charles Xavier, que aunque va en silla de ruedas no saldría por peteneras como esta "peregrina" señora, nunca mejor dicho.
Saludos.

sábado, 19 de agosto de 2017

Aprender a reírse de uno mismo



JOSHY es una pequeña película, de esas que ahora están tan de moda en el circuito independiente norteamericano; una comedia acerca de lo que realmente significa la madurez en una sociedad infantilizadora y que bien podría considerarse como heredera de la ironía de Woody Allen, pasado por la puesta al día de un Judd Apatow o la extravagancia argumental de los hermanos Duplass. Un film de actores, de diálogos y de contrastes, comenzando por su premisa, el suicidio de la novia de Joshy (Thomas Middleditch) justo antes de su boda, que es encadenado sin solución de continuidad con la reunión que le organizan sus amigos, una especie de despedida de soltero a la inversa, que unos toman como un duelo y otros como una juerga en la que ahogar las penas. Y, entre chistes privados (judíos, en su mayoría), chupitos de tequila y sustancias alucinógenas, lo que queda es el difícil equilibrio entre fustigarse tras un trauma o continuar con la mayor normalidad posible. El principal problema del guion es que no siempre consigue atemperar dichos extremos, por lo que algunos momentos chirrían, convirtiendo a JOSHY en un artefacto más proclive a la comedia por episodios que a un largo cohesionado.
Interesante, entretenida y además estuvo en Sundance.
Saludos.

viernes, 18 de agosto de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #29



Desgraciadamente, una vez más hay que empezar diciendo esa frase hija de puta que es "Hay que seguir". Pero así es, no hay que detenerse, porque la vida es movimiento y nosotros siempre, invariablemente, estaremos en el lado de la vida...
Pero es curioso que precisamente hoy la hoja de ruta de este monógrafico, que ya se acerca a su fin, haya coincidido con un título tan significativo como lo es CONCORRENZA SLEALE, en la que Ettore Scola narraba el enfrentamiento, rozando lo atávico, de dos vecinos comerciales; uno, un prestigioso sastre, el otro, un modesto comerciante judío. Sus familias se conocen de toda la vida, incluso sus hijos mayores están enamorados entre sí, pero el primero entiende que la competencia que le realiza el segundo, a base de precios más económicos, no es leal. Y hay que entender el contexto histórico, porque son los momentos previos al establecimiento definitivo del fascismo en Italia, que entre otros horrores inventó una ley antisemita, que privaba a todos los judíos de sus derechos. Y es justo en este recrudecimiento donde estos dos hombres se encuentran, se entienden, comprenden que todas sus disputas han sido una imbecilidad proveniente de su propia cabezonería, y lo entienden precisamente cuando la libertad es cercenada, cuando el terror llama a su puerta y les obliga a ver que la realidad siempre puede ser muchísimo peor de lo que ocurre en la puerta de nuestra casa.
Hoy más que nunca, y aunque sólo sea una coincidencia, es un momento más que pertinente para traer de regreso esta obra, que algunos no acogieron bien en su momento, pero que parece hecha para explicar, sin aspavientos, qué diablos está ocurriendo en el mundo durante estas últimas dos décadas.
Saludos, por decir algo.

jueves, 17 de agosto de 2017

Emisión pirata



Este verano me ha sido especialmente fructífero en el terreno de las series, que tenía un tanto abandonado y que me ha servido para constatar un par de aspectos: que no todo el monte es orégano y que una joya te la puedes encontrar en el lugar menos pensado. CHANNEL ZERO, por ejemplo, es una miniserie de seis episodios autoconclusivos a la que llegué por simple curiosidad, pero que me despertaba un incomprensible recelo, sobre todo por tratarse de una producción de SyFy, una cadena distinguida por decantarse hacia la hipercutrez catódica. Pero esto es otra cosa, y estos primeros seis episodios son una buena piedra de toque para reencontrarse con cierto terror televisivo "a la vieja usanza", más cercano a la sobria tradición británica que a los habituales productos hipertrofiados que nos tienen acostumbrados. Esta primera temporada, por ejemplo, titulada "Candle Cove", nos habla de la llegada de un hombre, muchos años después, a la pequeña población en la que vivió su infancia, y en la que ocurrieron una serie de extraños acontecimientos que terminaron con la muerte de varios niños y la desaparición del hermano gemelo de este hombre, que, ante la incomprensión general, atribuye la responsabilidad de dichos hechos a un programa de televisión infantil que algunos recuerdan, pero otros creen que jamás existió. Así, la idealización de la infancia se confronta con el escepticismo adulto, pero parece que existe un secreto, largamente guardado, que amenaza con destruir todo lo que se encuentre a su paso.
Pese a un arranque algo pesado y confuso, esta primera temporada de CHANNEL ZERO es capaz de remontar y acabar con nota, ofreciendo un notable ejercicio de terror atmosférico que se apoya en un ingenioso y algo enrevesado guion, firmado por Nick Antosca. Dirige Craig William Macneill, responsable de la estimable THE BOY y al que podremos volver a ver este mismo año en la recreación de la biografía de Lizzie Borden.
Curiosa y recomendable.
Saludos.

miércoles, 16 de agosto de 2017

Un difícil y bien resuelto equilibrio



Reconozco que no me ha molestado en absoluto esta continuación, cantada por otra parte, pero que me despierta dudas sobre la pertinencia de lo que ya me avisan los entendidos que será la tercera parte. Porque esta GUARDIANS OF THE GALAXY Vol. 2 tiene un concepto adecuado, que es básicamente el de la irreverencia (con el ejemplo del brillante arranque bastaría), pero tiene demasiados minutos que rellenar, y su segunda mitad renquea y se acomoda, dejando de lado sus golpes de guion y abandonándose a una previsible pirotecnia digital. En lo positivo, se agradece que haya más espacio para personajes que en la primera entrega pasaban más desapercibidos, como Gamora o Yondu, además de los divertidos cameos del tío Stan, Stallone y... ¡David Hasselhoff!... Por el contrario, al personaje de Kurt Russell le falta un poco más de entidad, la que le podría (y debería) haber dado un peso pesado como Thanos, al que se menciona constantemente pero nos deja con la miel en los labios. En definitiva, un estupendo entretenimiento, con un uso de la música que se agradece una vez más y con unos actores que se complementan sin aparente esfuerzo, dando vida a uno de los supergrupos más en forma de toda la cartelera, y eso que nos van a inundar con propuestas similares más que con los cansinos Barça-Madrid, que ya es una cosa... No serán tan espectaculares como Los Vengadores ni tan clásicos como la JLA, pero seguro que son los más cachondos y bailongos...
Saludos.

martes, 15 de agosto de 2017

La destrucción de la inocencia



Del documental de ayer extraje, además de una impagable porción de sabiduría cinéfila, dos conclusiones: que llevaba demasiados años sin escribir sobre Hitchcock y que me he dado cuenta de que aún no había visto THE WRONG MAN. Hoy se subsanan dichos entuertos, porque nunca es tarde para volver al genial director británico y porque precisamente me parece que éste es un film francamente peculiar. Es (lo especificó perfectamente Scorsese) un estudio psicológico sobre el significado de la culpa y la redención, disfrazado de thriller, y que, en último término, anuda el argumento principal en torno a una injusticia social que roza el absurdo terror kafkiano, por lo que es tan complicado atribuirle un género en concreto. De hecho, coincido en que la construcción de la trama contiene numerosas lagunas, incoherencias y veleidades, que de no estar dispuestas por quien están tomaríamos como burdos fallos de guion, pero que adquieren una nueva dimensión cuando nos paramos a pensar qué es exactamente el críptico y exasperante mensaje desprendido de la truculenta epopeya de Manny (impresionante Henry Fonda), músico de jazz a sueldo y padre y esposo ejemplar, que de la noche a la mañana se ve acusado de una serie de atracos a mano armada, y sin mayor explicación es poco menos que prejuzgado y arrojado a una celda, sin que veamos alguna posibilidad de defensa. Habría que extenderse una barbaridad para entrar en la cantidad de modulaciones de guion que realiza Hitchock, en cómo zarandea la percepción del espectador e incluso nos hace dudar acerca de la intachabilidad del protagonista, casi reducido a espectador mudo de su propia desgracia.
Una extraordinaria película que viene que ni pintada en estos tiempos en los que precisamente los prejuicios inundan las redes sociales, enturbiando, cuando no ninguneando, el trabajo del poder judicial. Por cierto, yo no tengo a nadie escondido en mi casa... por si acaso.
Saludos.

lunes, 14 de agosto de 2017

Cuadernos de cine



En el año 66, François Truffaut publicó un libro que recogía las impresiones obtenidas a través de una larga entrevista/charla con Alfred Hitchcock. Eran los años álgidos de la Nouvelle Vague, por una parte, y de la crítica analítica de "Cahiers du cinema", cuyos integrantes, indistintamente, pusieron el foco de atención lejos del fasto espectacular y rutilante de las estrellas, y dirigiéndolo apasionadamente hacia la figura del director. El director como artista, como autor y como responsable máximo de su obra. Y quizá, de entre todos aquellos rendidos admiradores, el más obvio fue Truffaut, que destacó a Hitchcock simplemente como el más grande de todos los tiempos, y que creía firmemente en el carácter onírico y subtextual de algunos de sus títulos más importantes. Esto, en esencia, es lo que propone Kent Jones en HITCHCOCK/TRUFFAUT, un jugoso recorrido por las claves para (intentar) entender las arrítmicas obsesiones del director británico, partiendo de la mítica entrevista con Truffaut (traductora simultánea incluida), y con el añadido (a la sazón, el gran hallazgo del film) de las opiniones de algunos de los directores más significativos de los últimos cuarenta años, como Assayas, Desplechin, Gray, Fincher, Linklater, y un enorme, clarividente, Martin Scorsese, que no se limita a ensalzar, sino que retuerce el punto de vista hasta desenfocarlo y dar con todo lo que en el cine de Hitchcock se nos escapa, que es mucho y quizá lo más jugoso.
Imprescindible, como el libro.
Saludos.

sábado, 15 de julio de 2017

Esa pequeña desmesura



Nadie sabe de dónde sale una película como A CURE FOR WELLNESS, excepto su creador, su ideólogo, que en este caso es Gore Verbinski, un director de esos que uno no se atreve a categorizar como "comercial", aunque el gran éxito de algunos de sus trabajos (especialmente los que tienen a cierto pirata de protagonista) así lo indique. Pero, centrándonos en este reciente título, volvemos a constatar la escasa personalidad de la mayoría de profesionales del cine actual (aunque Verbinski cuente ya con dos décadas de experiencia); y si no, es difícil de admitir una película cuyo ritmo, composición de personajes, ambientación e incluso adscripción moral nos lleven de la mano hacia la serie B de la Hammer, vertiente macabro-gótica, para luego eternizarse en recovecos subtextuales que no son tales, pues esto no es ni "La montaña mágica" ni "El castillo", sino un simple ejercicio de terror psicológico, festoneado por una licuescente fotografía fría y verdosa, algunos regalillos de gore liviano y unas repulsivas anguilas que se deslizan por ahí. Incluso algún retrohype (que haberlos haylos) osará reventarlo todo, con lo bien que iba, y dirá que es un cruce posmoderno entre APOCALYPSE NOW y SHUTTER ISLAND... Yo no me atrevo a tanto, lo dejo en una película normalita, que es incomprensiblemente larga (dos horas y media, muchachos), que tiene algunas escenas e imágenes de cierta creatividad visual y que confirma dos cosas: Verbinski no es Coppola, y además no es Scorsese...
Véanla sólo si tienen muuuuuuuucho tiempo libre.
Saludos.

viernes, 14 de julio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #28



LA CENA, de 1998, más que un film de Ettore Scola, parece una compilación de sus mejores momentos, un autohomenaje que quizás podía haberse ahorrado y que, más allá de constatar cómo domina un maestro su oficio, aporta poco al avance de una filmografía que ya en aquellos años atisbaba su final cercano. Ahí están, para el ojo observador, LA FAMILIA, UNA JORNADA PARTICULAR, la composición coral en un espacio único de LA TERRAZA, y, cómo no, aquel episodio para LOS NUEVOS MONSTRUOS. Scola intenta montar un imponente fresco que refleje las bondades y maldades de una sociedad italiana atrapada en una corrupción política y moral que destruía gran parte de los ideales con que el director impregnó gran parte de su obra; personas que fingen ser otras para ser aceptadas, que no escuchan a quienes sev muestran tal como son y que venden su dignidad por un plato de lentejas. Todo ello cabe en el interior del restaurante que regenta Fiora (Fanny Ardant), que trata a todos sus clientes con la misma amabilidad, y que actúa con la misma protección maternal que ejemplifica a esa madre patria, Italia, que observa a sus hijos, sus comensales, discutir sin ponerse de acuerdo, ensayar el entendimiento mutuo o desdeñar a quien intente salirse de las coordenadas preestablecidas.
Podría haber sido una gran película, y así se intuye por el reparto y el apartado técnico, pero queda como un trabajo más rutinario de lo que cabría esperar de un director de la talla de Ettore Scola.
Saludos.

jueves, 13 de julio de 2017

Un hombre y un perro



Con IN A VALLEY OF VIOLENCE, Ti West vuelve a confirmar que nos encontramos ante uno de los directores con más personalidad del momento. Un western impredecible, impensable para estos días, completamente alejado de efectismos, crossovers y adornos varios; a mitad de camino del Leone más taimado y el Don Siegel de DOS MULAS Y UNA MUJER, con la que además de un genuino sentido del humor comparte una partitura, compuesta por Jeff Grace, facsímil de la de Morricone. Mientras que en el apartado interpretativo, sobresale un Ethan Hawke que de un plumazo hace bajar a la tierra a toda la pléyade de pistoleros infalibles y todopoderosos, componiendo un personaje repleto de matices, imperfecto, con esa mirada de duda que este gran actor siempre ha poseído. El resto del reparto no le va a la zaga, con un re-recuperado John Travolta haciendo de sheriff cojo, James Ransone como su vengativo hijo y la sorprendente Taissa Farmiga, con una descacharrante vis cómica. La historia, que de primeras puede parecer de lo más sobado del género, extrae precisamente su originalidad de un depurado y sutil guion, obra del propio West, que nos coloca ante este hombre que viaja acompañado de su perro en lo que parece una huida hacia México. Tras un antológico encuentro con un sacerdote (encuentro que West vuelve a repetir a la mitad y al final del film), llega a un misterioso pueblo semiabandonado, con la intención de avituallarse y terminar su recorrido, pero no le será tan fácil, y su pasado (una incógnita apenas revelada en un mínimo y lúgubre flashback) parece querer adueñarse de su no menos oscuro futuro.
Pero no se equivoquen, IN A VALLEY OF VIOLENCE no se inscribe, ni mucho menos, en eso tan manoseado del "crepuscular", como tampoco tiene mucho que ver con la reciente corriente de westerns "esotéricos". Si acaso, comparte el buen sentido del humor del último Tarantino y esa sensación de asistir al trabajo satisfecho de un artesano que trabaja en el corazón de una industria despiadada, que desprecia cualquier atisbo de manufactura.
Es, en resumidas cuentas, una de las mejores películas que uno puede ver este verano.
Saludos.

miércoles, 12 de julio de 2017

Garrafón



ALCOHOLIST es una película que admite varios adjetivos. "Fallida" es el primero, pero se puede aliñar con "errática", "indolente", "descabezada" o "estéril". Y el material de partida es bueno, pero se desmigaja al poco tiempo de empezar y acaba prácticamente convertida en otra película distinta, que es un síntoma claro de una dirección terriblemente inexperta. Un tipo se despierta en su casa, rodeado de botellas vacías y con lo que parece algo más que una resaca; luego nos enteramos de que, efectivamente, es alcohólico, y que además espía a su vecino, al que parece acechar con la intención de matarlo. De ahí se puede sacar mucho brillo, pero el guion es malo, inverosímil, y trata a los personajes como meras caricaturas: el borracho atormentado, el vecino supuestamente ejemplar, la dedicada terapeuta que intenta ayudar, aunque poco convincentemente. Otra cosa es el estrafalario retrato de los personajes, especialmente el protagonista; si eres un tipo que se bebe tres botellas de bourbon al día, no puedes tener el aspecto de un modelo de perfume francés. No, lo siento, pero de un tiempo a esta parte la obsesión por una imagen cada vez más juvenil ha distorsionado lo que una representación ficcional debe ser: veraz. Detalles como éste dan al traste con una película prometedora, que intentaba cruzar a LEAVING LAS VEGAS con el disloque narrativo de EL MAQUINISTA o incluso MEMENTO.
Curiosa, pero poco más.
Saludos.

martes, 11 de julio de 2017

Mal banal



Siguiendo con el periplo penitenciario-veraniego, es legión la camada de subproductos infumables que inunda la oferta estival, como si el sopor calorífero lograra anestesiar al espectador hasta convertirlo en un borreguito capaz de tragarse cualquiera que sea la cosa. En este caso, y como no podía ser de otra forma, THE DARK TAPES es otra de found footage, que comienza con una premisa interesante pero sólo demuestra una planicie de ideas tremenda, y termina siendo un batiburrillo de remedos bastante simplón. A Guastini y McQuown se les nota una barbaridad que lo suyo es lo técnico, fotografía, iluminación y maquillaje, pero que narran como lo haría el primo tonto de Mariano Ozores, y esta película por episodios es, insisto, una mala copia de inefables como THE BLAIR WITCH PROJECT, PARANORMAL ACTIVITY, o incluso algo de HELLRAISER. Hay algún momento de inquietud, bastantes más de bostezos, muchos de sonrojo y la constatación de que el elenco ha costado baratito, porque al ser todos jóvenes y guapos se intuye que el casting lo han sacado directamente de una academia de actuación.
Olvidable no, lo siguiente.
Saludos.

lunes, 10 de julio de 2017

Será como aquella canción de los años 80...



Están, ya digo, los que copian a Spielberg, los que hacen lo propio con Lucas, con Carpenter, Ridley Scott, John Hughes, Landis, Donner, etc... Parece un hit parade de VH1, pero es la triste realidad, gente que quiere dirigir, que quiere parecerse a sus ídolos de juventud por una sola razón: no han tenido una idea original en toda su vida. Y ahora, de la mano de este azote de la originalidad que es Netflix, nos ha llegado STRANGER THINGS, que es ya el no va más del copieteo ochentero. Y, comenzando por cómo la idolatría a la literatura de Stephen King alcanza su cota más alta, aquí están insertos sin ningún tipo de rubor ALIEN, E.T., LOS GOONIES, EL CLUB DE LOS CINCO, ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE, STAR WARS, LA COSA... y por extensión cualquier otra cosa que recuerden de aquellos "maravillosos" años. La serie, de ocho capítulos que se eternizan incomprensiblemente en repeticiones sistemáticas, contiene un reparto inverosímil, una trama inverosímil y un desarrollo inaguantable, y que sólo coge carrerilla en el último episodio, el único co algo de sentido. Mientras tanto, veremos a Winona Ryder haciendo de madre histérica, a Matthew Modine de malo con pelazo y por supuesto al grupo de chavales de turno, que van en bicicleta y juegan juegos de rol. El gordito, el negro y el... ¿normal?, que juntos van a intentar descubrir qué diablos le ha pasado al cuarto miembro de la banda, desaparecido en extrañas circunstancias. Por el camino se encontrarán a una niña con el pelo corto que no dice ni mú, aunque el mayor de sus temores se encuentra al otro lado de las paredes, en una dimensión desconocida y chunga, donde habitan seres con los que no querrán toparse. Todo eso cabe en esta serie, imposible de entender (y de aguantar) si no se ha sido niño en aquella época en exceso mitificada, y que está dando ya una camada difícil de asimilar. Todo, absolutamente todo, en STRANGER THINGS parece extraído directamente desde un portal interdimensional de esos, incluso la música de Dixon y Stein, cuyas neuronas parecen haberse quedado ancladas en el "Exit", de Tangerine Dream.
No lo sé, sinceramente, a mí no me ha enganchado tanto como pensaba que haría, y los elogios me parecen excesivos para un producto que apenas aprueba con lo justo, pero pueden aprovechar las tardes de asueto vacacional para echarle un vistazo, a lo mejor le encuentran algo que se me haya escapado...
Saludos.

domingo, 9 de julio de 2017

Rincón del freak #276: Era mejor el Beta...



Hay una fiebre desatada por todo lo que huela a años ochenta, bien vía Spielberg, vía Carpenter, y con el denominador en común de aquellos aparatitos que eran los VHS, probablemente uno de los peores electrodomésticos de todos los tiempos, y por tanto, de los más entrañables. En este maremágnum hay que estar preparado, porque nos la cuelan; parece que todo vale, y las productoras están avispadas para hacer pasar un producto por algo que no es lo que ofrecen, sino una sombra mal dispuesta, una copia barata, una bazofia. y me encuentro con BEYOND THE GATES, terrible serie ultra Z que toma como excusa aquellos juegos que se hicieron medianamente famosos, principalmente el "Atmosfear", que constaba de un tablero y un video en el que aparecía un tipo encapuchado dando las órdenes a los jugadores. Como idea no está nada mal, dos hermanos vuelven a su pueblo natal para recoger y cerrar definitivamente la tienda de alquiler de videos que regentaba su padre, que desapareció sin dejar rastro unos años antes, pero casualmente se topan con el juego de marras "que les arrastrará a una dimensión desconocida"... Ojalá, pero lo único que ocurre en este despropósito es que estaremos viendo a tres actores mediocres poniendo caras raras y recitando diálogos escritos por un guionista con serios problemas de comunicación. Luego al final hay un par de caretas de goma y algo de ketchup, poco más. Eso sí, ni cortos ni perezosos, los perpetradores de esta cosa han tardado poco en colocar los rótulos de cierta serie de Netflix. Ya saben...
Saludos.

sábado, 8 de julio de 2017

Trabajo de fan



VAMPYRES es una pequeña, modesta producción española, que parece hecha a mediados de los años setenta, con todo su candor y, por tanto, con todo su encanto. Le han atizado de lo lindo los que la han visto (que me consta que no son muchos), y todos aluden a la premura de su realización, a sus efectos especiales caseros, sus olvidables actores y actrices, pero sobre todo a haber copiado otras obras sin mucho rubor. De acuerdo, todo ello es admisible y hasta defendible, pero no es menos cierto que nos tragamos terror de chichinabo a mansalva proveniente de Yanquilandia, y nadie se sonroja ni se molesta; y lo que aquí propone Matellano es un homenaje explícito a un sub-subgénero, el del "vampirismo erótico-festivo de factura veladamente lésbica". Sí, eso existe, y los cinéfilos más avezados no han cesado de aplaudir el libérrimo estilo de Jesús Franco en LAS VAMPIRAS, film de culto que aún no ha podido estrenarse íntegro en España; o su reverso gabacho, FASCINATION, de Jean Rollin. De ambos filmes extrae Matellano todo el tuétano para esta extraña, imperfecta y desprejuiciada película, que abusa demasiado del busto operado de la controvertida Marta Flich y denota un amateurismo demasiado evidente, pero que logra captar algo del marciano surrealismo de su gran homenajeado, aunque sea en apenas dos o tres fotogramas que más bien parecen insertos: el VAMPYR, de Dreyer.
Curiosa, pero sólo para ya iniciados.
Saludos.

viernes, 7 de julio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #27



Hace veinte años, en 1997, Ettore Scola realizó un pequeño pero magistral cortometraje titulado, escueta y elocuentemente, 1943-1997. En él pueden rastrearse todas las esencias del director, tanto sus influencias como sus obsesiones; y, casi sin pretenderlo, construye un hermoso homenaje al cine y a los cineastas. Por allí deambulan De Sica, Fellini, Visconti... Amalgamados en una pantalla que no cesa, que es una ventana a la vida para el niño que mira asombrado las imágenes como testigo de un paso del tiempo inexorable, pero también repleto de sabiduría. El cine, al que el chaval (acaso el propio Scola) llega huyendo de los soldados nazis, y donde encuentra una razón de ser, la de la resistencia de la cultura contra la barbarie. Todo eso cabe en diez minutos de goce visual...
Saludos.

jueves, 6 de julio de 2017

creación





Vi una película
pequeña, como una caja de cerillas
pero que su grandeza allí cabía
que no escondía sus colores ni defectos
y aumentaba con los dolores de abdomen
Una película cortada como lonchas de jamón
que se repliega en una sonrisa asustada
que limpia sus sonetos escondidos
y navega hacia el ocaso
Una película
que enfrenta al hombre con el hombre
para reconciliarlo
con el mundo


Saludos.



miércoles, 5 de julio de 2017

Los padres




Raymond Briggs, reputado guionista y dibujante británico, homenajeó a sus padres en la novela gráfica titulada con sus propios nombres. Algún tiempo después, Briggs contactó al director Roger Mainwood para que trasladara el delicado trazo manual de dicha obra a la animación. así nació ETHEL & ERNEST, que comienza presentando a los dos protagonistas absolutos; él, un lechero bienhumorado y decidido a casarse con ella, que sirve en una casa aristocrática, y poder formar una familia. No será hasta muy tarde, rozando los cuarenta años, que al fin pueden completar su sueño y nace el pequeño Raymond, que queda como hijo único por recomendación médica. ETHEL & ERNEST obtiene sus mejores momentos de esa calmada cronología, que abarca desde los años 20 y tiene su punto crítico cuando Londres es bombardeada por los nazis, y Briggs se detiene en las llanas reflexiones de sus padres, con los pies bien asentados en el suelo y viviendo con curiosidad y escepticismo los incesantes anuncios de guerra por la radio, sin saber con exactitud cómo les afectará en sus tranquilas vidas. Puede que al film le falle su excesiva literalidad, el autor no quiere irse por las ramas ni demostrar falsa afectación, y su relato es de una normalidad que casa estupendamente con los tonos suaves del dibujo, lo que deviene un ritmo que algunos encontrarán algo cansino, pero que rompe radicalmente con lo que la animación suele ofrecer hoy día, y entronca con otro título fundamental de la animación británica, obra del propio Briggs, la aclamada CUANDO EL VIENTO SOPLA.
Saludos.

martes, 4 de julio de 2017

Viaje de ida y vuelta



La última película hasta el momento de Woody Allen (se encuentra rodando otra ahora mismo) es CAFÉ SOCIETY, una película que amalgama otras tantas películas del propio director, y me extraña que esto haya pasado desapercibido para la crítica, pues es el sustento principal de una trama más que floja y de una dirección de actores que desmerece en mucho al director neoyorquino. Aquí están presentes tanto MANHATTAN como ANNIE HALL, BALAS SOBRE BROADWAY y PODEROSA AFRODITA, pero sobre todo ACORDES Y DESACUERDOS, con la que comparte estar situada en una época que el director no ha llegado a conocer. No es este el problema de CAFÉ SOCIETY, Allen es aún capaz de recrear ambientes, atmósferas (Storaro no es moco de pavo) que suplan la economía de medios, pero le falla algo menos tangible aún, una partícula en alguna parte del entramado que lo cohesione, que nos invada y nos haga partícipes de la ensoñación del joven Bobby Dorfman (si Woody Allen volviese a ser joven sería Jesse Eisenberg), recién llegado a Hollywood desde Nueva York para ponerse al servicio de su tío Phil, un conocido productor y agente de estrellas. Bobby quiere medrar, ascender en la escala social, Phil quiere dejar a su mujer, y ambos están enamorados de la misma chica, una lánguida y marmórea Kristen Stewart. A partir de ahí, Allen se sirve de la excusa romántica para hablarnos de actores, actrices, directores, productores, guionistas. Pero también de gangsters, políticos, chicas de mal (o buen) vivir y una cantidad ingente de judíos hablando sobre otros judíos. El resto, ya lo conocen, Allen se lo ha contado a todos ustedes una y mil veces, algunas con más gracia, o con más ingenio, e incluso con bastante más mala leche misántropa.
¿Es entretenida?... Se deja ver, pero, teniendo en cuenta que lo mejor es el arranque (la primera media hora para ser exactos), yo me esperaba otra película muy diferente.
Saludos.

lunes, 3 de julio de 2017

Teoría del crimen y práctica del castigo



La opinión generalizada opina (como no puede ser de otra manera) que Woody Allen vegeta, desde hace demasiados años, en un confortable paraíso de autocomplacencia que le permite seguir rodando cine aun sin ideas nuevas y tocar el clarinete los sábados. No es que IRRATIONAL MAN sea una excepción, no para mí, que detesto a Allen cuando se pone pretendidamente profundo, pero lo considero un mago de los momentos espontáneos, un genio de lo naif, porque en su cine, en el bueno, lo más sencillo de descifrar es lo que de verdad deja pensando al espectador. Y entiendo que no debe ser fácil comprimir a Dostoyevski en hora y media, como tampoco debe ser fácil encontrar química entre una de las parejas más improbables del cine reciente, un Joaquin Phoenix que no sabe si explotar su comicidad abstracta o dar rienda suelta a toda su ferocidad dramática. No está bien dirigido, y su interesantísimo Abe Lucas, un profesor de filosofía borracho y autodestructivo, va mutando en lo que al final todos sospechábamos: sí, un trasunto de Allen. A su lado, Emma Stone haciendo de pija que quiere pasarse al lado oscuro. No le sale. La trama es eso, Dostoyevski mezclado con unas gotas de Kant y adobado un esquelético entramado sobre la moralidad, la culpa, las relaciones represivas y hasta la ruleta rusa. No es que sea mala, es sólo correcta, y esta película echa mucho de menos una mano más destroyer que la de Allen, este Allen, claro.
Saludos.

domingo, 2 de julio de 2017

Rincón del freak #275: ... perra vida, la del cinéfilo...



Si yo les cuento, un poco así por encima, algunos fragmentos de ONCE UPON A TIME IN VENICE (la Venecia californiana, la playa, no la otra), pueden sentir irreprimibles deseos de migrar a latitudes blogueras menos laxas y frívolas, hundir sus necesidades intelectuales donde las aritas confabulan dedicadas a ignotos cineastas filipinos, que ruedan tomas de cinco horas en Súper8. Pero no, aquí pueden admirar cómo Bruce Willis paga el alquiler de su casa en la montaña rodando escenas como: pasear desnudo en skate, huir de una horda de travestis mismamente travestido, entrar en la casa de un "despiadado" traficante disfrazado de repartidor de pizzas y luego con una cesta de muffins, pedir dinero prestado a un prestamista y luego pedirle dinero a un amigo para pagarle al prestamista, cuando podía habérselo pedido antes al amigo... Y así durante una hora y media en la que uno no cree del todo que lo que está viendo tenga como intérpretes al propio Willis, John Goodman, Jason Momoa (bueno, este sí) o la gran Famke Janssen haciendo un relleno pequeñito. Una hora y media cuyo intrigante fuerte argumental es la recuperación de un perro, que encima ni siquiera hace gracietas de perro, sólo un perrete común y mondón. Ah, me olvidaba, también hay un tipo que hace graffitis de felaciones y samoanas adictas al sexo... Una joya para regalarle en DVD a su peor enemigo, vaya...
Saludos.

sábado, 1 de julio de 2017

El slasher abstracto (o ensimismado)



No es casualidad, ni motivo de extrañeza, que el último film del músico y cineasta Rob Zombie se estrenara en Sundance. La deriva del cine de Zombie ha ido adquiriendo unos tintes que bien podríamos calificar de experimentales, fuera de los parámetros de la industria convencional, incluso de la que promulga productos similares a los suyos, slashers de serie Z, a la vieja usanza, con nulo gusto por los efectos digitales y una querencia enfermiza por manchar a señoritas poco arropadas con salsa de tomate. 31 es una película que quizá no guste tanto a los fans del género, un espídico paseo por una especie de recreación del infierno, al que llega un grupo de amigos que representan el ideal setentero de comuna liberada de dogmas sociales. Desconozco si al señor Zombie le ha dado la vena conservadora y babea filmando la penitencia de quienes se atrevan a ser libres; no creo que sea así, pero su texto no es algo que no hayamos visto antes, y sí que arriesga en lo conceptual, dotando a la película de una estética de cómic descarada (planos congelados que dan paso a encuadres de viñeta... presentación exclusivista de cada uno de los personajes). Como si intentara fusionar al Tarantino más salvaje y al Batman de "Arkham Asylum", Zombie filma en sincopado, a hipidos, resintiendo una historia que habría sido más interesante con un guion más elaborado y apoyado, apenas, en algunos parlamentos pretendidamente filosóficos y un retablo de deformidades que incluyen lindezas como enanos chicanos nazis, gigantes alemanes con tutú o payasos con motosierra. Y repito: el concepto visual lo maneja este señor, pero contar algo inteligible como que no.
Saludos.

viernes, 30 de junio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #26



ROMANZO DI UN GIOVANE POVERO es la adaptación que Ettore Scola hizo, en 1995, de una historia que ha conocido diversas versiones, tanto en cine como en televisión, y que narraba la sórdida historia de este "joven pobre", Vincenzo Persico, un tipo agobiado, aplastado por su propia incapacidad para desenvolverse en el mundo. Entrado ya en la treintena, vive con su madre viuda, que lo fustiga constantemente con las "grandezas" de su difunto padre, y le recrimina el no tener un trabajo "como es debido", por lo que su nivel de vida ha decaído notoriamente y cada vez es más complicado mantener las apariencias. La solución a los problemas de Vincenzo se encarnan en su vecino, un anciano que vive anclado en el pasado y que le narra cómo conoció a su mujer, una bella cabaretera de un impreciso país del Este, que con los años se ha convertido en un peso muerto que se dedica a sestear y comer helado. El vecino urde un tétrico plan para que Vincenzo acabe con la vida de su esposa, así él obtendrá la mitad del caudal que la misma guarda en una caja de sombreros y el otro quedará libre para flirtear con la joven que regenta un puesto frente a su casa.
Scola filma una comedia negra, brillantemente costumbrista, que plasma con agudeza las muchas caras que puede contener una comunidad vecinal aparentemente anodina; como inane es el personaje principal, un tipo que estudió, o que hizo como que estudiaba, para terminar aplastado en trabajitos sin futuro ni remuneración. El tránsito de éste, hasta convertirse en un ser despiadado y amoral es el sustento de este chabroliano relato, en el que Alberto Sordi hizo su última y magistral interpretación y que merece la pena rescatar del olvido para constatar el gran narrador que fue Ettore Scola, cualquiera que fuese el género que tocara.
Saludos.

jueves, 29 de junio de 2017

Épica del émulo



Hace ya muchos años que vengo sosteniendo la idea de que uno de los films que más daño le han hecho al cine moderno es MULHOLLAND DRIVE, de David Lynch; no es que le tenga especial odio a la película, que me aburrió la primera vez que la vi, me entretuvo la segunda y sólo me empezó a gustar en un tercer visionado. No, el problema es otro, y es que Lynch tiene mucho talento, y no todo el mundo puede decir lo mismo, y fragmentar una historia, sumergirla en los pantanos de lo onírico, o emplear la desesperante técnica narrativa de "una historia dentro de una historia dentro de una historia...", si no se parte de un material plausible, seguramente desembocará en el más injustificable de los despropósitos y/o pedantería. Le ocurre, por ejemplo, a BOTTOM OF THE WORLD, segundo trabajo de Richard Sears, tras nada menos que veinte años sin estrenar nada. Se trata de una película que creo que toma el camino equivocado desde el primer instante, y que tras un arranque prometedor prefiere no mantener una estructura más o menos lineal y desparramarse por los cerros "mulhollandianos". Yo no entendí nada, y no porque te estén descubriendo la piedra filosofal, sino porque el metraje está repleto de situaciones inconexas, frases sin sentido, lugares comunes e interpretaciones limítrofes con lo penal. Con una excepción (que por eso no la pongo el Domingo), Jena Malone, una de esas actrices que merecerían mayor atención por parte de la industria y capaz de contener en su apariencia mundana tanto a la vecina de al lado como a una irresistible vampiresa. Lo único que puedo salvar de esta película a la que sólo puedo poner un calificativo: innecesaria.
Saludos.

miércoles, 28 de junio de 2017

El muro se paga solo



Lo dijo Trump. Ahora puede que proliferen pelis sobre muros, construidas alrededor de muros, dentro o fuera de los muros. Películas limítrofes, inenarrables, dislocadas, sacadas de contexto, como THE GREAT WALL, una película tan mala, tan mala, que trasciende su propia maldad y acaba gustando ¿Por qué? Pues porque al otrora gran cineasta Zhang Yimou lo han engatusado para dar lustre a una producción convencional y él la ha convertido en otra cosa ¿Que queréis un blockbuster galopante y ruidosísimo? Pues yo me tiro por otro lado, por las no siempre tan justificadamente reivindicables subproducciones de la factoría Hammer. Esto es: guion descabellado, cuando no directamente inverosímil; efectos especiales realizados en serie, de los baratitos; y un par de cabezas visibles que den relumbrón al montante, que en este caso, aparte del propio Yimou, son nada menos que Matt Damon y Willem Dafoe. En fin, una cosa... no sé cómo explicarlo... Marciana, rayando la broma pesada, con algunos momentos deliciosamente delirantes, como de los años ochenta y otros (probablemente los que le han dejado al director de SEMILLA DE CRISANTEMO) de una belleza formal que te deja pensando un rato si no habrán unido dos películas en una. Yo, insisto, creo que hay que verla, aunque sólo sea para poner a prueba nuestro grado de pedantería cuando hemos defendido lo de los siete vampiros de oro como una "película de culto"...
Saludos.

martes, 27 de junio de 2017

El problema de la gestación subrogada



Y, bueno, hablemos de BEN-HUR'16, la ¿puesta al día? de la clásica y multiversionada novela de Lewis Wallace, y uno de esos títulos que pertenecen por derecho propio a la cúspide de lo que los nostálgicos conocemos por el Hollywood de los grandes estudios. Este BEN-HUR, dirigido por el ruso Timur Bekmambetov, es otra cosa, muy diferente a la demoledora obra maestra de William Wyler, y ya ni hablo de la primigenia de Fred Niblo. No se lleven a engaño, porque precisamente no es casual que haya una hora y media menos de metraje en esta versión, o que la celebérrima escena de la carrera de cuádrigas sea el fin que justifica una hora y pico de actores recitando gracietas del método. El problema de este BEN-HUR no reside en su valía artística, que en su justa medida la tiene, y no es mejor ni peor que la avalancha de títulos que Estados Unidos escupe cada temporada, repitiendo cánones encorsetados; no, el problema es que se ha tomado demasiado en serio a sí misma y ha terminado siendo lo que su director representa: un vientre de alquiler para cineastas que no están por la labor de manchar su buen nombre con una adaptación que, digámoslo ya, era simplemente innecesaria. A mí me parece bien que estos directores, foráneos en su mayoría, aterricen en América sin complejos, dispuestos a hacerse cargo de estos "elefantes blancos", que sólo sirven para recaudar y engrasar la maquinaria, lo que ya me mosquea desde hace tiempo es precisamente qué hacen los otros... He ahí una cuestión que le tocaría desentrañar a algún crítico más sesudo que servidor. Por otra parte, si este verano quieren una siesta plácida aquí tienen un buen somnífero si lo ponen al volumen adecuado...
Saludos.

lunes, 26 de junio de 2017

Coco o músculo



Con una película como LIFE, es mejor no andarse con rodeos, no hace falta para pasar un ratito entretenido viendo las andanzas de un grupo de astronautas que han descubierto una forma microscópica de vida en una misión a Marte. Lo que Daniel Espinosa (que pese a su nombre es de origen sueco) propone es una relectura, en clave de descarada serie B, de ALIEN. Lo dicen casi todos los críticos, lo digo yo y lo puede decir cualquiera con total tranquilidad, porque es lo mismo, solo que con menos tensión (algunos momentos rayan el cansinismo) y apenas un par de guiños al cine gamberro, del que evidentemente no forma parte, pero del que recoge un par de apuntes en forma de escenas truculentas. Sorprende el reputado elenco, con Jake Gyllenhaal y Ryan Reynolds al frente (aunque éste sale poco), que salva la función más de una vez, justo cuando parece que todo se va a ir al traste de lo vergonzante. Y poco más. Que el bicho en cuestión no es demasiado impresionante, además lo vemos evolucionar desde el principio, por lo que el elemento sorpresa no ha lugar, y tampoco se logra la previsible atmósfera claustrofóbica, de saberte amenazado en un sitio tan inhóspito como el espacio exterior. Una película que se deja ver, se olvida fácilmente y luego a otra cosa, sin más.
Saludos.

domingo, 25 de junio de 2017

Rincón del freak #274: Sólo los imbéciles pueden autoexterminarse



ENCOUNTERS es una de esas películas incomprensibles que proliferan de un tiempo a esta parte, extendiéndose como una epidemia fatal, dispuesta a tragarse cualquier atisbo de calidad y coherencia. Además, es danesa... Imaginemos la constante nórdica de preguntárselo absolutamente todo, de desconfiar de lo sobrenatural por decreto, pero que al mismo tiempo esto sea el eje principal sobre el que rota esta mamarrachada. Primero porque no tengo ni puñetera idea de a qué van estos cuatro insensatos a rodar una bazofia de serie Z a un bosque perdido en Suecia, aunque ahí había una veta, la de los chistes que los daneses no paran de hacer sobre los suecos... Eso habría estado bien, pero hay otra cosa más importante, que no es otra que emular aquello de la bruja de Blair, que se ha convertido en un recurso simplemente insoportable. Los tipos lo graban todo, y tampoco sabemos por qué, pero así es. Y ahora, la trama: cuando llegan al sitio (como ya dije, el culo del mundo) se preocupan mucho porque hay unas luces que brillan, pero no ven nada, y entonces uno de ellos desaparece y luego aparece, pero lo divertido es que, suponemos, hay unos extraterrestres que cosechan humanos, los clonan y... bueno, no sé. Luego entran en un búnker militar, que sería la única localización barata aparte del bosque, pero no pasa nada excepto que se ponen a correr por los pasillos. Fin.
Moraleja: ningún sueco va a ir en tu ayuda si una nave gigante extraterrestre está iniciando el proceso de abducción en su país, por eso lo de "hacerse el sueco"...
A von Trier le encantaría...
Saludos.

sábado, 24 de junio de 2017

Un héroe etéreo



PHANTOM BOY es una pequeña producción animada, que no sería muy relevante de no ser por dos detalles: está hecha en Francia y a mano. Y en un mundo, el animado, en el que sólo parece haber dos competencias verdaderamente fuertes, la maquinaria digital norteamericana contra la filigrana artesanal japonesa, de vez en cuando surgen propuestas como ésta, desprejuiciadas joyitas en las que disfrutan tanto los más pequeños como los mayores. La historia no es muy original, y vuelve al eterno dilema del villano que va a dominar toda una ciudad y un improvisado héroe dispuesto a pararle los pies. Sin embargo, la originalidad proviene de que este héroe es una especie de proyección astral, el "chico fantasma" sale literalmente del cuerpo de Léo, un chaval de 11 años que sufre una grave enfermedad que lo mantiene en el hospital, a la espera de una cura. Así, se juega con el interesante silogismo del poder de la imaginación, pues a lo mejor toda la acción está únicamente ocurriendo dentro de la fantasiosa mente de Léo, que imagina una vida más allá de las paredes, sin límites aparentes. Con las voces de, por ejemplo, Audrey Tautou o el gran Jackie Berroyer, PHANTOM BOY es una de esas rarezas que te dejan con buen cuerpo, un film sin pretensiones vanas, apenas construir un artefacto muy entretenido para todas las edades, que no es poco hoy día para un film hecho enteramente a mano.
Saludos.

viernes, 23 de junio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #25



MARIO, MARIA E MARIO puede, debe ser considerada como una película de transición, menor si se quiere, en una filmografía vasta y repleta de momentos fulgurantes. De nuevo escrita junto a su hija Silvia, pretende amasar dos líneas narrativas difíciles de conciliar. Por un lado, la primera hora abarca prácticamente por entero la crisis del PCI, concentrada en mogollónicos mítines asamblearios que harían las delicias de Pablo Iglesias. Por otro, otra crisis, más íntima, la del matrimonio formado por Mario y Maria, que han sido felices hasta que la monotonía se les instaló en el comedor, justo frente a la tele. Otro Mario, amigo en común, comunista amistoso, intenta solazar a la pareja endosándoles un discurso pseudopoliticista que ahí le hubiese venido bien a Santiago Carrillo, pero cuyo efecto no es el esperado, ya que Maria cambia a un Mario por el otro... Y no le va bien a Scola tanto descosido y remendado, y menos prescindiendo de sus impagables golpes de humor socarrón y firmando un tibio panfletito que a lo mejor no era más que una carta despedida a aquel partido, quién sabe...
Saludos.

jueves, 22 de junio de 2017

Jarabuchina mental



No tengo ni la más mínima idea de qué tenían en mente Ben Affleck y Leonardo DiCaprio cuando decidieron adaptar la novela de Dennis Lehane, pero sí sé que se trata de una de esas temibles películas "Frankenstein", compuesta de otros tantos trozos de otras tantas películas, sean conocidas, legendarias o ignotas. E incluso podríamos afirmar que podría ser un lujoso piloto para "Boardwallk Empire", pero no es tan lujosa ni tan ingeniosa; en realidad, LIVE BY NIGHT parece un compuesto artificial, artificioso, que, quizá víctimas de una droga potente, nos daría para decir que es una genialidad, una película de gangsters hecha de la misma manera que la habrían hecho Wellman o Curtiz, con toda esa chulería barroca y fantasmal de quienes miran al revólver de frente y con media sonrisa. Pero no, no puede ser, no puede armarse su discurso, no se sabe si nos están contando CASINO, o CASABLANCA, o de repente ha llegado la trascendencia expresionista de Thomas Anderson para desembocar en unos diálogos sonrojantes, sin ritmo, presentando a los personajes como si fueran invitados de piedra. No sé, lo desconozco, pero para estas cosas tan raras yo tenía un profesor en EGB que nos miraba como Fumanchú y nos decía que nos peináramos, que con esos flequillos todo en la cabeza era una empanada, una jarabuchina mental. Y olía a Álvarez Gómez bajo su chaqueta gris cemento...
Saludos.

miércoles, 21 de junio de 2017

La ebriedad del poder



Hay quien, en un comprensible arrebato simplificador, transcriba el arranque de SUBURRA en una mera parafernalia muy a caballo de los fuegos artificiales sorrentinianos y el cine neomafioso de Garrone. Nada de eso, o quizá un poco, pero no lo bastante como para no saber ver lo que esta estupenda película es capaz de ofrecer por sí misma, que yo he identificado muy al fondo de su trepidante ritmo, que debe ser lo que la ha catapultado en la taquilla italiana. SUBURRA (vulgarismo con el que, desde la época del Imperio Romano, se conoce a los suburbios de más baja extracción social) pone, expone e impone a través de diversas capas narrativas; es notable su coralidad bien entendida, evitando confusiones, y el encomiable trabajo de guion, que no pierde nunca el epicentro alrededor del que se van moviendo políticos y mafiosos, fundamentalmente, y toda la diversa fauna que se ve atrapada en la epidermis ponzoñosa de la corrupción, la extorsión y la lucha por no perder la posición adquirida y arañar hacia arriba, a costa de cualquier precio. Sollima realiza un trabajo de guion centrífugo, haciendo girar a sus personajes, protagonistas o no, alrededor de un motivo único, misterioso, del que sólo sabemos algunos detalles vanos, pero al que ninguno de ellos puede resistirse. Como en una noria diabólica, equidistante, el político corrupto espera que se apruebe una ley en el congreso para medrar aún más en su grupo, pero una noche de sexo y drogas acaba fatalmente, y en su obsesión por no mancharse las manos es extorsionado por el gangster que le ha solucionado el lío, por lo que tiene un nuevo problema del que intentará salir de la misma forma; y entonces aparecen tres facciones mafiosas, que de igual modo van a ir actuando para ser los primeros, quizá los únicos, en sacar tajada del tenebroso proyecto. El hijo del antiguo capo local, salvaje e irreflexivo; un sanguinario mafioso de etnia gitana, que controla a una extensa familia; y un sombrío personaje apodado "el samurái", el único al que todos parecen temer y respetar, por tener contactos en todas partes. Así, todo el film es formalmente giratorio, implicando a cada personaje con el siguiente, y sucesivamente sin que ninguno muestre interés por desengancharse de lo que no es más que una inmensa borrachera de poder; y en último término, parece asomar una extraña moraleja, que no desvelaré, y que viene a advertir que quizá un poderoso sólo puede caer a manos de alguien insignificante, a quien efectivamente no vea venir de lejos.
Tremenda.
Saludos.


martes, 20 de junio de 2017

Empatía no es simpatía



Añadimos otro nombre reciente a seguir en los próximos años. El mexicano Michel Franco, con tres películas espaciadas en los últimos diez años, está intentando un ejercicio de funambulismo que se antoja complicado de mantener en el tiempo, y no sólo porque su propuesta sea arriesgada, tomando temas poco favorecidos y atractivos, sino porque se le atisban muchas influencias, y muy dispares, pero de momento le queda camino para ser poseedor de una mirada que se sepa totalmente propia. CHRONIC es su mejor película hasta la fecha, y aun así, aun ganando el premio al mejor guion original en Cannes, aun teniendo una interpretación memorable de ese gran actor que es Tim Roth, y aun echando un vistazo a lugares donde nadie quiere mirar con una calma encomiable, lo cierto es que Franco, como también ocurre con el "asimilado" Iñárritu o los outsiders Reygadas y Escalante, no consigue que entremos de manera completa en el hermético mundo interior que propone alrededor de la (no)vida de un enfermero, tan volcado e involucrado en su complicada tarea, cuidar a enfermos en su fase terminal, que probablemente toda su vida ha quedado reducida a dicha actividad, y le ha convertido en una especie de fantasma, un hombre que sencillamente no hace nada cuando no trabaja, y del que descubrimos que tuvo una vida familiar, y que seguramente la dejó escapar. Este hombre no es simpático, es empático, y esto es algo que no está bien visto en una sociedad que valora apariencias por encima de aptitudes. Es, con muchas dificultades, lo que Franco ensaya en este acercamiento al cine frío y distante (y también brutal) de Haneke, o incluso con un ojo puesto en Chantal Akerman, pero con una diferencia fundamental: no encontraremos aquí a psicópatas, solipsistas o manipuladores emocionales, tan sólo a un hombre que ayuda a otras personas antes del complicado tránsito hacia la desaparición.
Por cierto, leerán muchas cosas y ninguna positiva acerca de su plano final. Sí, es tan malo y prescindible como parece, una autoconcesión típica de un director poco experto.
Saludos.

lunes, 19 de junio de 2017

Colapso total



El auge que está experimentando el cine coreano en los últimos años no está ni mucho menos constreñido a experiencias autorales, sino que se extiende hasta el cine comercial, desafiando quizá al gigante norteamericano, obligándole a la reinvención constante, porque los coreanos hacen verdaderos peliculones para todos los públicos. TEONEOL (EL TÚNEL) es un film de esos que están tan de moda últimamente, en los que un tipo normal y corriente se enfrenta a una situación límite, en este caso el derrumbe de un gigantesco túnel por el que pasa en su coche, dejándolo aislado del exterior, con toneladas de piedra amenazando con caerle encima, un móvil del que sólo obtiene señal en un punto concreto y un par de botellitas de agua. Kim Seong-hoon, en el que es su segundo trabajo, realiza un film inteligente, que juega con la interacción entre el hombre atrapado y el encargado de sacarle de allí, y de la incompetencia de los políticos, siempre apegados a sus intereses, y de los periodistas, que buscan el titular por encima de todo. Hay que achacarle, si acaso, una duración excesiva, la película dura más de dos horas y es complicado mantener el interés durante tanto tiempo con un entorno tan reducido, lo que la acerca peligrosamente a la monotonía, pero es un film tremendamente entretenido y que mira de frente a cualquier superproducción similar que tengan en mente.
Saludos.

domingo, 18 de junio de 2017

Rincón del freak #273: El desproposalíptico



Hoy, servicio público, del bueno, del que sus vástagos me lo agradecerán cuando crezcan protegidos, al amparo de esta guía dominical del incauto tragafilms. Y, como suele pasar, uno ve el inmediato comienzo de THE QUIET HOUR (magnífico título, por cierto) y jamás de los jamases podría atisbar la bazofia que está a punto de tragarse. Una joven entierra algo, o a alguien, mientras su propia voz en off nos pone en situación: unos extraterrestres han llegado a la Tierra y la han arrasado para poder extraer un mineral... o un gas, o no sé qué leches, que les son vitales para su supervivencia. La chica dice que apenas hay alguna hora al día en la que pueden salir al exterior, ya que el resto perecerían en el acto, así que permanece en el interior de una granja junto a su hermano ciego.
Así contada parece que la ha escrito Shyamalan, por lo menos. El problema es que toda la película, enterita, transcurre entre esas cuatro paredes, con unos diálogos zopenquísimos y dos o tres actores que parecen becarios. Ojo, no es serie B, la serie B es otra cosa, o debe serlo, porque debe ser capaz de transmitir la idea que sea sin que su economía de medios sea un lastre. Pero esto es una tomadura de pelo, poco menos que un trabajo de graduación sin un solo segundo por el que merezca la pena estar atento a la pantalla. Además ¿extraterrestres? Lo único que salen son una especie de naves ahí, a lo lejos, todas iguales, quietas, sin hacer nada...
Terrible.
Saludos.

sábado, 17 de junio de 2017

Solo contra todos



Lo dije no hace mucho y a colación de la buena impresión que me había causado un film tan aparentemente previsible como TREN A BUSAN, y, decidido a rastrear los títulos anteriores de Yeon Sang-ho, todos en un austero diseño de animación, de momento no defrauda. SAIBI (traducido, es algo así como "La falsedad" o "La falacia"), es un salvaje ataque a los fundamentalismos religiosos, que va directamente a la yugular de los desalmados que siguen lucrándose a cambio de prometer parcelitas en el cielo y que además compone un thriller seco, que al contrario de lo que su título indica no regatea al espectador, sino que prefiere confrontarlo desde el primer minuto con su desolador argumento. Empezando por su brutal e impopular protagonista, el antisocial, violento y alcohólico Min-chul, un personaje que podrian haber diseñado a medias Bukowski y Gaspar Noé, quizá el único tipo con la lucidez suficiente para ver que la llegada a su pueblo de una iglesia ultracatólica sólo persigue un fin: quedarse con todo el patrimonio local, aprovechando que el pueblo va a desaparecer para convertirse en una presa y prometiendo una nueva reubicación terrenal, aparte de la celestial, claro.
THE FAKE es una película grosera, concebida en tonos oscuros, tenebrosos, desesperanzados. Con un lenguaje tan soez que incluso llega a parecer gratuito, y algunas escenas no aptas para todas las sensibilidades, por su explicitud física, pero sobre todo por su ataque frontal a los engaños a los que las pseudoreligiones someten a quienes ven en esos charlatanes su única esperanza de salvación. Un film necesario, valiente y que por ejemplo aquí nadie tendría huevos de hacer. Ahí lo dejo.
Saludos.

viernes, 16 de junio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #24



En 1990, y aún embarcado en las coproducciones con Francia, Ettore Scola rueda una nueva versión de la celebérrima novela de Théophile Gautier "El capitán Fracassa", de la que existe una película muda de 1929, dirigida por Alberto Cavalcanti y con un joven Charles Boyer, y otra mucho más prescindible de 1961, protagonizada por Jean Marais. IL VIAGGIO DI CAPITAN FRACASSA aporta poco al texto original y se limita a seguir las andanzas del Barón de Sigognac, un joven noble que vive en la miseria más absoluta en un castillo en ruinas y con la única compañía de un viejo sirviente, que prometió a su difunto padre que no lo abandonaría. Allí llegará una compañía de teatro, en unas condiciones no menos precarias, y con la que el Barón se marchará a recorrer un mundo del que desconoce hasta lo más simple de la existencia humana. La infortunada muerte del actor principal está a punto de arruinar una lucrativa función en la casa de un noble, pero Sigognac da un paso al frente y, sin apenas saber el texto, improvisa una actuación delirante, de la que tomará el equívoco sobrenombre de Capitán Fracassa.
Participante en el festival de Berlín, no obtuvo demasiada repercusión mediática, y aún hoy sigue siendo de los títulos menos conocidos de Scola, que tuvo aquí la última colaboración como actor del genial Massimo Troisi, que se erige en auténtico protagonista en su papel del comediante Polichinela. Una curiosidad, enteramente rodada en estudio y que merece la pena revisar a quien le gusten las comedias de época.
Saludos.

jueves, 15 de junio de 2017

Una rubia muy fresquita



Ahora que aprieta el calor de lo lindo, qué mejor manera de sacudírselo que dándose un chapuzón en una playa paradisíaca, mientras las olas elevan a los surfistas y los tiburones acechan a su merienda... El comentario no es gratuito, teniendo en cuenta la aversión que mi persona profesa a las grandes concentraciones de agua (mares, océanos, etc...), por lo que aún me sigo preguntando cómo accedí a tragarme THE SHALLOWS, si ya sabía de qué iba la cosa. Y, en fin, recomendaciones de algún bloguero imprudente aparte ¿qué quieren que les diga? Collet-Serra es capaz de filmar algunas escenas de surf muy bonitas, y hacer que el espectador sufra de manera solidaria con la desdichada protagonista, una Blake Lively a la que le sienta bien este rollo playero. La excusa está bien planteada, ya que se trata de una playa virgen por donde no pasa nadie, aunque "casualmente" la chica es estudiante de medicina, con las ventajas que ello ha de acarrearle. No hay spoilers que valgan, la cosa es muy simple, es ver a la protagonista resistiendo a base de ingenio y conocimientos el asedio de un tiburón blanco con muy mala uva. Si uno decide tirar por la credibilidad no hay tu tía, ni los tiburones de ese tamaño se acercan tanto a una playa, ni se quedan tanto tiempo merodeando, ni un bikini tan escueto puede tapar tanto en condiciones tan extremas... Ah, y sale Óscar Jaenada haciendo de sudamericano...
Saludos.


miércoles, 14 de junio de 2017

Una carrera sin meta



Me parece que es inevitable, casi necesario, desgajar las dos películas, las dos historias, narraciones o vertientes que se encuentran en el pulso y corazón de PATRIOTS DAY, la película con la que Peter Berg cuenta el terrible atentado terrorista en el maratón de Boston de 2013, al tiempo que rinde un sentido homenaje a una ciudad que se convirtió en ejemplo de colaboración ciudadana desde el primer momento para dar caza a los terroristas. Ahí, en la construcción formal de este relato expandido, Berg demuestra, una vez más, que está alcanzando cotas de maestría inauditas en estos últimos tiempos, y con la que consigue momentos de brillantez tal que uno no sabe si está viendo imágenes reales (nos consta que algunas hubo insertas) o construcciones ficcionales. Ahora bien, a todo esto le falla la consigna reflexiva, ya que sólo hay una dirección para el discurso sobre el que apoyar la maquinaria, y puede que sea mejor así, puede que sea mejor que alguien que quiere ensalzar los valores de la sociedad norteamericana simplemente lo haga, en lugar de querer quedar bien con todo el mundo. Esto lo manejaban muy bien los grandes maestros clásicos, y su legado lo recogió sin ningún temor Clint Eastwood, con el que Berg comparte su sentido de la dinámica y el no perder nunca la ubicación. Pero es necesario consignar esto y no llevarse a equívocos innecesarios, PATRIOTS DAY es cine de acción con cierto trasfondo histórico, y no al revés, y quienes quieran un discurso más atrevido intelectualmente tienen múltiples ejemplos, pero difícilmente los encontrarán en Hollywood.
Saludos.

martes, 13 de junio de 2017

Con todo el camino por recorrer



STRAY BULLETS es una peliculita evidente, demasiado. El trabajo en cadena de un grupo de amigos para ponerle en pie un temprano debut a un veinteañero, hijo del actor Larry Fessenden, que pese a tener cositas interesantes se queda en un corto alargado, repleto de lugares comunes y homenajes nada disimulados. De hecho, el grueso del film acontece en el interior de un coche, en el que huyen tres tipos tras una especie de atraco que ni siquiera es detallado, y mientras uno agoniza en el asiento trasero los otros dos discuten sobre qué deben hacer ahora... ¿A que les suena una barbaridad? Los personajes no están definidos, la trama es vaga, la tensión nula, y filmar un tiroteo a cámara lenta con el Ave María de fondo es una redundancia complicada de tragar. Todo ello con dos jóvenes alelados, muy alelados, disparando con una pistola de paintball que han sustraído, los muy pilluelos, buscando así la metáfora perfecta, porque "en este juego, aunque sólo quede uno, todos reciben disparos". Por mi parte, espero que el joven Fessenden siga puliendo sus posibilidades en futuros proyectos, no todo el mundo tiene la posibilidad de realizar un largo con su edad.
Saludos.

lunes, 12 de junio de 2017

El cine enfermo



LOGAN es un ejemplo cojonudo de lo que yo entiendo por "película enferma", una película renqueante, rezongona, fofa y casi aburrida de su propia existencia. Ahora bien ¿una mala película? No creo que ambas cosas sean incompatibles, la enfermedad es algo que se sobrelleva como se puede, pero ni dignifica ni avergüenza, simplemente nos hace replantearnos un par de cosas que antes nos habían pasado desapercibidas. En este sentido, hay dos aspectos que sobresalen especialmente: la violencia explícita y la sensación de derrota. Lo primero desmarca a LOGAN de la gran mayoría de films de superhéroes, y la deja más cerca de una realidad en la que cualquiera puede resultar herido, sobre todo con unas garras de adamantium por medio. Luego, Mangold (recordemos, director de la puesta al día de EL TREN DE LAS 3:10) inserta su historia en el corazón de todas las claves reconocibles del western crepuscular (en un momento dado, los personajes ven RAÍCES PROFUNDAS), lo que avisa de su dramático desenlace, donde ya el cómic original en el que se basa no tenía problema alguno en  realzar la estructura de vía muerta, de fin de viaje distópico y alternativo a esos X-men en constante reinvención y siempre jugueteando con su propia extinción. La película es un armatoste, demasiado larga y con la extraña decisión por parte del propio Mangold de no explotar los escasos momentos de catarsis, que pertenecen sobre todo a la imponente al tiempo que patética figura de un Lobezno que conduce una limusina de alquiler y vive en mitad de un desierto junto a un nonegenario y senil Charles Xavier, un espléndido Patrick Stewart, que transmite el enorme vínculo emocional entre maestro y alumno, como si de padre e hijo se tratara. Luego la película entra en la deriva usual de este tipo de producciones y alarga el espectáculo de disparos y miembros cercenados hasta casi las dos horas y media, y este guion tampoco daba para tanto. Aun así, en fin, no descubriremos nada ni seremos más inteligentes, pero es saludable ver de tanto en tanto que hasta los superhéroes pueden caer enfermos.
Saludos.

domingo, 11 de junio de 2017

Rincón del freak #272: Un asunto preocupante en más de un sentido



El asunto que me preocupa hoy no es tanto la ínfima calidad de la película en sí, sino el mantra en el que se está convirtiendo la productora y distribuidora Netflix, una especie de cajón desastre al que se le empiezan a ver las intenciones demasiado pronto y en el que tanto cabe una serie inmediatamente elevada a la categoría de "culto", un documental sospechosamente poco documentado, un telefilm disfrazado astutamente de cine serio o el caso de hoy, una película (y estoy siendo generoso) que parece copiar punto por punto todos los preceptos de los videojuegos, para intentar, supongo, construir un drama de acción. Ese es el problema, pensar que la traslación literal ha de surtir efecto espontáneamente, cuando lo que queda es un enorme e irrecuperable vacío. SPECTRAL, como videojuego que nunca existió estoy seguro de que funcionaría para los consumidores de este tipo de productos, pero su concepto del cine es tan pobre que se limita a mostrar a un grupo de soldados correteando de aquí para allá mientras se enfrentan a... a un... La verdad es que no tengo ni idea de a qué se enfrentan, porque parecían unos fantasmas de saldo, generados digitalmente y que al final sólo parecían tristes borrones moviéndose mecánicamente. Así las cosas, cabría preguntarse qué diablos lleva a dos magníficos actores como Bruce Greenwood y Emily Mortimer a embarcarse en tamaña tropelía... Me siguen hablando del vil metal y eso, y a lo mejor tendré que terminar por creérmelo...
Terrible.
Saludos.

sábado, 10 de junio de 2017

Qué es la pobreza



Una de las ideas más lúcidas que he escuchado viene a decir que es absolutamente imposible ejercer la revolución, llevarla a cabo, si no se está dispuesto a despojarse de todo lo que de accesorio tiene y contiene nuestra vida. Y la vida del hombre moderno es naturalmente artificiosa (bella contradicción), repleta de accesorios, adornos, cosas que solemos elevar a la categoría de iconos a los que adorar a falta de otros referentes más sólidos. De esto va, o mejor dicho quiere ir DEMOLITION, la última propuesta del realizador canadiense Jean-Marc Vallée, de un tipo, no más despreciable que otro cualquiera, que parece encontrar una verdad incontrovertible en su interior tras sufrir un accidente de coche en el que resulta muerta su esposa y él sale completamente ileso. Yo, ustedes saben, odio el tratamiento de "recurso infalible" que el cine suele dar a los accidentes automovilísticos, como si ello pudiera resolver de golpe y porrazo cualquier embrollo irresoluble en el que el guionista de turno se hubiese metido, y aquí Bryan Sipe es incapaz de mantener el pulso visual de Vallée, que le supera en todo momento. está bien que hablemos de la interpretación de Jake Gyllenhaal, que sigue buscando incansablemente su propio equilibrio entre el camaleonismo y la naturalidad, o de algunos momentos bella, sobriamente filmados con la saturación cromática de Yves Bélanger, pero hay algo mucho más importante que todo eso y que deja a DEMOLITION como un film más, quizá con una jugosa etiqueta en el reverso, un distintivo normalizador. Lo que impide que éste sea un estimable trabajo de un estimable director es lo que ya al final el personaje de Gyllenhaal le hace entender al de Chris Cooper, su enfurruñado suegro, que yo seré un poco menos revolucionario si tú eres capaz de serlo aunque sea un poco...
Saludos.

viernes, 9 de junio de 2017

Ettore Scola. Un italiano en Italia #23



En 1989, Ettore Scola dirigió dos películas. SPLENDOR, dirigida a las salas y de la que hablamos la semana pasada, y CHE ORA É, una modesta producción televisiva con la que Scola mantenía el tándem Mastroianni/Troisi, y que sorprendentemente es uno de los trabajos más redondos de toda su filmografía. Casi filmada en tiempo real, su argumento, sencillísimo, comienza con el encuentro entre padre e hijo; el primero es abogado en Roma, mientras el segundo está a punto de acabar el servicio militar y, licenciado en letras, sueña con dedicarse a escribir. Si alguien me preguntara sobre las mejores adaptaciones literarias en pantalla, esta película estaría en un puesto de honor, aunque curiosamente se trate de un guion original del propio Scola y su hija, Silvia, con lo que ello conlleva de ejercicio catártico. Estos dos hombres mantienen conversaciones banales mientras pasean, comen, beben; palabras de las que el espectador extrae toda una historia, le de dos generaciones que están condenadas a no entenderse cuanto más lo intenten, pero la mano maestra de Scola y sus dos extraordinarios intérpretes es capaz de construir la historia de esta "familia" en completo fuera de campo, y como si de un maravilloso y revelador anticipo de aquel Richard Linklater que hizo pasear tantas veces a Ethan Hawke y Julie Delpy, esta "novela filmada", evitando innecesarios y burdos psicologismos, logra que seamos nosotros mismos quienes descifremos cada intención tras lo que un padre y un hijo no son capaces de decirse sin caer en el eufemismo.
Una delicia, injustamente olvidada y que es un magisterio de economía de recursos para erigir una pequeña obra maestra.
Saludos.

jueves, 8 de junio de 2017

Una sesión agotadora



Coincido en que SPLIT es el trabajo más serio y estimable desde aquellos lejanos tiempos de SIGNS o UNBREAKABLE; una película en la que la forma sí está acompañada de un fondo de verdadera entidad, y en la que subyace (nunca mejor dicho) una doble personalidad que quizá sea su gran debilidad y lo que no permite que este trabajo vuele a mayor altura. Digamos ya que SPLIT es un actor, James McAvoy, enfrentado al reto de mostrar diferentes personajes encerrados en un solo cuerpo sin ningún tipo de modificación corporal, tan sólo un actor y su propio talento para dicha tarea. He ahí lo más interesante del film, aunque esta vez lo que falla es la trama, y por mucho que Shyamalan emplee su consabido truco de la información racionada, llega un momento en el que se pierde la perspectiva y primordialidad del argumento principal, y no se sabe si es más importante el seguimiento para encontrar a las chicas raptadas o el porqué de dicho rapto; si el despliegue de personalidades de Kevin o la lucha interna por controlar a cada una de ellas. En ese sentido, me pareció una decepción ese crescendo que anticipa constantemente a la última personalidad oculta y terrible revelación final, y a Shyamalan le podría haber quedado un film más compacto y retorcido de haberse centrado en las mejores secuencias que filma, las de los encuentros entre Kevin y la psiquiatra, donde llegamos a dudar de si efectivamente el paciente adopta una personalidad o en realidad es otra personalidad haciéndose pasar por otra personalidad... Más retorcido, imposible.
Aun así, buena piedra de toque para que el director de LA JOVEN DEL AGUA vuelva a reinar en esto del "terror inteligente y comercial".
Saludos.

miércoles, 7 de junio de 2017

Apuntes casi a punto



THE VOID es una película que todos los fans del género fantástico/terror/ciencia ficción te van a recomendar encarecidamente que veas, supongo que por cierta carestía que venían sufriendo desde hace varios años, y que apenas plasmaba en obras no del todo redondas, sino compuestas de retazos, apuntes sobre el meollo de lo que verdaderamente había venido a contar. Y lo que venía a contar era, una vez más, el siempre complicado acercamiento al universo creador de H. P. Lovecraft; esa mezcolanza de mitos extraterrenales, sentencias absolutistas sobre la inevitable derrota de la humanidad y horror cósmico, sea esto último lo que sea. El caso es que THE VOID no consigue tampoco aprehender del todo la causa lovecraftiana, y aunque contiene momentos que, sacados de contexto, contribuyen a pensar en su ascendencia, también contiene algunas licencias que la dejan a mitad de camino de tamaña empresa. De hecho, para un espectador avisado podría estar más cercana al cine de John Carpenter, ya que contiene homenajes explícitos a LA COSA, pero también al asedio de ASALTO A LA COMISARÍA DEL DISTRITO 13 e incluso a la tensión narrativa de HALLOWEEN. Se agradece una barbaridad ese esfuerzo en recrear efectos especiales no digitales, en intentar lograr que la inquietud no provenga de la explicitud, e incluso ese ambicioso final, que no me parece tan terrible como he leído y es un interesante ensayo, ahí sí, de un imposible: poner en imágenes a Lovecraft y dar forma a su decadente y abstracto concepto del terror. Una película, en suma, para ver sin prejuicios y que, sin llegar a ser ninguna maravilla, encuentra su lugar en mitad de una oferta que suele repetirse más que el ajo.
Saludos.

martes, 6 de junio de 2017

La danza del león



La otra vertiente de películas que estoy viendo con mi hija pertenece a todo lo que tenga que ver con el fascinante mundo de la danza, donde ella está dando sus primeros e ilusionantes pasos. Y un buen documental, que por cierto aún está en cartelera, es DANCER, arrebatado biopic de Sergei Polunin, inclasificable bailarín, rebelde, capaz de la más frágil ternura y la fiereza más desatada y que se retiró con apenas 26 años, cuando estaba considerado, simplemente, el mejor bailarín del mundo. Esta es la historia de Polunin, desde su miserable infancia en un suburbio de una insignificante ciudad ucraniana; es la historia del terrible sacrificio que hizo su familia para poder costear las clases de un niño con un don especial y que no podía dilapidarse, por lo que todos aportaron, e incluso Sergei no pudo ver a su padre durante los seis años que estuvo trabajando en Portugal. Es una historia de superación, sin victimismos, de voluntad, de trabajo y entrega constante, pero también de la toma de conciencia del propio Polunin de la anchura de la vida cuando obtuvo una beca para iniciar una carrera en Londres. El documental, aun con algunos problemas para cohesionar el tono total de la narración, combina una parte biográfica clara con algunos extractos del bailarín ejecutando movimientos imposibles, al tiempo que entramos en la controvertida personalidad de Polunin, que no tiene ningún problema en admitir que no puede salir al escenario si no es bajo los efectos de una potente combinación de fármacos para poder resistir el exhaustivo dolor. Un tipo curioso, un genio, denostado por sus devaneos apócrifos y quizá menos idolatrado de lo que debiera, con una carrera demasiado corta, aunque brillante como una supernova.
Un documental estupendo para disfrutar la danza, los bailarines.
Saludos.

... ¿Y todo esto lo ha hecho usted solo?...
No, necesité estar rodeado de siete mil millones de personas...

¡Cuidao con mis primos!