Windham Hill Records presenta

 

Quizá David Cronenberg debería replantearse parar. THE SHROUDS es al cine lo que William Ackerman a la música: un tipo sin problemas que hace música sin problemas. Y añado que no conntento con hacer su música, le da por crear todo un sello, que es como diría el propio Cronenberg "una hermosa manera de propagar una infección". Primero ¿es THE SHROUDS la peor película del canadiense? Pues probablemente. Primero porque está muy mal rodada, con el mismo aspecto desaliñado y poco aseado que lucen sus personajes; quizá no Vincent Cassel, aunque éste sería el Ackerman en cuestión. Es que cuesta atribuirle un hilo narrativo a una cosa tan vaga como ésta, una especie de "agobio del primer mundo", donde un tipo millonario inventa un sistema para monitorizar cadáveres gracias al sudario que los envuelve ¿Porque es un morboso? No... bueno, no queda claro, porque le mola ver el cuerpo en descomposición de su esposa fallecida (por cierto, en un digital de vergüenza ajena), porque... bueno, joder, no tengo ni zorra idea. Mira tú por dónde, la finada tenía una gemela (madre mía, Cronenberg, que has sacado a Diane Kruger fea) que ronda por la casa de diseño zen de su cuñado, mientras su marido (Guy Pearce haciendo el retromonguer)le arregla el wifi y eso. Entre medias, tenemos que creernos una conspiración initeligible que implica a lis chinos, los rusos y un señor en Islandia, que como Cronenberg no tenía presupuesto para rodar allí lo saca por videollamada. Y Cassel, más Ackerman que nunca, pone la misma cara de señor dependiente del IMV para: lamentarse por el vandalismo de lápidas, meterse en un sudario de esos, follarse a una ciega coreana (o eso dice) y fantasear con su cuñada, mientras sueña con las visitas nocturnas de su esposa, a la que cada vez le faltan más piezas, como un Míster Potato...

Esto no va el domingo por el respeto que le tengo a su director, pero me parece que ya debería haber entregado la cuchara hace tiempo. Tiene algunas de las escenas más ridículas, de comedia involuntaria, de este año.

Saludos.

Crónicas del interior

 

Es extraña la sensación que deja CRIMES OF THE FUTURE, último film de David Cronenberg, y que parece anticipar el fin de una carrera tan larga como apasionante. Conscientemente, el director canadiense elige una de sus primeras obras para realizar una especie de "muestrario de posibilidades", como si de repente necesitara confesar cuáles han sido los motores de sus obsesiones narrativas. En un giro diabólico, no es una película fallida por lo que es en sí misma, sino por el lugar que ocupa. A menudo solicitamos indulgencia para esas "últimas obras", inferiores pero bienintencionadas, en las que atisbamos agotamiento, pero puede más el dictamen nostálgico. No he podido evitar pensar en uno de esos señores mayores que, a modo de holograma viviente, esconden sus años con ropajes y peinados que no se sienten como suyos, pero que siempre tendrá un defensor que invoque no sé qué del derecho a ir como uno quiera, sin pararse a pensar en la posibilidad de jugar limpio con uno mismo. CRIMES OF THE FUTURE no merece una crítica per se, y sí una mirada bondadosa, para no caer en la tentación de destrozar a un director que no lo merecería, básicamente porque es poseedor de una trayectoria tan influyente como inclasificable, y eso es mucho más importante que ponerme yo aquí a falsear con atributos que no van a volver jamás.

Saludos.

Ready next player...

 

Hacía una eternidad que no volvía a ver ExISTENz (permítanme la obvia licencia gramatical), película que entendí más o menos el año de su estreno, pero a la que he vuelto para zambullirme en su compleja y mordaz trama, nada menos que 22 años después. Y es que su precursora visión de las realidades virtuales, y de cómo éstas afectan decisivamente a nuestra propia percepción de la realidad (o lo que llamamos "real"), creo que cobra, hoy día, inusitada vigencia, y lo eleva como uno de los trabajos más lúcidos de Cronenberg, incluso como gran manual para comprender sus filias, fobias y obsesiones más recurrentes. Más allá de su chocante imaginería, en la que destacan toda suerte de artefactos que han de pasar por tecnológicos, pero que representan extraños "mecanismos biológicos", su laberíntica trama, que llega a rozar lo esquizoide, se mantiene atenta a los códigos de conducta de una sociedad fanática e intransigente. Por un lado, los adeptos de esa nueva realidad, conectada directamente en la espina dorsal de los "jugadores"; por el otro, una especie de terroristas, refractarios a traspasar dicho umbral cognitivo, y que se dedican a sabotear los encuentros de los primeros, capitaneados por la legendaria programadora Alegra Geller (una espléndida Jennifer Jason Leigh). Ésta, acompañada de un recién llegado que debe protegerla tras un atentado (un jovencísimo Jude Law), debe completar una críptica misión por ese mundo que ella misma ha ideado, tan sólo para descubrir(nos) que perderse en los meandros virtuales puede llegar a poner a prueba la cordura misma. Es en su poderoso y redondo desenlace, y sólo entonces, cuando la naturaleza de la historia consigue poner a prueba todo lo que hemos visto anteriormente, en un alarde de complicidad compositiva, y aderezado todo con un diseño de producción sobrio y altamente funcional. 

Una película que merece mucho la pena volver a repensar, y que de momento nos sirve para poner ya el punto y aparte al exhaustivo repaso a la filmografía del canadiense, que retomaremos en su próximo, postergado y esperado estreno.

Saludos.

Las tibias hermosuras

 

Nos aproximamos al ocaso de este repaso a la filmografía de David Cronenberg, y llegamos, curiosamente, a la que quizá sea su película menos representativa. M. BUTTERFLY parece un extraño encargo, como si el director sólo se hubiese pasado por el rodaje de vez en cuando, para verificar y tal, y de paso rodar algunas escenillas. Se me hace complicado encontrar aquí alguna seña de identidad, lo que no debería ser necesariamente malo, pero que en el caso de Cronenberg queda demostrado que es más una rémora que un ejecutado de riesgo asumido. Puede que sea la estática adaptación que el dramaturgo David Henry Hwang realizó de su propia obra teatral, que escribió con sólo 31 años. Tampoco ayuda la imposibilidad de abstraerse de la sorpresa argumental, prácticamente desvelada desde el principio, y con algunos momentos bastante incómodos entre Jeremy Irons y John Lone, que no logran encontrar la química suficiente. Salvaría algunos fogonazos estéticos, pertenecientes a la recreación de la China de Mao, o el desolador final, estremecedor pese a lo teatral. Un film extrañamente sombrío, como apagado, y que transitaba un camino, el del melodrama romántico entre trágico y exacerbado, que por fortuna no volvería a tocar.

Se puede ver, pero es de las peores suyas.

Saludos.

Oratoria del yonqui

 

Algo me trastornaba. No haber visto todavía el atrevimiento de Cronenberg, llevar a la pantalla THE NAKED LUNCH, el inadaptable laberinto creado por Burroughs a modo de exorcismo impenitente. Y hay que hacer varias advertencias, de la película y de la novela. La primera no es la segunda, sino el intento de taponar el chorro verbal de ésta, buscar una ubicación tangible donde no existe más que el deseo de escribir, de explicar a quien no siente ese deseo que la vena queda rajada para siempre. Ésta es una narración que sólo tiene sentido en la ficción más pura, la que se despoja de lo terrenal para abrazar lo puramente sensorial. No me extraña, por tanto, que no la hayan entendido; pero Cronenberg, incluso entendiéndola muy bien, tampoco podía adaptarla, sólo adaptar su propia mirada con ayuda de esta biblia apócrifa. El protagonista es un escritor que no quiere ser escritor, o que no sabe que sólo sabe escribir, que no sabe vivir en el mundo de los que escriben, no quiere. Él quiere las drogas, el abandono del cuerpo, y transmuta las máquinas de escribir en seres tristemente piadosos, insectos con cuyo exterminio creía ganarse la vida, cuando le hacían señas para que introdujese las manos en su abdomen mágico y lleno de palabras. Es la historia del yonqui, y si nunca lo han sido no lo entenderán; es la maldición del escritor, que teme explicitar lo que ya sabe, ingresar a esa "Interzona" donde escriben funcionarios sin talento. Y ahora, después de 30 años, justo el tiempo en que leí aquella novela de la que no entendía una palabra, lo veo claro. El mensaje encriptado de Burroughs se hace carne en la mejor y más inclasificable película de Cronenberg...

Saludos.

Unidos

 

De la unidad, del todo de las partes, o de la locura de "reemplazar" al otro. Sobre esos intangibles es desde donde, a mi modo de ver, debe enfrentarse DEAD RINGERS, una película mucho más sutil de lo que parece, y que transcurre en un territorio ambiguo y desolado, el de la psique de dos hermanos gemelos, iguales pero diferentes, y que se repudian tanto como se necesitan. Y eso que el guion, escrito por Cronenberg y Norman Snider, partía de una novela bastante normalita de la escritora de horror y misterio Bari Wood, que abundaba más en lo truculento, y que aquí se torna más piadoso, por mucho que estemos ante un vertiginoso descenso a la auto destrucción. El film cuenta la vida de dos hermanos gemelos, convertidos en reputados médicos ginecólogos, y que han construido su vida prácticamente compartiéndolo todo. Viven juntos, dirigen la misma clínica, e incluso acuerdan un perverso juego, mediante el que Elliot, más abierto y encantador, es quien ejerce de seductor, mientras que Beverly, brillante pero retraído, se hace pasar más tarde por su propio hermano, haciendo creer a las mujeres que son la misma persona. Pero todo se tuerce al conocer a una famosa actriz que acude a su clínica, y con la que Beverly queda fascinado, ya que posee una rarísima matriz triple. Con un portentoso trabajo de Jeremy Irons, Cronenberg nos sumerge en el decadente espectáculo de estos dos hermanos, y de cómo su estrella va apagándose a medida que sus mentiras y frivolidades van quedando al descubierto, acentuado por el resquebrajamiento mental de Beverly, poco a poco convertido en un drogadicto y sumido en una crisis de identidad, incapaz de saber quién es realmente. 

Una película no tan evidente como cabría esperar del director canadiense, y que ya iba despejando su posterior vertiente, más reflexiva y analítica.

Saludos.

Fanáticos de medio pelo

 

Es conocida la vinculación de David Cronenberg con el medio televisivo, no tan prestigiosa como la cinematográfica, pero con algunas curiosidades bastante impactantes. Hubo una serie, a finales de los ochenta, que algunos recordamos muy levemente, cuyo título original era un elocuente FRIDAY THE 13th, pero que por estos lugares se tradujo como MISTERIO PARA TRES. Estoy seguro de que alguien queda que lo recuerde como una serie de misterio, en la que los dueños de una tienda de antigüedades lo daban todo por resolver cuantos casos se les presentaran. Pues bien, Cronenberg llegó a dirigir uno de estos capítulos, concretamente el titulado "Faith healer", que narraba el desenmascaramiento de un curandero televisivo por parte de un defensor de los métodos científicos. Hay que aclarar la urgencia del formato, donde no sólo había la necesidad de conformar un episodio autoconclusivo de 45 minutos, sino dar cabida a sus tres protagonistas, por mucho que su presencia pueda llegar a ser testimonial. Y este episodio queda en consonancia con la serie, de una calidad más que discreta, y que es una serie B rutinaria y pachanguera; bien para una tarde de Domingo de 1988, con el carrusel deportivo de fondo, pero que no aguanta un visionado hoy día. Y sí, todo gira sobre el hallazgo de un guante en la basura... Ahí queda eso...

Saludos.

Adelantando al hombre enchufado

 

VIDEODROME es una de esas películas que, desde su estreno, provocan reacciones encontradas. Por un lado uno se imagina a David Cronenberg haciendo realidad sus fantasías acerca de la sumisión del hombre ante la máquina, hasta el punto de llegar a filmar la cruenta simbiosis entre carne y aparato. Por el otro, la dificultad de encajar estas imágenes impactantes (algunas realmente icónicas, como el hombre engullido literalmente por la televisión) en una narración inteligible; porque ante todo, intuyo que VIDEODROME, más que un artefacto fantástico, pretendía militar en las distopías apocalípticas, lo que consigue sólo a medias. El argumento, con dos significados opuestos, indaga en la creciente paranoia de un tipo que siempre va un paso más allá, el director de una ínfima cadena de televisión, especializada en ofrecer lo más zafio, desde pornografía hasta imágenes de sufrimiento humano. Por casualidad, se topa con una misteriosa cinta, y lo que ve allí le obsesiona de tal forma que toda su realidad comienza a desmoronarse, hasta el punto de que la realidad le es indistinguible de lo que hoy conocemos como "virtualidad", pero en 1983 aún era una promesa irrealizable. Cronenberg se adelanta bastantes años a la era de internet, a ese "hombre enchufado", incapaz de concebir la vida sin mirar una pantalla, y en perpetua insatisfacción, demandando más dosis, y aún más fuertes. Parece una advertencia, que ahora podemos ver con ojos incrédulos y algo condescendientes, pero no olvidemos que él lo vio antes. Aunque sólo sea por eso, es una obra interesantísima y que merece ser revisada... Ah, y porque salía esa diosa llamada Debbie Harry...

Saludos.

Z-men

 

Hay que tener una seguridad pasmosa en uno mismo para abrir una película reventándole la cabeza a un personaje; y no es una metáfora, porque así empieza SCANNERS, con una cabeza literalmente saltando por los aires. 40 años han pasado, y he de decir que no todo es loa y alabanza en la revisión de este film de culto, con su etiqueta bien ganada, sí, pero con también con algunas obsolescencias que difícilmente son traducibles en recientes visionados. Vista ahora, parece una especie de gamberrada o venganza contra los comics de mutantes (los X-men, por supuesto), que por entonces estaban cobrando gran auge, y que solían tener como personajes centrales a siniestros dominadores mentales, unos seres capaces de manipular la psique ajena a voluntad. Lo que hace Cronenberg es más o menos esto, pero con sus habituales sacadas de chorra en lo visual, y con un argumento que en esencia no llega a diferir de sus obsesiones habituales (la anomalía científica, el sometimiento extrasensorial, el terror ante lo que se desconoce). Así, SCANNERS es como una larga película de espías, en la que las armas más mortíferas son invisibles; y en esa larga travesía argumental el film pierde, con un afán explicativo que ralentiza lo que de verdad importa. Lo que de verdad importa, porque es lo único que se ha mantenido fresco durante 40 años, es el arranque y el cierre, y no hay palabras ahí, tan sólo gente convulsionando mientras las cosas estallan...

Saludos.

La sinrazón produce monstruos

 

THE BROOD es una película que mi recuerdo mantenía frágilmente velada, tras algún temprano visionado, que si no me equivoco pertenecerían a "Mis terrores favoritos" o "Noche de lobos". No la he vuelto a ver hasta ahora, y la sensación es la de un film que ha envejecido dignamente, al tiempo que confirmaba el arranque de la época más reconocida y reconocible de David Cronenberg, justo cuando demostraba tener verdadero control sobre su trabajo. Rebautizada aquí con el incomprensible título de CROMOSOMA 3, me parece una película a la que hay que tratar con paciencia, distando mucho su primera parte, en la que resulta complicado discernir qué diantres nos están contando, y la segunda, repleta de emociones fuertes y con un desenlace, como poco atrevido. Pero así se las gasta Cronenberg, raspando en las superficies que otros ni siquiera se atreven a surcar, para obtener un cuento de terror que combina lo físico con lo metafísico, partiendo del extravagante doctor Raglen (Oliver Reed), cuyas terapias extremas hacen aflorar, desde lo mental, cambios palpables en sus pacientes. Y de todos ellos, una es su favorita (una inquietante Samantha Eggar), a la que mantiene prácticamente recluida, sin que nadie pueda verla, lo que desata la ira del marido, que ha de hacerse cargo de su pequeña hija. A partir de ahí, unos extraños acontecimientos, y unas aún más extrañas muertes, ponen sobre aviso a este hombre, que teme perder, además de su esposa, a su hija. Con buen pulso, Cronenberg induce y conduce este relato de horror, a veces complicado de dotar de verosimilitud, pero con estupendos efectos especiales y algunos momentos de inquietud, casi todos provenientes de las escenas con niños, tan chocantes que me atrevo a afirmar que hoy día estarían directamente prohibidas.

Recomendable si, como es mi caso, llevan tiempo sin verla.

Saludos.

Un día en las carreras

 

Incluso Cronenberg tiene sus debilidades, y no me refiero a películas menores, que también, sino a motivos y aficiones que, aunque sólo sea muy de vez en cuando, le han hecho filmar tan fuera de su recorrido que cuesta rastrear a un director tan reconocible como él. Me refiero a FAST COMPANY, posiblemente su film más desconocido; un típico y tópico drama en torno a las carreras de coches, y más concretamente a esos brutales "escupefuego", que a los americanos les vuelven locos. Estos coches son capaces de alcanzar 350 Km/h, por lo que las carreras apenas duran seis segundos, y el sistema de frenado es nada menos que un paracaídas. FAST COMPANY, contra todo pronóstico, es una película solvente y entretenida, con una cierta dejadez formal y un trasfondo con algo de chanza y opereta, pero que ni molesta ni irrita, sino que acaba siendo una serie B en RWB, con todos los ingrediente: tipos duros, coches potentes, malos malísimos y chicas complacientes. Incluso la banda sonora es una especie de sucedáneo de Springsteen, para que no falte nada. En el elenco, dos rostros conocidos, John Saxon y William Smith (aquel inolvidable Falconetti de nuestra infancia); y una chica, Claudia Jennings, que comenzaba a labrarse una carrera desde las páginas de Playboy, y que irónicamente murió en un accidente automovilístico meses después de rodar esta película.

Absténganse puristas, no van a encontrar aquí al Cronenberg sofisticado y vanguardista, sino al rendido admirador de los coches de carreras y el rock grasiento...

Saludos.

La intención también cuenta

 

Me imagino de qué hubiese sido capaz David Cronenberg, allá por 1977, de haber tenido un presupuesto más holgado, pues lo único que se puede achacar a RABID es su chapucera resolución de efectos especiales. Por contra, RABID es una de esas películas que definen a la perfección el universo e imaginario del realizador canadiense: el hombre superado por un agente externo e incontrolable; la adicción como némesis de una sociedad adormilada y aséptica; la redención, sólo posible mediante la esterilización; la vida, en fin, vista como una infección que se expande con la indiferencia de un virus. La premisa de esta joyita de culto no puede ser más gratuita: una pareja tiene un accidente de moto "casualmente" al lado de una clínica estética, y al doctor de turno no se le ocurre otra cosa que ensayar un tratamiento aún experimental en la moribunda chica, que se despierta varios días con un hambre... "difícil de saciar". La elección de la mítica actriz porno Marilyn Chambers aún resuena con toda su polémica, y aunque no se puede decir que fuese un dechado de virtudes, hay momentos de extraña elocuencia, como si respondiese a un plan predeterminado. Escenas como la del cine porno, o la seducción de una chica en un jacuzzi, bien podrían haber salido de cualquier producción "X", pero cobran un nuevo significado en manos de David Cronenberg, que inunda de claroscuros esta inquietante odisea pseudoapocalíptica; más una nueva crítica a la asexuada sociedad canadiense, que una cinta de terror al uso. Que las tiene mucho mejores es algo que no se nos escapa a nadie, pero ésta tiene un nosequé que le da un encanto especial...

Saludos.

Arte y decoración

 

El siguiente trabajo de David Cronenberg fue un nuevo capítulo para la televisión pública canadiense (CBC), en el que, gracias a filmar un guion propio, se daba un nuevo paso para rastrear la intencionalidad de su cine futuro. Lejos de truculencias o desvaríos, THE ITALIAN MACHINE suponía, en menos de media hora, una interesante reflexión acerca de la "utilidad" enfrentada al "elemento artístico". Casi en clave de lección moral, relataba la vida de tres fanáticos de las motocicletas de carreras, unos frikis de las dos ruedas a los que llega la noticia de que un excéntrico millonario posee un rarísimo ejemplar de Ducati, que sin embargo no trata como una motocicleta, sino como un objeto de arte; de hecho, la moto está en el mismo salón de su casa, como un cuadro o una estatua. Los tres idean un plan para lograr sacar la moto de allí: hacerse pasar por reporteros de una revista especializada, dorar la píldora al potentado y hacerse con el ejemplar. Es verdad que Cronenberg podría haber transitado muy diversos caminos para coronar esta miniatura, pero finalmente opta por el más naturalista e inesperado, desmarcandose del cine de género, y prefiriendo hacernos una pregunta de difícil respuesta: ¿Qué es una moto si no se usa como tal?

Saludos.

Desde el interior

 

SHIVERS es, no hay duda, la primera película realmente importante de David Cronenberg. La que lo puso en el panorama internacional (sobre todo a raíz de su premio en Sitges), y que además expuso con más claridad las obsesiones del director canadiense. Vista hoy, 45 años después, parece más necesario indagar en sus planteamientos filosóficos y morales, que en su factura técnica, que revela a un cineasta aún bisoño y preso de las tentaciones propias del género. Mezcla de LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS y LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES, Cronenberg idea una especie de extraños entes con forma de babosa (siendo benévolos, más cercanos a una morcilla de Burgos) surgidos de un experimento, con el que un mad doctor (siendo su única escena lo mejor del film) pretende reactivar la sexualidad de una sociedad que considera dormida y apática. La cosa se le va de las manos y el edificio donde transcurre la historia (cómo no, espacio único) se va llenando de ávidos consumidores de carne, en la más amplia acepción de la palabra. Siendo una película irregular, que lo es, gana enteros si la memoria cinéfila logra aislar las partes más interesantes, como el polémico arranque, algunas parafilias que hoy día estarían censuradas, el guiño, mucho tiempo atrás, a su posterior CRASH, o la reflexión social a la que nos somete el desenlace, con el único hombre sano huyendo de una multitud que a lo mejor sólo quiere un poco de placer...

Saludos.

Una mentira plácida

 

PEEP SHOW era un programa canadiense, a mediados de los setenta, que usaba el formato teatralizado, un poco a lo "Alfred Hitchcock presenta", para entregar historias cortas, a medio camino del suspense y el horror. David Cronenberg dirigió un par de estos episodios, mientras encontraba financiación para proyectos más personales. Uno de ellos fue "The lie chair", escrita por David Cole, que mostraba un escenario arquetípico, la pareja que llega a un viejo caserón en mitad de la lluvia. En este caso, y ante lo trillado del asunto, la historia no vira tanto hacia lo truculento, y sí hacia lo chocante: la casa es habitada tan sólo por una anciana y su criada, y la mujer "parece confundir" a los improvisados visitantes con sus nietos, a los que supuestamente esperaba esa misma noche. Si les da por buscarla en YouTube se van a encontrar con la morriña desprendida por este tipo de producciones televisivas, siempre unas más afortunadas que otras. Un Cronenberg menor, sin más.

Saludos.

Bocetos del fin del mundo

 

En 1972, David Cronenberg realizó un escueto cortometraje, de poco más de 20 minutos, para la televisión canadiense. Se trataba de un encargo para una especie de serie, con el nexo de la ciencia ficción en común. Cronenberg, escapando de cualquier tentación funcionarial, se basó en un guion de Norman Snider para elaborar un duro y pesimista retablo de inquidades, con una red de prácticas gubernamentales que, de ser ciertas, provocarían un cataclismo. Con un presupuesto mínimo, actores desconocidos, y rodando en laboratorios y fábricas, PROGRAMME X: SECRET WEAPONS podría pasar por cualquier nadería de las que hoy hace Netflix, pero más barata y más terrorífica. El argumento nos sitúa ante una serie de experimentos para crear al soldado perfecto, un autómata de carne, sin pensamientos propios y obediencia absoluta; una máquina de matar con un solo defecto: el copyright. No veremos aquí mamporros ni coches volcando, y sí una serie de diálogos en los que se dilucida la brecha social en ese futuro que describe Cronenberg, no tan lejana de lo que hoy ocurre, sin ir más lejos con las veleidades que se empiezan a atisbar en torno a cierta vacuna. Es como un sketch de lo que luego iría corrigiendo y aumentando el director canadiense. Una curiosidad de las que merecen la pena.

Saludos.

Arquitectura y moral

CRIMES OF THE FUTURE, de 1970, fue el segundo mediometraje de David Cronenberg, aunque bien podría haber sido una especie de continuación del primero, solo que en color. De nuevo aparecen las obsesiones recurrentes del director canadiense, casi como esbozando la temática de sus siguientes films, al mismo tiempo que se destapa como un más que interesante fotógrafo, capaz de inquietar con sus elaborados encuadres, por mucho que el guion se quede en la superficie de lo que pretende contar. Prescindiendo de nuevo de los diálogos, y hasta del sonido ambiente, la narración corre a cargo de otra voz en off, que relata fríamente un mundo suponemos que deshumanizado, por culpa de una misteriosa enfermedad que ha erradicado a todas las mujeres, condenando a la humanidad a una lenta y triste extinción. Poco a poco, entre tubos y bisturíes, edificios vacíos y jardines mudos, hemos de imaginar que el inquietante e hierático Ronald Mlodzik (primerísimo fetiche del director) es el inopinado salvador de esta desdichada humanidad. Mezcla de científico, agente secreto y gurú trascendentalista, descubre que no todas las mujeres han muerto, pero que las supervivientes están siendo capturadas por una extraña secta. Lo mejor es, pero de muy lejos, su larga escena final, de una provocación extrema, sin llegar a mostrar nada explícito, pero que incluye al protagonista en una habitación, a su lado, una niña que juega...
Interesante, pero excesivamente primaria.
Saludos.

Los follamentes

El afán completista nos lleva a fijarnos en aquellos directores con los que, de una manera u otra, se ha ido formando nuestra cinefilia. Es el caso de David Cronenberg, asiduo de estas páginas, pero del que hemos reparado en cierta dejación hacia sus primeros títulos, asunto que intentaremos solventar en la medida de lo posible de aquí en adelante. Y empezando por el principio, su primer largo data nada menos que de 1969, y aunque no sea ni mucho menos nada del otro jueves, sí es cierto que un jovencísimo Cronenberg (26 años) ya mostraba muchas de sus obsesiones y referentes estéticos. STEREO es una hora escasa de autismo extremo, en el que el director canadiense parece inmolar el relato distópico a base de conjuntar imágenes en B/N, bajo una narración en off, casi en clave documental. Se entiende lo que se dice, pero no el porqué, y en apenas diez minutos queda clara la previsible pedantería del estudiante de cine, armado de escasos 3500$, y que pretende erigir una especie de distopía que amalgama seres telepáticos, totalitarismo social, experimentos genéticos y sexualidad de laboratorio. Sí, puro Cronenberg, dirán algunos, pero francamente, esto es una chorradita que no se la podemos perdonar ni a él, por mucho que veamos asomar SCANNERS o VIDEODROME, muy, pero que muy a duras penas.
Saludos.

Astros y física

Es difícil empatizar con el cine de David Cronenberg, pero eso ya lo sabíamos; el caso es que los últimos títulos del director canadiense están no sólo confirmando esta teoría, sino ampliando la controversia alrededor de los mismos. Es aún más difícil afirmar, por ejemplo, si estamos ante obras visionarias, de las que dentro de un par de décadas algunos estudiosos del medio se harán cruces maravillados ante tanta anticipación, o por el contrario tenemos a un señor con aspecto de profesor de literatura haciéndole pedorretas al star system, y sin que nadie atine a descubrirlo con seguridad. Lo digo porque MAPS TO THE STARS empieza como un helicoidal cruce entre Robert Altman y David Lynch, un cóctel de coral y onírica audacia en torno a un montón de personajes que no quieren a nada ni a nadie, y cuyo único objetivo, ya que el corazón les sigue latiendo, es mantener y aumentar cada día su cuota de popularidad... ¿Cueste lo que cueste?... Y caiga quien caiga.
Son personajes y situaciones incómodas, grasientas por mucho que se envuelvan en el celofán de la "nueva y ostentosa espiritualidad", un submundo que consiste en perdonarte todo el tiempo mientras sigues echándole la culpa de todo a los demás. Es Hollywood, Los Angeles, Beverly Hills... Todos conocemos ese camino pese a que ninguno lo hemos andado, y son personas que conocemos aunque nunca las hayamos visto. Actores y actrices, y aspirantes a guionistas, y también los directores y los agentes de los actores. Son los que nos mienten todo el tiempo para que les amemos. Y son los que parecen contagiados de algún virus humanoide, fuera de su fisiología privilegiada, cuando cruzan un par de palabras con esas (pobres) personas normales. Cronenberg habla de todo eso, y lo hace sin cortarse un pelo; lo que ya no nos queda tan claro es cómo revuelve uno la mierda sin mancharse las manos. Pero bueno, tiene tres o cuatro escenas bastante divertidas (sí, divertidas) y Julianne Moore consigue el esforzado propósito de parecer absolutamente despreciable y abyecta.
Ah, y mil puntos para quien lograse reconocer a Carrie Fisher... Y eso que se interpretaba a sí misma...
Hay que verla, no nos queda otra...
Saludos.

La comedia involuntaria

Una de las razones por las que una novela puede permitirse el lujo de ser excéntrica, exclusivista e incluso remilgada, es su propia naturaleza de objeto exigente con sí mismo, pero también con quien la toma entre sus manos para leerla. Es una batalla que probablemente el cine no llegue a ganar nunca, y menos cuando las diferencias entre el cine-arte y el cine-espectáculo quedan ya a muy poca distancia y suspendidas en un debate cada vez menos interesante. Algo así es lo que le ha ocurrido a David Cronenberg al adaptar COSMOPOLIS, la novela de Don DeLillo. No sé si por ser quien es el escritor, el director, o por las dos cosas; el caso es que, si nos ponemos ligeros, COSMOPOLIS es una película sobre la aséptica maldad del capitalismo salvaje que no logra dar con la tecla de su crítica, así que, sin llegar a la indulgencia, encuentra una inesperada tabla de salvación en un género aparentemente alejado de sus parámetros formales. Así, tras muchos devaneos, una cháchara cercana al Woody Allen menos soportable y una preocupante falta de profundidad a la hora de dibujar cada personaje, COSMOPOLIS termina siendo una comedia acerca de un niño rico que sólo puede calmar su fogosidad sexual gracias a su posición, pero que se ve impotente cuando se trata de empatizar con quien está delante. Díganme que no es hilarante... para ser Cronenberg. Algo así: "me tiro a mi asesora de arte, a mi contable, a mi guardaespaldas, pero mi mujer sólo se digna a que la invite a almorzar, y cada vez que le digo (literalmente) que tenga sexo conmigo su mirada me hace recordar la mía cuando me miro al espejo"... Niños ricos, engreídos, vacíos, hábiles en un mundo hecho de abstracciones pero torpones en el juego de la vida real. Más que un apocalíptico fin del mundo, diríase el final de un modelo masculino, que, por otra parte, tampoco es que haya durado tanto. Esto queda perfectamente reflejado en el extenso diálogo final entre el protagonista, un Robert Pattinson apático y agarrotado, y su posible verdugo/liberador, que es Paul Giamatti haciendo... de Paul Giamatti... Lo del corte de pelo, en mi opinión, debería haber tenido un peso más específico, pero, efectivamente, sólo es una excusa con más de excentricidad que de nostalgia.
Saludos desde el mercado de valores.