Rincón del freak #693: La comunidad del frenillo

 

Ostras, lo de HAWK THE SLAYER. Que no te lo ves venir, porque ya es raro ver una película así en 1980. Que es una espada y brujería que no lo parece en su sonrojante arranque, donde uno esperaría ver aparecer por allí a John Cleese o Eric Idle, pero no, porque esto iba supuestamente en serio, pero la verdad es que terminas echando unas carcajadas por diversos motivos. El más evidente, robar todo lo que se pudiera de D&D y de Tolkien, pero sólo en el concepto; porque ese enano no era más que un señor bajito, el gigante un tipo con pinta de funcionario calvo, el elfo (hay un elfo) un asperger con autismo y el héroe un señor cuyo modelo de interpretación era un maniquí en Harrods. Por coronar, no hay princesa que salvar, porque la espicha antes de todo, sino unas monjas medievales que se pasan el día trayendo comida y birras, por lo que sea. El malo, atención, era un cansado Jack Palance, haciendo de hermano de un tipo, el prota, al que sacaba 30 años nada menos. Una película extrañísima, con un guion sin ningún sentido, en el que la mayor parte del tiempo vemos a gente random haciendo apuestas en mitad del bosque, y a los héroes chafándoles la ganancia. La sensación es de que todo es muy barato e improvisado, incluso la banda sonora de Harry Robinson, que masacraba a Jeff Wayne, al tiempo que indicaba el camino para LADY HALCÓN, que es lo que me parece que querían hacer. Como diría otro, raro raro raro...

No se pierdan el efecto del elfo lanzando flechas rápidamente...

Saludos.

Coherencia e incoherencia

 

Es de esperar, en ficciones más o menos realistas, que la coherencia narrativa florezca desde ocurrencias que la distingan de la aburrida y previsible realidad. Incluso en los films más sobrios, existe esa tendencia a la dispersión y fragmentación, que algunos llamamos montaje, como el cazador desesperado por trincar la medalla de oro. A Stéphane Demoustier le gustaría brincar de Audiard a Ozon, sin peajes, sin ser menos comprometido o menos diletante, y esto es complicado para sacar un proyecto interesante de la medianía. BORGO es el nombre que se le daba a una antigua cárcel en la isla de Córcega, donde transcurre este ¿thriller? ¿policíaco? ¿drama familiar?, en el que una funcionaria de prisiones aterriza en la susodicha isla, huyendo de la presión parisina, a una prisión masculina de régimen abierto, junto a su marido y sus dos hijos pequeños. Sin guardarse un solo detalle, la protagonista deambula por las celdas, traba confianza con unos presos francamente intimidantes, les consigue artículos. Hasta el punto de encontrarse con un joven, al que tiene especial aprecio, en una apartada playa, donde una supuesta barbacoa entre amigos desemboca en una exhibición de tiro con armas pesadas de contrabando. Ahí entra la consecuencia, "lo plausible", cuando entendemos que a Melissa (a la que llaman "Ibiza") quieren reclutarla como "conseguidora" desde su puesto en la prisión. Es decir, que tenemos un juego peligroso, pero la actriz Hafsia Herzi nunca parece excesivamente preocupada, más bien excitada por jugar a los delincuentes ocultos, mientras su familia se aburre sin sospechar nada. Una lástima tanta indefinición, aunque peor me parece emplear dos horas eternamente repetitivas, para despachar un desenlace, además inconcluso, en quince minutos.

Fallida.

Saludos.

Alégrame el mediodía

 

Podría ser extraño que te contaran que una película dirigida por John Sturges, escrita por Elmore Leonard y protagonizada por Clint Eastwood y Robert Duvall haya quedado sepultada por el tiempo, convertida en un oscuro título que jamás he escuchado reivindicar a nadie. Y es extraño, porque JOE KIDD empieza bien, muy bien, introduciendo al enigmático homónimo, interpretado por Eastwood, un tipo al que los problemas parecen perseguirle, aunque haga pocas cosas para ello. Arrestado por una pelea, observa cómo un líder revolucionario llamado Luis Chama (John Saxon... porque no habría ningún mexicano disponible) está en pie de guerra contra los gringos, que se han adueñado ilegítimamente de sus tierras. Entonces llega Frank Harlan (Duvall), el terrateniente al que Chama está boludeando, rodeado de un grupo de pistoleros, aunque su intención es alquilar los servicios de Kidd para acabar el asunto de raíz. Todo este largo preámbulo es magnífico, presentando a los personajes y poniéndonos en situación de cómo Kidd es utilizado, hasta que se percata y se vuelve contra el propio Harlan. El problema es que el film se desinfla a la mitad, con continuas reiteraciones y un ritmo cansino, por no hablar del exploited en toda regla que se marcan respecto a cierto señor ataviado con un Magnum. Es, sin más, uno de esos westerns "crepusculares", tardíos más bien, que se veían ya un poco cansados, por mucho que sea estimulante ver a dos grandes de la pantalla frente a frente.

A ratos, entretenida.

Saludos.

El verano que no te contaron

 

Incidimos mucho en la tendencia del cine comercial en reiterar, sobreexplicar, tratando al espectador como el consumidor que se quiere que sea, y no como un ente pensante, un receptor que no sólo va a deglutir imágenes, sino a interpretarlas según su propia conexión emocional e intelectual. En este sentido, LA VIRGEN DE LA TOSQUERA viene a ser un buen exponente, adoptando los tropos del cine fantástico y de terror desde una cotidianidad que, a fuerza de ser mostrada en toda su naturalidad, termina retorciéndose y mutando sobre sí mismo. La cineasta Laura Casabé, con una trayectoria de casi dos décadas, realiza junto al guionista Benjamín Naishtat, una arriesgada apuesta, adaptando y fusionando en uno dos cuentos de Mariana Enríquez ("El carrito" y el que da nombre al film), que por sí solos se quedan un poco cojos, pero que cobran fuerza renovada en este acrónimo degradado, que podría leerse en clave de retrato generacional, de fin de ciclo o, cómo no, apocalíptico y sensual despertar. El film nos presenta a Natalia, que vive con su tía porque sus padres se largaron a Europa; que pasa el verano junto a sus amigas Josefina y Mariela, más jóvenes que ella; y que bebe los vientos por Diego, al que conoce de siempre, aunque ahora ya mira con otros ojos. Hasta que llega Silvia, más mayor que todos, que les cuenta sus viajes, les ofrece drogas  les lleva hasta la tosquera, donde hay un lago donde dicen que se ahogaron unos niños y hay una virgen en su recuerdo. Lo que muestra Casabé va más allá de la narración, y se sustenta en unos encuadres decididos, que cuentan más según los rostros que aparezcan, mientras el deseo sexual de Natalia, al no ser correspondido, desata un desastre que parece incontrolable. Así, tiene el mismo peso ese verano asfixiante de la primera mayoría de edad, que la santería benefactora de la tía, la vergüenza de querer perder la virginidad a toda costa, o la certeza de que todo lo que ocurre nos tiene a nosotros de protagonistas, hasta que caemos en que siempre seremos secundarios en la historia de otros...

Necesita un par de visionados para pillarle el punto.

Saludos.

Propietarias a la fuerza

 

La película que supuso prácticamente la retirada de Brigitte Bardot (aún haría tres más) fue LES PÉTROLEUSES, compartiendo protagonismo con la también recientemente fallecida Claudia Cardinale, amén de otros tantos como Michael J. Pollard, Teresa Gimpera, Emma Cohen o Manolo Zarzo, que para eso era una coproducción rodada en Almería. Incluso hay una breve aparición del maestro López Vázquez, cuyo perfumista "afeminado" da la medida del producto ante el que estamos, una comedia en clave de western, que en ningún momento se toma en serio a sí misma, y que contaba las andanzas de dos heroínas, una (BB) que comanda un grupo de asltantes de trenes, todas mujeres, mientras que la otra es el carácter indomable que regenta un rancho con sus cuatro hermanos, que sin ella son un desastre. Resulta que uno de los maletines sustraídos contiene un mapa que señala un rancho conteniendo petróleo, pero al llegar las ladronas se encuentran con la compra por parte de la ranchera, lo que inicia una disputa sin fin por hacerse con el dichoso terreno. Una película para ver con cero pretensiones, con un doblaje en español que incluye a un chino cantando por Manolo Escobar, mientras que el pueblo resulta ser un reducto donde se habla francés y el único angloparlante es el sheriff, que parece un guiro en Magaluf... Christian-Jaque, mítico realizador que inició su andadura allá a principios de los años 30, se diluyó en sus últimos trabajos, evidentemente alimenticios.

Saludos.

La crisis de las ideas

 

HOW TO TRAIN YOUR DRAGON, versión real... bueno, no tanto, los dragones no existen, en el sentido de que siguen siendo una animación, veraz, detallista, pero animación. Si nos ponemos así, los actores y actrices y (¿cómo se dirá a los no binarios?) tampoco existen, porque lo que vemos es su imagen replicada. Son unos fantasmas. Fantasmas montando dragones. Ni Dalí ¿Entonces las películas existen? De manera estricta, la película sí existe, claro. Entonces la película existe pero lo que contiene no. Bueno, yo mejor iría a ver la versión animada, porque ahí no hay (así se escribe, gañanes de twitter) controversia que valga ¿Me estás diciendo que la versión animada de "Entrena a tu escupefuegos" es más real que la de imagen real? ¿que ni siquiera debería llamarse "versión real"? No lo sé, pero sí sé que si careces de ideas siempre te quedará la técnica. La técnica existe, entonces. La pregunta es ¿existe el existencialismo? Y en caso de que sí ¿por qué seguir leyendo a Hegel? 

Lo más real que van a ver aquí es la excelente banda sonora de John Powell, que merece la pena ser escuchada con o sin imagen, sa real o no...

Saludos.

¿Quién manda aquí?

 

Es MI GENERAL uno de esos casos extrañísimos, de desubicación absoluta, en un tiempo que demandaba visiones menos estancadas, del mismo modo que se descosía en producciones perezosas, al amparo de subvenciones no del todo justificadas. La historia navega sin rumbo entre el esperpento berlanguiano, la sátira sobre la primera década de democracia, pero también la condescendencia nostálgica y una incorrección un tanto apolillada. Curioso, en tanto que Jaime de Armiñán contó con un reparto descomunal, que incluía a Fernando Fernán Gómez (coautor del guion), José Luis López Vázquez, Héctor Alterio, Fernando Rey o Rafael Alonso, entre otros. He ahí uno de los problemas fundamentales, el de ubicar a tanto monstruo sin desequilibrar una narración tambaleante de por sí. Se nos cuenta una improbable convención, en la que un destacado grupo de generales al borde de la jubilación va a convivir en un complejo turístico, donde van a recibir clases de "reciclado" de cinco jóvenes capitanes, lo que provoca el consecuente choque generacional, agravado por la dificultad que supone el sistema de rangos. Es un film fallido, estructurado en falsos episodios, como si de una serie que nunca fue se tratase; amén de lo descabellado de la propuesta, que hubiese reverdecido con una mirada menos amable y neutral. Una lástima, dado el material con el que contaba, pero que explica el justo ostracismo que le pesa cuarenta años después.

Saludos.

Rincón del freak #692: Sin Seguridad Social que se sepa

 

Crónica de THE FIRST POWER, de 1990, en la que Lou Diamond Phillips nos quiere hacer creer que es un policía, aunque parece un delicuente, porque fuma sujetando el piti entre los dientes, bebe a deshoras y zarandea a las mujeres. Además es incapaz de resolver nada, pone en peligro a sus compañeros, que van muriendo a su alrededor, y se dedica a ir por las azoteas y callejones "siguiendo su instinto". El malo es un tipo que se pone una máscara demoníaca, y aun así es más feo sin ella. Lou D. se deja aconsejar por una chalada que es "psíquica" y no desentonaría en la mesa de Íker. Y todo porque el asesino es un satánico, con medallón incluido, que al ser ejecutado y no ser de morirse, emplea las tardes en corporeizarse en gente al tuntún, otorgándoles la habilidad de dar cabriolas imposibles y sembrar el mal, para seguidamente desaparecer en cloacas y zoológicos abandonados. Después de corretear por una ciudad que parece un estudio de cine, colegimos que Melanie Griffith era mejor actriz que su hermana, que las monjas de clausura no suelen depilarse las cejas o que ser detective de homicidios debe estar mal pagado, porque este asesino satánico termina siendo más considerado y hasta entrañable...

Terrible.

Saludos.

Vida prócer: El cine de Hong Sang-soo #32

 

A los valientes que aún siguen este monográfico, por voluntad ajena hecho work in progress, aquí el amigo coreano lo ha vuelto a hacer. Que no sé de qué nos extrañamos, por otra parte. Y otra vez con la Huppert, deliciosa, como un ser que no es de este mundo, que puede aparecer en cualquier sitio, para hacer amigos, para dejarse cuidar, para que le lean un poema en una piedra, para tocar la flauta c omo el culo en el banco de un parque, para vivir con un joven coreano en su modesto piso alquilado y darle la mitad del alquiler, que es lo que ha ganado tras dar clases de francés, o de inglés, qué más da. De todo eso va A TRAVELER'S NEEDS, y de ponerse achispado por la tarde, fumarse un cigarrillo en una azotea que tiene el mismo color de tu rebequita o decirle a la madre de tu anfitrión/amigo/je ne sais quoi que has ido a darle clases de francés, que igual sí, aunque lo único que hacéis es tocar muy mal un órgano fuera de generación. A grandes rasgos, son un par de días en una barriada muy bonita, donde ohlalá puedes refrescar tus pies cansados en un fresco charquito y pedir muchos platos ricos a una señora que cocina muy bien porque tu anfitrión etc... sólo sabe hacer pan. Y también...

Saludos.

El sentido de la vida

 

Uno se queda pensando en los peregrinos designios que toman según qué films, fundamentalmente cuando éstos aparecen como fatuos pies de página en filmografías tan resplandecientes como la de Robert Duvall. Quién, si no, se acuerda de TOMORROW, una pequeña maravilla rodada en 1972, en la que el fantástico guionista Horton Foote (MATAR A UN RUISEÑOR) adaptaba con asombrosa precisión un pequeño cuento de William Faulkner. El film, austero hasta las últimas consecuencias, podría ser el reverso correcto de la sobrevalorada TRAIN DREAMS, que prefiere ensimismarse en postales preciosistas y un drama en negrita. Joseph Anthony, con apenas cinco o seis trabajos anteriores (este sería el último), entrega un cuadro mínimo y exento de toda retórica, en la que comenzamos conociendo a Jackson Fentry siendo el único miembro de un jurado que condena al hombre que ha matado a un tal Buck Thorpe. Luego sabremos el porqué, pero lo que vemos es a Fentry veinte años antes; un hombre de pocas palabras, de rutinas sencillas, que trabaja cuidando un aserradero mientras está cerrado en invierno. Un día, aparece una mujer embarazada de la nada, y Fentry la ayuda, la cuida, sin hacer preguntas, porque sabe que el bebé depende de que su madre esté en condiciones. Ella le cuenta que tiene un marido en alguna parte y que no quiere ver a su familia. No hay preguntas. Pero un día Fentry le dice que se case con él, con la mayor naturalidad; y entenderá que no quiera, pero quién sabe. Y paro aquí, apenas para poner en valor esta película repleta de sentimientos, casi todos guardados; un western sin disparos, que nos habla de la soledad, la dignidad, en tiempos como estos, donde todo ha de ser anunciado como un acontecimiento, incluso lo más nimio. Al final, entendemos por qué ese campesino, analfabeto y taciturno, lleva razón frente a un jurado que sólo quiere irse a casa, la historia de siempre.

Una joya incomprensiblemente olvidada.

Saludos.

Evocando los buenos tiempos

 

Avalada por su flamante nominación a los oscar, la multipremiada ARCO optaba aganar en Sitges, cosa que no hizo, aunque era claramente de las favoritas. La sensación que deja la película de Ugo Bienvenu en su primer largometraje, tras multitud de cortos (siempre en terreno de animación) y alguna que otra miniserie, es la de un enamorado de la animación retro, capaz de aunar técnicas tan diferentes como el detallismo japonés, el arrojo creativo de René Laloux o el canon del cómic de superhéroes. Hasta ahí, estamos ante un trabajo realmente interesante, inconformista en la técnica, pero que lamentablemente adolece de un guion plano y previsible, una nueva vuelta de tuerca al E.T, de Spielberg, en el que un niño, Arco, que porta un traje que le proporciona extraordinarias habilidades, llega hasta el año 2075, "precisamente" aterrizando en el patio trasero de una niña que casualmente se llama Iris, y cuyos padres por lo que sea pues no están. No quiero decir con esto que la película sea desdeñable, pues me parece un producto más que digno y disfrutable, pero le hubiese venido de perlas un guion menos encorsetado y ensimismado con cosas que se han hecho antes, y un poco mejor.

Saludos.

Ave María Purísima

 En 1970, una Brigitte Bardot que ya estaba bastante hastiada de ser un objeto sexual, rodó bajo un contrato leonino LES NOVICES, una comedia fácil y tontorrona, que podría haber sido otra cosa si la hubiesen dejado enteramente en manos de Claude Chabrol, al que llamaron de urgencia para que arreglara el estropicio de Guy Casaril, del que dudo que supiese las reglas básicas de la dirección. Lo que queda es una película de batalla, para hacer caja gracias al reclamo de BB, haciendo de una monja descarriada que se marcha a París, donde conoce a una prostituta (Annie Girardot), que pretende "hacer carrera" de la ingenua religiosa, que ha vivido casi toda su vida en un convento. Una pena que Chabrol y el gran guionista Paul Gégauff se limitaran a poner el piloto automático y cobrar el cheque, porque había una buena historia aquí, más teniendo a Girardot en su habitual tono tragicómico. Es lo que es, una tontería para ver a la Bardot con poca ropa, acosada por señores sudorosos con puro e intentando parecer sexy, lo que en su caso no era cosa de ensayo. Algo así como lo de ayer, pero sin ínfulas. Aún hizo alguna que otra cosa, pero su repentina retirada era inminente.

Saludos.

Señora, suélteme el brazo

 

Uno de los secretos mejor guardados del mundo de la distribución cinematográfica, por suponer una comidilla la mar de graciosa, es esa dimensión paralela constituida por una miríada de títulos, incontables, que componen la parrilla de la tarde en cierta cadena privada. Es público y notorio, aunque dudo que sabido, que esas infraproducciones, grabadas en una semana o menos, repitiendo localizaciones, con equipo de sobresueldo y elenco hecho de descartes, son ofrecidas en mogollónicos packs a las televisiones de turno en prestigiosos festivales de cine, donde machacas del mercadeo son enviados a cazar la sardina más tonta, que vienen a ser unas cien de estas bazofias por un estreno medio decente. Como creo que no es la primera vez que suelto esto por aquí, les confieso que THE HOUSEMAID, que distribuye Lionsgate, podría ser barajada en estas ofertas y nadie lo notaría. Hacía mucho tiempo que no veía algo tan vergonzosamente obvio, con sobreexplicaciones para gente con problemas de percepción cognitiva, un desarrollo de personajes a la altura de una porno ochentera y la decisión, masoquista, de mantenernos nada menos que dos horas y cuarto pendientes de una gente imbécil (no encuentro otra definición), que tiene merecido todo lo que le pasa en esta imbecilidad, de la que apenas salvo muy justo a Amanda Seyfried, que parece actuar en un jardín de infancia. Sydney Sweeney confirma lo que todos ya sabíamos: ni siquiera sabe dónde está el tiro de cámara. 

No la vean por nada del mundo. Vergonzosa, una estafa.

Saludos.

Ya somos mayorcitos

 

El Indéfilo cumple hoy la mayoría de edad. Quién lo diría. Lo que comenzó como un reto entre amigos, un poco en broma, donde algunos abandonaron pronto (con razón) y otros nos quedamos por rellenar el tiempo de letras y cine, ha llegado hasta una cifra que me parece demencial, vista con perspectiva. Es lo que tiene el no tener peajes, teclear un poco a lo loco, para locos, desde esa demencia que también es pasión. 18 años, que son los que cumple también (aún quedan unos meses) una persona muy especial, verdadera musa y sustento de las "páginas indéfilas", porque para ella fueron, son y seguirán siendo. Y un día tan especial merecía una película muy especial, que en este caso continúa el apasionante homenaje a don Héctor Alterio, con uno de sus títulos capitales. LA HISTORIA OFICIAL ganó el oscar a película extranjera en 1985. Su discurso, paralelamente a su terrorífica premisa argumental, transcurre desde un momento histórico jodidísimo, cuando en Argentina se empezaba a destapar toda la podredumbre acumulada desde la dictadura. Los desaparecidos, la desinformación, las represalias, asesinatos, secuestros, que conformaban una red del terror silenciada sistemáticamente, que socavaban las conciencias, separándolas entre los derrotados, supervivientes que lo habían perdido todo, y los afectos al régimen, ufanos ganadores de una prosperidad no siempre bien repartida. La película nos presenta a Alicia, profesora de Historia (porque nada es casual), ya cercana a los cincuenta, que vive feliz junto a su marido y su pequeña Gaby, a la que adoptaron al no poder tener hijos. El marido es Roberto, un exitoso empresario de alguna cosa que a Alicia le queda lejos. Entonces, en una de tantas reuniones entre amigas, aparece Ana, su íntima, despues de muchos años viviendo en Europa. Y le cuenta, se sincera, lo que pasaba con los represaliados, y con sus hijos. Y una sombra se instala en Alicia, esa mujer burguesa, acomodada, que "no sabía", que representa a la perfección a esa amplísima facción de la sociedad, culpable de los mayores horrores desde su infantil indolencia. El guion, depuradísimo, es un amargo paseo por ese panorama que se va desmoronando a medida que se abren las ventanas y entra la claridad. El final, brutal, despiadado, sustentado en Alterio y Norma Aleandro inconmensurables, terroríficos, es ese mapa de un país nauseabundo, empeñado en repetir esa "historia oficial" una y otra vez, como si no hubiesen tenido bastante.

Magistral.

Saludos.

Rincón del freak #691: Pero qué demonios...

 

Sí, hace escasas fechas tiramos de valentía para enfrentarnos, cual padre Karras, al innombrable, que era la secuela de EL EXORCISTA, aunque en realidad era la tercera, pero no, porque había otra entre una y otra... Una zapatiesta, vaya. El caso es que sí, no es un mito que haya una secuela que poca gente reclamó como propia, titulada EXORCIST II: THE HERETIC. Lo primero es reconocer que la Warner pretendía (como siempre, y es lícito) hacer caja, estirando el chicle de la pobre Regan, pero cometiendo varios errores de bulto... y algún acierto involuntario. Linda Blair aquí lucía 18 años, y expuso su negativa a "reposeerse" nuevamente (aunque un poco más tarde, en fin...); el guion se encargó a Will Goodhart, que usó conceptos de la novela de Peter Blatty, pero los desmarcaba de su naturaleza; Richard Burton pensaba que estaba interpretando a Shakespeare, y se nota en una gravedad que choca con su personaje, un sacerdote repleto de bondad y que se marca el objetivo de proteger a Regan. Por si fuera poco, las posesiones aquí son relevadas por una trama que incluye a un estrambótica ¿psicóloga?, interpretada por Louise Fletcher, que realiza extrañas regresiones hipnóticas en una clínica que parece Barrio Sésamo. Regan vive en un rascacielos repleto de espejos, y se pasa el día en una terraza... ¡sin barandilla! Todo ello mezclado sin pudor ni medida, dando el resultado de un film desarticulado, por momentos indescifrable, no por sesudo, sino por mal montado o concebido ¿Qué rescato de todo esto? Sin duda a Ennio Morricone, que realiza una partitura ¡que no suena a Morricone!, pero que funciona maravillosamente como banda sonora espeluznante, aunque esta película dé muy poco miedo. Y también a Joohn Boorman, un cineasta normalmente vilipendiado por inclasificable e insobornable, pero que tiene alguna que otra obra maestra por ahí, sólidas como una espada en la piedra... Si nos olvidamos de la incoherencia narrativa, Boorman, junto a William A. Fraker (otro grande), nos regala algunas escenas de belleza como de otra época, especialmente en el viaje del padre Lamont a Etiopía, donde se adentra en la imponente iglesia copta de Abuna Yemata. El resto sobraba, y no hay más que ver escindido el bochornoso final de esta película extraña y equívoca.

Saludos.

Querer ver/Obligar a ver

 

Con la apariencia de un drama judicial canónico, donde lo importante es ser guiados con acierto por los retruécanos del caso, sus verdades y mentiras, donde nos posicionamos y nos hacemos suposiciones, todo con el fin de llegar a un veredicto infalible, seguir tranquilos con nuestras vidas, confiando en que se hará justicia. Y no. LA FILLE AU BRACELET se abrer con una magnífica secuencia, en la que observamos a la familia de la joven Lise disfrutando de un día de playa, hasta que se presenta la policía y Lise debe acompañarles. Han pasado dos años desde que su mejor amiga fue brutalmente asesinada, y todas las pruebas incriminan a Lise. El juicio ocupa la mayor parte del metraje, aunque igualmente importante son las escenas familiares, donde se nos dirige la mirada, interesados en saber qué oculta esta adolescente de mirada fría, frases cortantes y una actitud que parece disociada incluso de un arresto domiciliario. Curiosamente, la decisión de Stéphane Demoustier de explicitar las conductas sexuales y emocionales, nos dan un camino hacia el juicio paralelo (lo vimos hace una semana), preocupado por censurar las prácticas independientemente de si son delictivas. En esa ruptura el film decae, sin decidirse por un tono que cohesione la idea fundamental ¿Creer en la culpabilidad o la inocencia? Y en todo caso ¿se es inocente al ser expuesta una intimidad que se rechaza de inmediaro? Lamentablemente, Demoustier lo deja todo en el aire, y no creo que sea la mejor decisión.

Saludos.

Se levantó...

 

... y sin dar una explicación, se marchó. Dejó a su marido durmiendo, le dijo a sus padres que se marchaba y que ya volvería. No sabía por qué, nada malo. Tampoco nada que tuviese que ver con estar embarazada. Simplemente se montó en su coche aquella mañana repleta de lluvia y condujo apenas hacia delante. Cuando estuvo lo suficientemente lejos, llamó a su marido, y luego algunas veces más, no quería que se preocupara. Sin pensarlo tampoco, aminoró para recoger a un hombre. Se arrepintió y siguió, y volvió a frenar. Lo recogió. Él se llama Killer, pero no es un asesino, sólo es un apodo de cuando jugaba al fútbol y tuvo aquel accidente tan tonto, que le dejó tonto a él. Y entonces, cuando es demasiado tarde, ella sabe que es incapaz de dejarlo en ningún sitio, que sin ella estará perdido, le robarán los mil dólares que le dieron por haberlo dejado inútil, quizá para recoger hojas. Y después, cuando al fin logra dejarlo sin sentir remordimientos, rebasa la velocidad permitida, un policía motorizado la para; ella le gusta, la quiere invitar a un café, quizá al cine, luego...

Qué Coppola tan diferente, o a lo mejor no. THE RAIN PEOPLE no es más que esa forma sin forma, la libertad genuina del puñado de cineastas que se atrevieron a contar las cosas de otra manera. Historias sin importancia, pequeñas, íntimas, que se negaban a reificar a la mujer, poniéndola en el centro de esta hermosa y áspera historia, que comienza con una mujer levantándose una mañana y organizando, sin saberlo, el destino de otras personas a las que jamás había visto antes.

Si no la hubiese dirigido el tipo que un par de años después hizo lo que hizo, sería una obra maestra.

Saludos.

PD: "Los seres de lluvia no pueden llorar, porque se matarían a sí mismos"... dios de mi vida, qué frase...

Sin perspectiva

 

Impresionante. Una de las mejores películas (si no la mejor) vista este año en Sitges fue EXIT 8, la tenebrosa, claustrofóbica y esquizoide adaptación del videojuego homónimo, de los que paso a relatarles su sinopsis, pues ahí cabe toda una reseña. Un tipo en un metro en Japón. Sale del vagón y camina por unos pasillos que parecen idénticos. Escucha el Bolero de Ravel (dato no baladí). Recibe una llamada que primero cuelga, pero coge a la segunda; es una chica con la que ha tenido "algo" y tiene "algo"importante que decirle. Camina, y camina, y camina. De repente, se percata de que no hay ruido a su alrededor, de hecho está solo por los pasillos. Tuerce una esquina, ve a un hombre hacia él y se tranquiliza, no pasa nada raro. Arriba, el cartel: salida 8. No está seguro, pero juraría que ha visto ese cartel antes. Y entonces, el mismo hombre hacia él, otra vez. Y mejor no sigo contando nada, porque es esencial el elemento sorpresa en esta pesadilla de cálculos y probabilidades, que finalmente se revela como una inteligente y descorazonadora alegoría sobre la futilidad de la vida, una vez se ha convertido en un escaparate repleto de repeticiones, flaquezas y temores. Hay quien la ha emparentado inmediatamente con la maravillosa CUBE, y algo de eso hay, pero lo cierto es que EXIT 8 rezuma personalidad, con un guion diabólico y unas interpretaciones de verdad inquietantes. Con las chapuzas de la distribución actual, creo que ni ha pasado por salas, lo que me parece un despropósito, porque es una experiencia magnífica para pantalla grande, pero está, al menos, en alquiler en Filmin, que algo es algo.

Para quien esto escribe, clásico instantáneo.

Saludos.

El sexo es revolución

 

He pensado que tampoco era para tanto lo de VIVA MARIA!, donde dos polos tan opuestos como Jeanne Moreau y Brigitte Bardot confluían, en el papel de una cabaretera (Moreau) que recorre el salvaje México de principios de siglo (XX), a cuyo destino se une una joven terrorista irlandesa (Bardot), que ha huido tras la trágica muerte de su padre. Con este hardcore planteamiento, Louis Malle y Jean-Claude Carrière se servían del oscurecimiento proverbial de LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS, nada menos que para adelantar un mix de DOS HOMBRES Y UN DESTINO y GRUPO SALVAJE, sin tener mucho que ver, o sí. Es, desde luego, una película tan libre como sus protagonistas, mujeres que se van con quien quieren, vuelven cuando se les antoja y disfrutan de la vida una vez entienden el influjo que ejercen sobre los hombres, que aquí son ridiculizados e infantilizados. Es una especie de western con tintes de comedia romántica, con una fuerte carga sexual, que en su ingobernable tramo final parece un cómic de Tintín escrito por los ZAZ. Todo eso cabe en esta majadería de 1965, para desdecir a quienes, en su cortedad de miras y entendimiento, piensan que el cine sin prejuicios lo inventó Netflix...

Saludos.

Pasión de gavilanes

 

Que está bien que Jacob Elordi nos la ponga dura, o nos moje sin control. Y Margot Robbie también, aunque ponga cara constantemente de "yo pasaba por aquí". Tampoco hay mucho más material para poner en pie otra adaptación del anticlásico de Emily Brontë que nadie había pedido, más que confiar en que la estética de Danielle Steel haga su trabajo de desconcierto, los secundarios nos convenzan de que cualquier apego a la realidad es un mero artificio y que todo vale si aprendes a quererte en un mundo repleto de ingratos. Este WUTHERING HEIGHTS 2.0 parece la reescritura de un veinteañero que acaba de leer su primera novela, confundiendo maldad con perversidad, pasión con calentón o puesta en escena con "preparado ultracongelado". Nada de lo que aparece aquí es naturalista, lo que no es necesariamente negativo, pero entonces debes demostrar que no sigues directrices, que no te han convencido para dotar de "qualité" la sobresaturada parrilla de la plataforma de turno, o que tienes la personalidad (narices) para escupirle a tu narcotizado público que no tienes por qué darles exactamente lo que ellos mismos se habían formado en su cabeza. Ni siquiera es mala, y Fennell es una diseñadora de interiores cojonuda, como mezclar a Coppola (Sofia) con Winding Refn, que viene a ser echarle mierda dorada a una puta hamburguesa para que cueste veinte pavos. Más que mala es... no me sale la palabra. Bueno, sí, es emperifollada, que es una palabra que me gusta por ambas partes.

Abur.

Saludos.

Los fusilados

 

Muy famosa en su momento, hasta el punto de ser nominada a los oscar en 1984, CAMILA ha envejecido regular, quedándose a mi parecer en un drama de época más efectista que efectivo. Basada en una historia real, la de la aristócrata Camila O'Gorman, que desafió a un entorno cerril y conservador, el de la clase alta bonaerense de mediados del XIX, la joven se enamoró del sacerdote Ladislao Gutiérrez, huyendo ambos y siendo encontrados por el ejército del gobernador Rosas y sentenciados nada menos que a morir por fusilamiento a causa del escándalo que habían provocado. Así eran las cosas entonces, para que digan que los ricos no lloran, aunque sea de vez en cuando. El film, ya digo, todo un acontecimiento en su país de origen, no es tan conocido, por ejemplo, en España, pese a tratarse de una coproducción. Recordemos que el coprotagonista era un joven Imanol Arias, dando vida al fatídico cura, mientras que Héctor Alterio era el temible y despechado Adolfo O'Gorman, que según cuenta la historia, tal y como ha llegado hasta nuestros días, no dudó en sentenciar a muerte a su propia hija.

Saludos.

Rincón del freak #690: Teoría y falsedad del cenizo

 

Es sana cosa, de cuando en vez, visitar los recovecos y dobles fondos del videoclub, con tal de toparnos con esa reliquia olvidada, qué digo, repudiada por la crítica oficial y por tanto esquilmada al soberano público, que tanto derecho a estas cosas tiene como a juzgarlas y olvidarlas de nuevo, como pasaré a narrarles. THE FACTORY, de 2011, es uno de tantos thrillers vertiente "criminales psicópatas", con pareja de detectives por medio e inevitable girito final de los de palmo de nariz. Problemas: John Cusack, que parece un dependiente haciendo de actor que hace de detective. Jennifer Carpenter, que es como esa muchacha a la que darías como cajón que no cierra, aunque sabes que acabará serrándote un pie. El malo, Dallas Roberts, no ya porque da el mismo miedo que un capítulo de Pocoyó, sino porque, en una decisión genial, es el primero que sale. El guion, con cuyas inverosimilitudes debes hacer un "pec" en toda regla, con coincidencias que parecen un cachondeo. El final. Y no un final cualquiera, sino uno de los encajes de bolillos más rocambolescos que ha visto el que esto escribe. El problema gordo es que da la sensación de que el guion está desordenado, desvelando cosas cuando no debe y guardándose información torticeramente. Y aun así, es lo bastante entretenida como para darse cuenta de que de aquí, de esta tontería de saldo, han bebido muchas luminarias del "terror elevado", véase WEAPONS o BARBARIAN y ya me dicen...

Saludos.

Estará de parranda

 

Yo creo que Chuck Norris se ha muerto ahora para que no se notara, camuflado tras todos los ilustres que se han ido, así con la cara tiznada y un gorro negro. La foto no es de THE DELTA FORCE, sino que estos dos señores nos miran, desde donde ellos quieran estar, a nosotros, simples mortales, tras rescatarnos de los bárbaros islámicos, terroristas que secuestran aviones donde van supervivientes del Holocausto, azafata alemana arrepentida incluida. Que aprenda la Bigelow de la primera parte de la Golan/Globus, pasándose por el forro de los cojones cualquier estrategia militar y/o diplomática, que es lo que le gustaría a "orange face". Para qué, si tienes una moto que lanza cohetes y uzi's autorecargables. Además, puede que Chuck Norris sea el protagonista con menos presencia en pantalla, cinco minutitos en la primera hora, donde sale rescatando a un soldado caído, renunciando para ser Ranger de Texas y comiándose una ensaladilla, a la que también renuncia para rescatar a los sionistas, que gracias a él ahora pueden genocidar países por la jeta. Han pasado cuarenta años de esta locura de la Cannon, la película con más incorrecciones políticas desde TENIENTE CORRUPTO, y no podemos más que preguntarnos dónde se estará tomando el chupito Mr. Norris, justo antes de soltarle una patada voladora a quien le diga que lo suyo no era actuar... Porque en este blog tampoco dejamos a nadie atrás, he dicho.

Saludos.

Fly me to the Moon

 

De imprevisto nos ha pillado también el fallecimiento de otro grande de la interpretación, muy grande en este caso. No por edad, sino por la relevancia que tenía Robert Duvall, uno de esos nombres sencillamente inabarcables del Hollywood de los últimos 50 años. De nuevo tenemos la oportunidad de rendir homenaje, al tiempo que planeamos otro amplio repaso a una filmografía que, en su caso, llegaba a rozar los 200 títulos, de los que seguramente hemos dado ya cuenta de los más relevantes. Y empezamos con una anomalía, un film oscurísimo y enterrado en la memoria, pero que viene curiosamente muy al caso. COUNTDOWN era un oportunista acercamiento a la carrera espacial, pero realizada con tanta premura y desconocimiento, que su aparentemente realista resolución es inferior a otros inscritos en la fantasía o la ciencia ficción. El film nos hablaba de la rivalidad entre el coronel Chiz (Duvall) y su subordinado Stegler (James Caan), cuando una decisión inverosímil revierte la misión para poner al primer hombre en la Luna, cambiando al segundo por el primero. Este trajín telenovelesco desemboca en los agobios y envidias entre ambos y sus recatadas y sumisas esposas (que para algo es 1968), alargando una trama insulsa para rematarla con la puesta en escena espacial en apenas los últimos quince minutos. Mención aparte merecen las ridículas escenas lunares, con Caan paseando por Sierra Morena, sin que la ausencia de gravedad encuentre una representación cuanto menos digna. Ya sorprende ver como director a un primerizo Robert Altman, maniatado por Jack Warner, que buscaba un taquillazo con semejante bodrio, lo que desembocó en la sustitución por el obediente William Conrad, aunque lo mismo hubiese dado otra opción. Duvall hizo lo que podía, dado el material, pero no duelen prendas reconocer que era de lo poco salvable de esta auténtica rareza.

Saludos.

Hermanita ven conmigo

 

Y Ben Wheatley volvió a Sitges un tiempo después, y no fue para pillarse una cogorza, sino para emborracharnos de lo que mejor sabe hacer, que es dejarnos con un palmo de narices. Si buena o si mala, me es indiferente; las tiene mejores y peores, pero BULK es una película cuya propia naturaleza indómita y revulsiva, la sitúa a mitad de camino del experimento meta y la sátira rayana en el corte de mangas, a una industria que no le financia sus proyectos personales, mientras lo busca para tonterías como lo del tiburón. Podría pensarse que estamos ante una reacción tardío-nostálgica a los inicios de Wheatley en Doctor Who, pero prefiero quedarme con esa metanarrativa cargada de mala hostia, como demostrando que se puede hacer una epopeya cuántica (nada menos) con presupuesto infantil y cuatro actores (literal), pero es que ni siquiera es eso. Lo resume el director en los divertidísimos títulos de crédito finales, donde la actriz Alexandra Maria Lara presenta, cual MC, a todos los que han hecho posible la película, rubricando con el cansino mantra youtubero y la cámara dándose la vuelta y enfocando a todo el equipo (cuatro personas), director incluido. Si quieren entender algo de esta fumada con viajes interdimensionales, rodada en una única casa, van listos; es mejor disfrutar del oscuro sentido del humor de este entrañable ogro, jugando con nuestra percepción a base de efectos tan primarios que incluyen pistolas de cartón y helicópteros recortables, por poner lo más sofisticado. La teoría de cuerdas explicada por alguien teóricamente cuerdo, aunque sabemos que esto no es exactamente así.

Una de las películas más descolocantes y anticonvencionales que recuerdo haber visto, como meter en una batidora THX 1138 y LA VIDA DE BRIAN...

Saludos.

Juicio amorísimo

 

La sensación que deja una película como LA VÉRITÉ es de desubicación continua, de esquinas iluminadas, repentinamente, tan sólo para dejar otras a oscuras. Es, parece ser, un típico drama judicial, donde se nos anuncia (en una imponente presentación) el juicio a la joven Dominique, acusada de asesinar a un joven y prometedor aspirante a director de orquesta. Podría ser, y es, pero también es mucho más. Es el escrutinio, delirantemente morboso, a la figura del objeto sexual, que hoy es motivo al menos de disputas, pero en 1960 podría ser poco menos que la excusa para ver a Brigitte Bardot retozando bajo las sábanas, porque eso sería quedarse en la superficie. Por un lado tenemos una afilada disección a aquella rive gauche parisina, como si el propio Clouzot mirara con sorna a los jóvenes y pujantes cahieristas; por el otro, la inocencia y defensa imposible de Dominique, juzgada por ser una mujer libre antes que por ser una asesina. Es, en todo caso, un sólido alegato contra hipocresías y embrutecimientos, que apuesta siempre por la humanidad de sus personajes y, además, le daba a la entonces efervescente BB su mejor papel. Incluso mejor que el que le dio Godard, lo que da que pensar.

No es una obra maestra, por lo disperso (por ambicioso) de su estructura, pero es un peliculón como la copa de un pino, como diría mi gran amigo y reciente cumpleañero Charly...

Saludos.

La casa con gases

 

Una estafa, un petardazo o un suicidio artístico. Lo de Osgood Perkins venía oliendo regular desde el injustificado hype de LONGLEGS, que confirmaba a un buen creador de atmósferas (muy repetitivo, eso sí), pero al que le interesaba poco o nada la coherencia narrativa, derivando en batiburrillos efectistas pero naturalmente vacuos. No sé qué diablos pretendía con KEEPER, una tontería que se alarga hasta lo indecente, donde nos cuentan (supuestamente) una historia muy inquietante y muy terrorífica, pero que es apenas lo que hemos visto mil veces en pantalla, los mismos sustos, los mismos tropos. La pareja con menos química que puedas imaginar se va a la lujosa cabaña que él posee para celebrar su aniversario. A partir de ahí, ruidos, crujidos, apariciones y otras cosas. Sin desvelar nada (aunque da igual) les diré que hay personajes (y sólo pude contar cuatro) que aparecen, desaparecen sin aportar nada, luego vuelven a aparecer y, sí, a desaparecer por ensalmo. Este guion desastroso parece muchas cosas. Parece eso tan pesao del folk horror, parece un torpérrimo manifiesto feminista, parece un (otro) retrato emocional-psicológico abismal. Para mí es una de las pérdidas de tiempo más evidentes e injustificables que he visto últimamente. Por lo tanto, no pierdan el tiempo en ella, ni más ni menos.

Saludos.

Tango inmerecido

 

Sin tener información alguna sobre una coincidencia que me parece, más que sospechosa, ingrata, me encuentro en el repaso/homenaje a Héctor Alterio con VOLVER, título gardeliano a más no poder, que fue el más destacado de lo cuatro largos que filmó el profesor de cine David Lipszyc, que empastaba no solamente en el título y el año de producción con el oscarizado film de Garci, sino también en el eje central de su historia. También aquí un tipo vuelve a su ciudad de origen taitantos años después desde Estados Unidos, aunque por motivos diametralmente contrarios: donde Ferrandis era un profesor exiliado, Alterio es uno de esos siniestros responsables de RRHH, que apenas mueven el culo para dejar a familias en la indigencia, con despidos o cerrando directamente la fábrica de turno. Sea como fuere, habremos de creernos que este protagonista no es mal tipo, aunque lo primero que haga es buscar a una "vieja amiga", ahora intrépida reportera, y seducirla tardíamente, pese a tener pareja ella y a espaldas de su yanqui esposa, lo que desemboca en una vergonzosa escena en la que el cornudo los encuentra desayunando, aunque peor es la llegada nocturna, con una curda que les llevará al manoseo. No sé, ni consigue el tono melancólico que busca, ni interioriza la complejidad emocional de un tipo sin mal fondo, pero con decisiones muy cuestionables. Yo me ahorraría ésta, aunque la música de Piazzolla algo arregla.

Saludos.

Rincón del freak #689: Do the donkey

 

La historia de THE BARBARIANS es posiblemente una de las más estrambóticas del cine de explotación, que ya es decir. En la cabeza de Goran (y de Globus también) sonaba como la epopeya definitiva de espada y brujería, que haría palidecer a Milius y empequeñecer a Schwarzenegger. Nada va mal en el arranque, aunque las arencias del presupuesto son evidentes. Ruggero Deodato ha sido siempre un tipo de decisiones discutibles, pero que técnicamente es bastante interesante, y de cine sabía un poquito; así que decidió haciendo un homenaje a LA DILIGENCIA de Ford, que asimismo se emparentaba con la que hizo Miller en el segundo MAD MAX. Bastante bien con lo que tenemos, porque además la partitura de Pino Donaggio (CARRIE, por poner un ejemplo) es sorprendentemente digna y muy pegadiza. El problema es todo lo demás. Los protagonistas son dos gemelos culturistas de L.A. con pinta de romper libros al abrirlos, que hacen apología de la imbecilidad gritando y rebuznando (esto es literal) por los motivos más peregrinos. En su transición de chavales a mastuerzos musculosos, el resto de personajes no ha cambiado su atuendo... Los malos lo son porque... no sé, porque el villano de Richard Lynch da un poco de penica, porque sólo quiere tener una mujer al lado y pierde dos dedos por el camino. Una joven pizpireta (Eva LaRue) aparece así porque sí y les acompaña para recuperar una joya que, bueno, no sé, pero le echan un pulso a George Eastman, luchan contra una atracción de la feria de Abril y también está Michael Berryman dando alaridos como un poseso. Al final, todo se reduce a estos tipos rebuznando (imperdible la escena del harén y la del hombre lobo), poniendo posturitas y caminando como agachados, que da una impresión vergonzante. A mí me parece que para 1987 la Cannon empezaba ya a hacer aguas y las películas se empezaban con ilusión y presupuesto, y terminaban con el árbitro mirando el reloj. 

Es tan mala que te ríes pensando si cada gilipollez es intencionada o esta gente lo hacía sin querer.

Saludos.

Dadle la manita

 

Se cumplen ahora treinta años del controvertido estreno de PONETTE, en la que Jacques Doillon ponía a prueba las dotes interpretativas de una chiquilla de apenas seis años, en uno de los ejercicios más flagrantes y discutibles de los límites de la ficción y la pornografía emocional. En su segundo trabajo, ALLONS ENFANTS, un mediometraje de una hora, Stéphane Demoustier daba un paso más, aunque no tan polémico, al poner a sus dos hijos, Cléo y Paul, que no llegaban a los cinco años, como protagonistas de una odisea, la que organizan al perderse en el gigantesco parque de la Villette, cada uno por su lado. Conviene no hacer de "cristiano ofendido" y tomarse al pie de la letra esta pequeña fábula, que parece simplemente un divertimento con el que experimentar un rodaje desde el punto de vista de los pequeños. O es así, o se corre el riesgo de pasar una hora indignados ¿Dónde diablos están los padres? ¿A quién se le ocurriría ponerles como cuidadora a una pobre mujer con problemas severos de movilidad? ¿Por qué, de una multitud, la pobre Cléo tiene que encontrarse con la tía más siesa y antimaternal del parque? ¿Cómo es posible que la policía no les eche una mano porque están en alerta terrorista? ¿Cómo se puede estar en una alerta terrorista y permitir que el parque esté abarrotado sin control de acceso? Y sobre todo, señor Demoustier, que son sus propios hijos ¿Era necesaria esa breve escena en la que un tipo ultrasospechoso se lleve a la niña de la mano?... Estos franceses...

Podría haber ido más allá, pero casi mejor que no.

Saludos. 

Sublimación del plano secuencia

 

El plano nos muestra la cubierta de un barco en la que dos hombres hablan; uno le da un maletín a otro. El plano continúa, sigue al hombre con el maletín hasta la barandilla, donde parece esperar algo; el otro hombre se marcha en dirección a un tren cuya vía está a escasos metros del barco atracado. Mientras, de plano a plano, sabemos quién observa, porque la secuencia no se detiene, no descansa, sólo enfoca y desenfoca para mostrarnos lo que ocurre a decenas de metros o en la garita del guarda. El guarda se aparta de la ventana, toma un aguardiente, fuma, escucha un ruido y vuelve a la ventana; algo sumamente grave ha ocurrido y él cree ser el único testigo. Han pasado casi veinte minutos de THE MAN FROM LONDON, para lo que bien podrían ser tres páginas en la novela de Simenon, estructurando un "participio subjuntivo" que en mi opinión es una genialidad, un hito de composición narrativa que corrige y aumenta el soberbio plano inicial de LA CONDENA. Aquí, la tensión del relato policíaco invita al mundo plomizo y apocalíptico de Tarr y Krasznahorkai a desafiarse mutuamente, resuelto en un puñado de largos planos lejos de cualquier belleza impostada, de una crudeza y rigor a los que es difícil sostener la mirada. Un mar de miradas, perdidas la mayoría, resueltas otras, cansadas diría que todas, incluso la del "detective" que llega para recuperar el maletín, cuyo valor ni siquiera podríamos decir que equivalga a toda la desgracia que termina causando.

Obra maestra absoluta. Terminamos aquí.

Saludos.

No hay bien que por mal no venga

 

Puede que sea OPUS (hasta el título es pretencioso) una de las peores películas que he visto últimamente. Peor, en el sentido de realmente mala; no técnicamente, no argumentalmente, porque ahí sería solamente insulsa. Es peor que mala, porque, al igual que su personaje principal (quién ha visto a John Malkovich sin autoparodiarse), una especie de megaestrella de la música que anuncia un nuevo disco tras muchos años, te dice que es genial, pero no sabes por qué. El problema es que a los diez minutos de película ya sabes exactamente cómo va a ser todo; y lo es, pero peor de lo que imaginabas. Esto no funciona ni como relato terrorífico, porque no hay terror, ni tampoco como guiñol grotesco, que lo parece, pero aportando cero de identidad propia. Es como un guion descartado, con el que han conseguido convencer a estrellas de capa caída, sabiendo que lo conseguido, aunque sea poco, ya será mucho. Para mí, una nueva razón por la que no comprendo la mastodóntica cartelera de Sitges, pero ésa es otra historia... o no.

Saludos.

Sobrevaloraciones

 

De algún lado hay que partir, y en el caso de Brigitte Bardot debía ser de la Juliette de ET DIEU CRÉA LA FEMME. Una película estúpida sobre la estupidez, indefendible, inenarrable, vacua y cuantos más adjetivos negativos queramos ponerle. No se sabe de qué va... bueno, sí, de una calientapollas a la que además le chiflan los hombres; una huerfanita en mitad de un Saint Tropez, donde se la disputan un chulo picaflor, su hermano, inseguro y apocado, y un ricachón que pretende comprarles a ambos un desvencijado astillero familiar, con intenciones más allá de lo retorcido. Ni siquiera merece la pena pararse en el raquítico guion firmado por Raoul Lévy y Roger Vadim, que debutaba en la dirección y también inauguraba un género, al menos para quien esto escribe, insólito: el cuckoldroman. Me ahorro la traducción, pero no he visto un juego de espejos más amoral que escribirle a tu joven esposa un papel en el que literalmente se pasa el día contoneándose delante de borrachos salidos, bailando con la falda abierta encima de una mesa o dándole mordiscos a su cuñado, por si se había quedado algo en el tintero. Despiadadamente kitsch, con decorados salidos de Blancanieves, es como una película porno que nos quiere dar lecciones de moral, o uno de esos slashers imaginarios en los que sólo yo imagino al asesino acojonado y escondido ante tanto crural desaprovechado...

Saludos.

Ya si eso luego lo miramos

 

Con menos ganas que un infectado sin piernas, me pongo a ver 28 YEARS LATER: THE BONE TEMPLE, que se parece al franquiciado de Boyle entre cero y nada, pero al menos ya estás sobre aviso de que esto es comida rápida que no se toma muy en serio a sí misma. Así las cosas, la historia es un delirio, por lo que huelga ponerse exquisitos con explicaciones y demás zarandajas. El protagonista bueno es Ralph Fiennes, que escucha a Duran Duran, se hace amigo de un infectado gigante y para estar solo le visita bastante gente. El crío tiene cara de asustado pero no echa ya de menos a nadie. El malo es Jack O'Connell, haciendo un personaje que parece un revuelto de sobras que te comes al llegar de madrugada, pero va a la basura con la luz del día. Y sí, es el doble de mejor que la otra, porque la otra quería ir de intelectual y trascendente, y aquí Nia DaCosta al menos le pone salsa brava a un montón de escenas asquerosas y estroboscópicas. Y no olviden, nunca se pierdan el rabo masivo del súper infectado...

Saludos.

Sic transit gloria mundi

 

Es curiosa la transformación semántica sufrida por diversos títulos pertenecientes a la discutida y discutible "transición española". Lo que entonces nos parecía subversivo, hoy es enternecedor; lo que rompedor, ya figurativismo arqueológico. No es una época tan fructífera, quizá si más por lo escueto de su extensión, pero al menos nos pasma la valentía de quienes estuvieron tanto tiempo oscurecidos por el ala del cuervo, porque ahora imaginamos luminoso el resplandor de su brillante culo encima de nuestras agradecidas cabecitas. Tenemos, por ejemplo, ¡ARRIBA HAZAÑA!, uno de los escasos ejemplos de "rebelión en las aulas", que el olvidado José María Vaz de Soto noveló en base a su experiencia con los Maristas, replegando el mapa de un franquismo boqueante en uno de esos colegios internos e identificando a los curas y alumnos como represores y reprimidos, hasta que los últimos deciden que ya esá bien de tanta misa y reproche hipócrita, iniciando una huelga que les permita conquistar sus derechos. Con un reparto sensacional, donde Fernando Fernán Gómez y Héctor Alterio encabezaban como el prefecto y el director respectivamente, también intervenía brevemente José Sacristán, y entre los secundarios sobresalían el gran Luis Ciges o unos jóvenes Enrique San Francisco e Iñaki Miramón. Cualquiera hubiese augurado un gran futuro como cineasta al leonés José María Gutiérrez Santos, que anteriormente adaptó junto a Vargas Llosa nada menos que su PANTALEÓN..., para hundirse en los cenagales de la españolada más casposa, puntuar dos breves episodios en TVE y largarse a Argentina, sin que hubiese ninguna noticia de otro trabajo suyo. Este film, el único notorio suyo, también ha quedado esquinado, a mi juicio injustamente, por lo que de "retrato español" tiene, sin sangres, pero tampoco misericordias, que hubiese dicho Galdós...

Saludos.

Rincón del freak #688: No disparen al montador

 

Hace apenas un par de semanas, les reconvenía desde este infame rincón acerca de cierto subproducto, que aun en su infecta naturaleza al menos albergaba alguna idea interesante. La comparaba precisamente con la que voy a comentar hoy, posiblemente una de las películas más wtf de todos los tiempos, lo que no es poca cosa con lo que llevamos visto aquí. Es, nada menos, THE EXORCIST III; o, la secuela que se empeñó en rodar el autor de la novela, porque decía (y tenía razón) que la segunda parte ni erea secuela ni nada; o una de las películas peor montadas que he visto, llegando a la percepción de ver tres films superpuestos; o, la actuación por la que nominaron al razzie a George C. Scott, que aquí parece con un pie en la tumba, pero recordemos que tenía un par de años más que Brad Pitt en F1... Con un guion que seguro que Blatty desarrolló en su novela "Legion", pero en pantalla no tiene puto sentido, lo abracadabrante es, además de la escena en la que Pat Ewing es un ángel, además de resucitar al padre Karras porque patatas, además de empezar con la escalerita y el Tubular Bells, además de que el malo lleve 15 años con una camisa de fuerza en una celda con un detector de mentiras ¿?, o además de que fumen como carreteros en el hospital (por cierto, menudo hospital de mierda) o C. Scott le chille a las enfermeras y luego se ponga a llorar. Además de todo eso, yo les diría que abran la mente, porque Peter Blatty era escritor, no cineasta, y eso, por difícil de creer que sea, juega a favor de esta película de estructura extrañísima, ángulos de cámara demenciales y decisiones de guion provenientes de la ruleta de la fortuna. Lo digo porque THE EXORCIST III es anterior a EL SILENCIO DE LOS CORDEROS, SEVEN, y aún más que IT FOLLOWS, y todas éstas, que no son malas como la finlandesa, pillaron ideas, conceptos, cuando no directamente planos de aquí. Aunque sólo fuera por eso, merecería la pena darle una oportunidad. Bueno, y por la famosa escena de la tijera, que otros más pacientes que yo han desgranado hasta la psicopatía...

Saludos.

El set

 

Entendida no como una continuación, sino como un metódico y singular exorcismo, THE SOUVENIR. PART II se fundamenta en tres abstracciones que Joanna Hogg camufla entre sus discutibles, a veces masoquistas imágenes. Una estaría en la necesidad de la aprobación constante, brillante en el relato de sumisión emocional mutuo de la primera parte, pero que aquí funciona menos en las constantes e infructuosas visitas a la casa familiar, con la madre (recordemos: Tilda Swinton, madre asimismo de la propia Honor Swinton Byrne) en primer plano. Otro estaría en la obsesión por convertir cada momento vivido en una escena rodada, en una proeza metalingüística que sólo sale bien alguna vez. La tercera, cómo no, es la bulimia de la protagonista (ya sabemos que la propia Hogg), menos preocupante si fuese física, pero subrayada como símbolo de la dependencia que Julie quiere dejar atrás: la muerte de Anthony, pero también Anthony como una droga de la que ha de desengancharse. La película, no nos engañemos, es, sin más, ese vaciado que, suponemos, permitió a la directora británica no sucumbir y al mismo tiempo creer en sus posibilidades como cineasta. Es ahí donde la película, al regodearse menos en la antecesora, crece; en la humillante hipocresía de sus profesores en la escuela de cine, la desconexión de los actores y actrices, aún estudiantes, en ese proyecto de fin de carrera. Ahí tenía Hogg, me parece, un film superior a éste, en el apabullante e inabarcable juego de espejos, de una película que trata sobre filmar cómo se filma una película que en realidad está ocurriendo en la cabeza de quien filma... Uf...

Necesaria, sí, pero también innecesariamente "dependiente".

Saludos.

La vuelta de paseo

 

JOURNEY ON THE PLAIN fue un mediometraje, filmado en soporte digital por Béla Tarr en 1995, donde el músico y actor Mihály Vig recorría de nuevo las localizaciones utilizadas tanto en SATANTANGO como en ARMONÍAS DE WERCKMEISTER. Un compendio de postales, esta vez a todo color, en las que bien podríamos estar ante paisajes distintos, dada la absoluta transformación de los mismos por un cambio de formato tan radical. Ignoro si se trataba de un trabajo de agradecimiento a la gran puszta magiar, o la posibilidad de poner imágenes a los poemas del gran poeta Sándor Petofi, recitados por el propio Vig. Una curiosidad para completistas, sí, aunque prefiero verlo mejor como un impagable marco de trabajo para futuros cineastas, tal y como el propio Tarr insistía a sus alumnos en la ECIB.

Saludos.

Muerte por repeluco

 

Una lástima lo de WE BURY THE DEAD, que optaba a mejor película en Sitges, pero cuya insoslayable inconcreción dejó al público y al jurado (justamente) fríos. Arrastrando múltiples problemas de distribución (es de 2024), el film nunca se decide por el tono a adoptar, brincando por un metraje deslavazado pero repleto de ideas interesantes. La trama nos sitúa en la isla de Tasmania, adonde llega Ava en busca de su esposo. La razón: la detonación de un poderoso arma (ojo) estadounidense, que ha convertido a la población en cientos de kilómetros en potenciales zombis. Esto es: la gente está aparentemente muerta, pero podría "resucitar", aunque en condiciones como poco discutibles. Ésta podría haber sido una buena cinta de género, una más de zombis, pero el director y guionista quiere ir un poco más allá, encorsetando un montón de tramas en un metraje escueto, consiguiendo apenas que la mayoría nos importen muy poco. Los muertos vivientes, por ejemplo, nunca parecen obedecer a un solo patrón, y si bien al principio dan bastante mal rollo (que no terror), luego son ese deus ex machina necesario, tan sólo porque algún género hay que navegar. No sé, porque esta atropellada odisea se resume en una frase "¿Y todo esta pa qué?". Por cierto, estos zombis no te matan comiéndose tu cerebro, sino poniendo a prueba tu resistencia al cringe...

Está Daisy Ridley, y poco más.

Saludos.

El otro faro

 

Los miércoles, a partir de hoy, tendrán iniciales, que serán B.B. Porque queremos rendir un pequeño homenaje a Brigitte Bardot, que también se sumó al triste aluvión de desapariciones en el ámbito cinematográfico. Habrá, supongo, a quien le parezca demasiado homenaje para tan poca actriz, pero a mí la Bardot siempre me ha parecido una estrella, en el amplio sentido de la palabra; una de esas personalidades deslumbrantes, cuasidivinas, que nunca estuvo tan cómoda con su condición de sex-symbol, pero lo cierto es que la explotó como nadie, hasta que un día decidió que era hora de que la estrella se retirase. Es eso, por supuesto, pero tambien (lo digo siempre) la impagable oportunidad de pasear el blog por filmografías, películas que a lo mejor no estarían aquí de no ser por circunstancias como ésta. Por ejemplo, iniciamos con MANINA, LA FILLE SANS VOILES, que si no es la primera aparición de la Bardot en pantalla por ahí debe ir. De hecho, el principal reclamo (y casi el único) de esta discreta comedia romántica era esa explosiva chica en bikini (hablamos de 1952), que probablemente aún ni era mayor de edad y que de alguna manera venía a adelantar a la Harriet Andersson de UN VERANO CON MÓNICA, aunque no sería justo comparar ambas cintas. El film, muy estirado, comienza con un soñador estudiante de Historia, que ha calculado así a vuelapluma encontrar unas ánforas antiquísimas en una remota costa italiana. Allí está Manina, hija del farero, que primero tiene trece años, pero en el segundo viaje ya es lozana dieciochera, por lo que el aprendiz de arqueólogo cae fascinado. Es de reseñar la aparición del actor suizo Howard Vernon (EL SILENCIO DEL MAR) como el malo de la peli, mientras que a este lado de los Pirineos nadie podía sospechar que hubiese mujeres tan bellas... y con tan poca ropa. Una fruslería de apenas 80 minutos, que se ve sin muchos aspavientos y a otra cosa...

Saludos.