El amor en tiempos del sexo

 

Ha muerto Milan Kundera, uno de los pocos escritores capaces de compendiar carga intelectual con éxito de público, sin morir en el intento y mostrando la posibilidad de un camino para la literatura dentro del mercado de consumo. Kundera escribió mucho, pero su obra más conocida fue THE UNBEARABLE LIGHTNESS OF BEING, que conoció una improbable adaptación allá por 1987, y lo era por lo difícil de la propuesta, imbricando el drama existencial del libro en una narración que coqueteaba sin miramientos el drama erótico. Ni una cosa ni la otra, la película se queda a mitad de casi todo, sin que sobresalga ningún aspecto ni aporte una visión diferente. Demasiado larga, demasiado imprecisa e inconstante, ni siquiera brilla su gran reparto, con unos incipientes Daniel Day-Lewis y Juliette Binoche, acompañados de la estimulante Lena Olin, cuyo triángulo amoroso en la Checoslovaquia de la primavera de Praga se va diluyendo justo cuando descubrimos lo vacuo de sus intenciones. Es una extraña adaptación, correctamente realizada, pero a la que le falta entender el mecanismo ideado por Kundera, que necesita imperiosamente la palabra interior para hacer emerger el grito silencioso del aplastamiento de los libres de espíritu bajo el yugo de los regímenes totalitarios. 

Curiosa, pero dura de tragar por unas tres horas que se hacen cuesta arriba. Y sí, el libro es mucho mejor.

Saludos.

La era del pollino

 

No es de extrañar, cuando la ventana principal a la "realidad" consiste en algoritmos tendenciosos, historiales binarios o noticieros de sucesos altamente amarillistas. No, no lo es, porque no se crea una corriente de pensamiento, sino un caldo de cultivo, un repugnante bazofio de pseudopensamientos con alto grado de autoestima. Así las cosas, se da cancha a burriciegos con retraso cognitivo profundo, pero el nudo de la corbata impecable o la laca obturando alveolos; se les anima, sin más, a que dispongan la primera imbecilidad que se les ocurra desde su opinión-pithecus. En LIGHTYEAR, hay una escenita que viene a durar minuto y medio, en el que la compañera del protagonista le informa de su próximo compromiso sentimental, con la "extraordinaria particularidad" de que será con una persona de su mismo sexo. Una anécdota en mitad de una película, por otra parte, tibia y rutinaria, como un desganado e ineficaz puente entre varios de los títulos mayores de Pixar, y que aporta poco más allá de una buena factura técnica (algo que ya se da por supuesto) y un entretenimiento con mínimos chispacillos de ingenio. El problema es que se habla de lo otro, de políticos vetando, censurando, enarbolando una superioridad moral que no sé quién carajo se la ha dado.

Yo, humildemente, y dejando claro que he estado ligeramente por encima del aburrimiento, me cago en todos sus muertos, a ver si les doy un motivo para ofenderse de verdad...

Saludos.

Rincón del freak #557: Una ensalada de desvíos

 

Y me veo viendo (maravillosa redundancia) THE DUKE OF DEATH AND HIS MAID, sin saber muy bien por qué y llevado por una extraña recomendación, ni tan siquiera corpórea, que ya es decir. Esto es un anime, que viene de un manga, y todas esas cosas que ya saben y que no voy a repetir. La particularidad es, sin más, su argumento, que paso a resumirles como siempre hago, para que sean ustedes quienes saquen sus conclusiones. El Duque es un chaval perteneciente a una aristocracia que no sabemos cuál es, pero que desde siempre ha fascinado a la sociedad nipona, sobre todo si es veladamente gótica y recargada. Como sea, resulta que el chaval sufrió una maldición cuando tenía cinco años, por lo que queda condenado a no poder tocar a ningún ser vivo, so pena de que éste caiga fulminado al instante a su contacto. Así, su día a día transcurre un poco aburrido, ya que su estricta madre lo ha desterrado a un apartado palacio, con la única compañía de su mayordomo tuerto y Alice, una criada que además es hija de la que fue criada de su madre... Y aquí la mandanga: Alice es un cruce entre Samantha Fox y Jenna Jameson, y no pierde la ocasión de calentarle los plomos al pobre duque, que al no poder tocarla termina en un interruptus constante. Y poco más, excepto constatar lo raros que son los japoneses, dándonos a entender, por ejemplo, que el erotismo puede soterrarse bajo una tortura de tensión no resuelta, mientras el término "calientapollas", por lo visto, puede ser hasta divertido en según qué sociedades... 

Más que curiosa, marciana... Qué coño, es una frikada como un sombrero de copa...

Saludos.

El espejo roto #24

 

Posiblemente "Beyond the sea" sea el mejor capítulo de esta T6 de BLACK MIRROR, y eso que Charlie Brooker enseña demasiado pronto sus cartas, mucho como para sostener la supuesta complejidad de una paradoja que pugna por llegar a "gran giro argumental. Es cierto que ese impactante final se ve venir desde prácticamente el principio, justo cuando existe la posibilidad de intercambiar truculencia por ambigüedad, y no es así. Sin querer desvelar mucho, estamos en una estación espacial, donde dos hombres se ocupan de su supervisión y mantenimiento. Al tratarse de una misión que se extiende durante más de un lustro, se usa una tecnología de última generación, donde unas réplicas perfectas ocupan el lugar de los dos hombres ausentes, pudiéndose "conectar" sus mentes. El problema sobreviene cuando uno de ellos sufre un terrible suceso, que cambiará por completo su vida; su compañero, al intentar ayudarlo, no será consciente de que complicará aún más la ya imposible convivencia en la estación. Es ingeniosa con reservas, y más tosca de lo que un relato distópico merecería prometer, y tampoco queda muy justificada su ubicación temporal, en unos años sesenta en los que se antoja complicado imaginar una tecnoogía así. Más allá de todos estos problemas, "Beyond the sea" se beneficia del que quizá sea el mejor trío interpretativo de toda la franquicia. El trabajo de Josh Hartnett, Kate Mara y Aaron Paul es muy superior a todo lo demás, y da cartas de nobleza a una serie que necesita cada vez más el soporte de caras reconocibles y reconocidas.

Muy buen capítulo, pero pide la complicidad del espectador como, por ejemplo, un Shyamalan descontando su propia cuenta atrás.

Saludos.

Películas para desengancharse #111

 

A Adrian Lyne le debemos la posibilidad de ver una película sin que realmente estemos viendo cine. Llamémoslo publicidad, videoclip o algún tipo de inducción mística, mediante la que accedemos a algún plano desconocido, donde las leyes del montaje o el guion han desaparecido, para dar paso a ese estado hipnótico y mesmerizador proveniente de la dimensión desconocida. Todo ello es fundamental para entender qué diablos es FLASHDANCE, piedra angular de cómo vaciar la carcasa narrativa e introducir un poliespán sonoro y visual tan atractivo como finalmente imbecilista. Ni las motivaciones de esa muchacha que suelda acero de día y baila en un club de noche, ni el más que cuestionable romance exprés con el jefe de obra, ni unos secundarios que parecen haber surgido de ese plano del que hablábamos antes, y ni siquiera (y esto es mucho peor) una banda sonora que trasciende lo omnipresente para ir directamente a ser lenguaje para sordos, los que disfrutan no enterándose de nada. Súmum del horterismo ochentero, a Moroder le dio un oscar, a Lyne la posibilidad de repensarse como director de películas, a Jennifer Beals un estrellato tan efímero como icónico, y a millones de espectadores un caramelo envuelto en brillantes colores, que se disfruta mejor con un cardado oscilante por un ventilador fluorescente...

Es lo que es, y lleva cuarenta años siéndolo.

Saludos.

Misión encubierta

 

Que Tom Mankiewicz nunca fue un guionista al uso, ni fácil de abordar para la maquinaria del sistema de estudios, es algo que queda atestiguado en cada uno de sus trabajos, tan adelantados a su tiempo como finalmente incomprendidos. Un buen ejemplo de ello lo encontramos en THE EAGLE HAS LANDED, una  de esas anomalías que intentaban aportar una visión novedosa en los estertores de un género, el bélico, del que ya se habían exprimido todas las posibilidades. Con la apariencia de una mastodóntica superproducción, todo, desde el reparto hasta el apartado técnico, semejaba un modelo de producción que, sencillamente, había dejado de existir. Por ello es un film tan curioso, por explorar un "gran relato" con modos más cercanos al intimismo de, por ejemplo, un drama psicológico. El resultado es desigual, extrañamente fascinante, con un descomunal mcguffin (la operación para secuestrar a Churchill) que apenas tiene peso en el arranque y el desenlace, dejándonos para el resto un complicado duelo interpretativo, por lo disperso, con nombres como Michael Caine, Robert Duvall, Donald Sutherland, Anthony Quayle o Donald Pleasence, que terminan por ser lo mejor de un film a contratiempo y contracorriente. Ni siquiera la grandiosa composición de Lalo Schifrin parece adecuada; ni el habitual pulso de ese gran olvidado, John Sturges, para tomar las riendas de proyectos de envergadura. Un responsable entonces, al que volvemos, cómo no, al finalizar la reseña, y que no es otro que Tom Mankiewicz, que concibió una "pequeña gran película", saltando constantemente de un adjetivo a otro.

Una rareza difícil de defender.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #40

 

La gran virtud de SALTY O'ROURKE recae en el estupendo guion de Milton Holmes, que llegó a estar nominado al oscar, y que endereza con gran oficio todos los problemas derivados de una producción en la que la Paramount parecía empeñada en imponer cualquier criterio eventual. Por ejemplo, un casting desacertado, en el que un pétreo Alan Ladd no consigue coger las riendas de un personaje demasiado ambiguo, para ser un héroe o puede que un villano. El segundo problema era la escasa química con Gail Russell, cuya exótica belleza tampoco se ajustaba a su personaje, una profesora de zapatos planos. Ni siquiera remonta Stanley Clements, un cómico muy popular en los cuarenta, que iba sobrado de carisma pero con registros muy limitados. Ellos son los tres pilares que componen esta historia ambientada en el mundo de las carreras de caballos, donde se mueve O'Rourke, que intenta saldar una importante cuenta con un oscuro corredor, para lo que recluta a un joven y díscolo jockey, el único capaz de montar al indómito caballo que ha adquirido. Todo parece ir bien, hasta que el joven se encapricha de la profesora que le han asignado para completar su formación. Quizá no hubiese hecho falta tanta excusa argumental, porque lo más interesante es la injerencia formada por este trío de sentimientos equivocados y raramente coincidentes. En definitiva, un film correcto, incluso mejor de lo que parece, pero con pocos argumentos para permanecer en la memoria cinéfila.

Saludos.

La locura un día

 

Traigo hoy una película extrañamente olvidada, y que merece ser reivindicada por su honestidad casi documental, tanto como por su extraordinario esfuerzo técnico, en el que la austeridad cobra inusitada exuberancia visual. LE JOUR OU DIEU EST PARTI EN VOYAGE es el elocuente título de esta pesadilla en tiempo real, que nos traslada a los horripilantes sucesos que se desencadenaron en Ruanda el 7 de Abril de 1994; una masacre monstruosa, que debió hacer temblar los cimientos del primer mundo, que asistía con estupefacción (y sin mover un dedo) a una de las mayores atrocidades de la humanidad. Sin embargo, alejado de cualquier tentación grandilocuente, el belga Philippe Van Leeuw se sube a lomos del extraordinario trabajo de la actriz Ruth Keza Nirere, que compone un extático y contenido paisaje de la desolación más absoluta. Partiendo de la miserable huida de la familia belga para quienes trabaja, Jacqueline se ve obligada a esconderse, huir de los asesinos, vagar por la selva e intentar sobrevivir a la incertidumbre de cada día. Prácticamente sin diálogos, el film se mueve por una fisicidad insoportable, como si realmente acompañáramos a Jacqueline en el martirio de no saber si vivirá otro día. Es un desgarrador relato, que en 2009 fue de los títulos más celebrados, por ejemplo, en San Sebastián, pero que la a veces injusta memoria colectiva ha sepultado sin que sepamos muy bien por qué. Horrible analogía, por cierto...

Saludos.

La muñeca

 

Hay una intención muy clara en una película como M3GAN, que ha puesto a la Blumhouse en la punta de lanza de las producciones de terror, y no tiene nada que ver con grandes innovaciones técnicas ni ingeniosos giros de guion. En lo primero se impone el oficio del australiano Gerard Johnstone, de incipiente carrera; mientras que el guion ideado por James Wan y Akela Cooper prescinde del elemento sorpresa, estructurando un relato que funciona por los lugares comunes y el buen uso que hace de ellos. El robot que le da nombre encarna a la perfección el sempiterno dilema de la "rebelión de las máquinas", con la apariencia de una inocente muñequita, que progresivamente se va tornando más amenazante. No hay ningún problema en desvelar las intenciones, y eso sirve para agilizar la propuesta y no quedarse en el enésimo calco del "imaginario Brooker", del que extrae conceptos interesantes, pero huyendo de cualquier pretensión pedante. En definitiva, un film bien hecho, que no engaña a nadie, y que no se sonroja enarbolando aquello del entretenimiento consciente... Un poco como su protagonista, por supuesto.

Saludos.

Rincón del freak #556: Demasiado viejos para el rocanrol...

 

Tres años después, alguien (los Zanuck, cómo no) creyó que era una buena idea volver del planeta Antares a por unos huevecillos que se habían quedado desperdigados por el océano. De paso, podía pasar que los simpáticos abueletes pasaran a saludar, marcarse un partido de baloncesto o hasta quedarse preñados. Lo que oyen, porque COCOON: THE RETURN no tenía maldito el sentido, excepto coger imágenes literales de la primera o dar carta de presentación a Courteney Cox, unos cuantos años antes de aquella serie tan famosa. Esta secuela se hizo por el vil metal, ni más ni menos, y dilapidaba cualquier acierto de su predecesora, como si estuviésemos en un capítulo de "El equipo A" alargado hasta las dos horas, con menos gracia y peores efectos especiales. Y de ésta sí que no guardaba ningún recuerdo de haberla visto, por lo que la sensación de estupor ha sido aún mayor.

Y cierro esto con una reflexión a vuelapluma: ¿Irte a la vida eterna con ochenta años?... No sé yo, eh...

Saludos.

El espejo roto #23

 

No me atrevería a afirmar que "Loch Henry" sea el peor episodio de BLACK MIRROR, porque sería demasiado exponer, y tampoco merece la pena. Es un episodio flojo, mucho, y lo es por varias razones. La fundamental es que no guarda ninguna conexión con el espíritu de la serie, si por "espíritu" tuviésemos que entender la constitución de una filosofía que impregne cada episodio hasta integrarlo en un todo más amplio. Esto no ocurre siempre, pero aquí me parece sintomático. Estamos ante una historia de terror, donde el uso de la tecnología es anecdótico, y que incurre en un error tan típico como imperdonable. Ni siquiera el equívoco de su tono, dándole la apariencia de una comedia negra hasta bien entrado su metraje, logra despistar ni metamorfosearse en ese brillante giro de guion. En lugar de ello, no creo que haya que ser especialmente avispado para descubrir dónde está el truco. Es decir, que no cumple ningún cometido, porque ni es entretenida ni ingeniosa. Y aun así, fíjense, porque no les pienso destrozar ni un gramo de su previsible trama, estando seguro como estoy de que lo van a pillar a la primera. Sólo ya en su desganado epílogo, Brooker vuelve sobre lo que parece ser el "motivo encubierto" de esta sexta temporada... Tarde y mal.

Saludos.

Películas para desengancharse #110

 

Vista hoy, parece una broma que algo como COCOON arrasara en taquilla. Eran otros tiempos, los ochenta, donde bastaban unas maquetas, algunas luces, gente mirando para arriba y una fanfarria con clarinetes para levantar un film de ciencia ficción con poco de lo primero. Ya la premisa era descabellada, con unos extraterrestres que custodiaban el secreto de la inmortalidad en forma de ovoides submarinos, tan sólo para que un grupo de septuagenarios los descubriese y flipase al ritmo de Michael Sembello. Yo sólo les voy a hacer una recomendación: si la vieron en su momento y aún conservan algo parecido a un buen recuerdo, no se arriesguen, no piensen que todo (nunca mejor dicho) es susceptible de envejecer bien. Tiene algunas escenas de verdadero cringe, y algunas actuaciones que redefinían el concepto "circunstancial", como el de la hija de Raquel Welch. Aun así, piensen en que aquel 1985 logró alzarse con dos estatuillas, una para un entrañable Don Ameche, la otra para unos efectos visuales que hoy día se ven con una mezcla de estupor e indulgencia.

Es menos importante de lo que nuestra memoria sentimental suele otorgarle.

Saludos.

El tiempo que nos quede

 

Deben ser pocas las películas que logren capturar el sentimentalismo de un tiempo perdido, ahogado por el idealismo, que salten con ligereza sobre la autocomplacencia de "caer bien". Mejor dicho, prescindir del artificio romántico para "ser" lo romantizado. Un gran ejemplo de esto lo encontramos en DADDY NOSTALGIE, con la que Bertrand Tavernier rescató del retiro nada menos que a Dirk Bogarde, para situarlo en el centro de una compleja historia de amor, la de una mujer que visita a su padre tras una grave operación. Compleja pero con estructura sumamente sencilla, contradictoria por la calma que desprenden sus imágenes, porque toda la tormenta interior es un gigantesco off, como si la narración en fuera de campo fuese parte del presagio, de que esos serán los últimos momentos junto a ese hombre que apuró la vida hasta las heces, y ahora languidece junto a una mujer mojigata por razones aún más extrañas. El film partía de un guion firmado por Colo O'Hagan, de la que Tavernier se separó diez años antes, en 1980, y es un reposado tour de force entre Bogarde y Jane Birkin, que intenta dar posible réplica a la majestuosa interpretación de quien parece flotar en cada escena sin esfuerzo. Es una lección de cine, que me permito recomendar a cualquier aspirante a cineasta que esté buscando su voz, que nos sigue descubriendo a ese gigante un poco escondido que siempre ha sido Tavernier, y que pone de manifiesto la máxima proustiana de que sólo lo efímero puede ser inmortal.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #39

 

Tenía su gracia el arranque de THE HORN BLOWS AT MIDNIGHT, justo hasta que el vehículo de lucimiento para Jack Benny se revela demasiado evidente. Con su carcasa de "musical alocado", lo difícil es separar la comedia de la excusa argumental, según la cual un trompetista de segunda fila sueña con tocar el instrumento para el mismísimo dios, cual ángel melodioso en un paradisíaco entorno. No está mal afrontar un insólito hecho: a este ángel trompetista le va a ser encomendada la misión de bajar a la Tierra para tocar la séptima trompeta, precisamente la que desencadena el apocalipsis. No se lleven a engaño, no es tan sofisticada ni tan rupturista; apenas una comedia de enredo "de interiores", en la que, es cierto, la maquinaria de la Warner se luce en un par de escenas con los actores colgando literalmente de un rascacielos. Un título menor para Walsh, tanto como cumplir una cuota anual o supeditar el talento de un autor total al de una estrella haciéndose pasar por actor.

A destacar algún pasaje del gran Franz Waxman, pero se antoja insuficiente como para destacar una película que soporta pocos filtros.

Saludos.

Sabor de horror

 

XX es el ejemplo perfecto de cómo una buena idea puede devenir una gran decepción; o por qué las películas de episodios (y especialmente las de terror) deben nutrirse de algún tipo de cohesión sintáctica que amarre su sentido intrínseco. No ocurre así con este irregular collage, por mucho que se nos venda la temática femenina, que me parece apenas circunstancial, cuando no directamente impuesta, y por tanto impostada. Cuatro directoras y protagonistas para este ¿experimento?, que se abre con "The box", típico relato "poeiano", en el que un misterio irresoluble va conformando el cuerpo de la historia. Una mujer viaja en el metro junto a sus dos hijos, y uno de ellos observa el misterioso contenido de una caja de regalo, cambiando su semblante hasta el punto de dejar de comer por completo. Los padres, angustiados, ven la transformación de la otra hija, cuando su hermano le susurra lo que vio, y más tarde es el propio padre quien cae bajo el misterioso influjo, dejando a la madre en una soledad que no comprende. Ni ella ni nosotros, pues Jovanka Vuckovic (directora canadiense, curtida en multitud de cortos) pierde la gran oportunidad de cerrar un capítulo memorable, y el final, lejos de ser ambiguo, es directamente tramposo.

"The birthday party", por contra, más que un relato de horror es una ocurrente píldora de comedia negra, a la que sin embargo le ocurre lo mismo, un exceso de inconcreción para atar el gran cabo suelto que es su único eje narrativo. El gran acierto es la elección de su protagonista, Melanie Lynskey, perfecta como esa mujer de mediana edad de hoy en día, aburrida, resignada a una vida sin sobresaltos, que se levanta el día más importante de su hija, tan sólo para descubrir que su marido se ha suicidado, y que se le presenta un "gran dilema": arruinar la fiesta de cumpleaños o no... Dirige Annie Clark (líder del grupo Saint Vincent), y exceptuando algún gag eminentemente físico, rozando el cine mudo, tampoco contribuye a elevar el tono del film.

Curiosamente, y pese a ser el segmento más deliberadamente terrorífico, "Don't fall" es también el más rutinario y prescindible. Un clásico relato de horror, en el que un grupo de excursionistas llega a un apartado paraje montañoso, donde encuentran unos extraños petroglifos, que afectarán a una de ellos, y convirtiendo su noche en una noche que no olvidarán. Roxanne Benjamin (a la que conocía apenas por SOUTHBOUND, otra episódica que tal) dirige esta especie de desganado homenaje a Twilight Zone, con el único mérito en un maquillaje efectivo para lo que busca, pero con muy poco más en su predecible desarrollo.

Por último, "Her only living son", dirigida por Karyn Kusama, responsable por ejemplo de la estupenda THE INVITATION, es, sin inventar nada, el mejor corte y con mucha diferencia. Una especie de cruce entre LA PROFECÍA y LA SEMILLA DEL DIABLO, que es más brillante cuando no desvela gran cosa de su argumento, y se limita a presentarnos el angustioso día a día de una mujer (estupenda Christina Kirk), que vive con su hijo, aparentemente problemático, pero que despierta una extraña empatía a su alrededor. Es el día de su 18 cumpleaños, y una especie de secreto, largamente guardado, está a punto de aflorar. Sabremos lo que va a ocurrir, que quizá su padre, ausente desde su nacimiento, volverá para reclamarlo, porque en realidad le pertenece, y ella también lo sabe, aunque luchará contra cualquier cosa... Un relato de horror bien planteado, que hubiese necesitado un metraje más amplio para desarrollarse, pero que el talento visual de Kusama le otorga un puñado de momentos de gran inquietud. Al menos un buen cierre para un film bienintencionado pero fallido.

Saludos.

Un viejo conocido

 Hay algo en MARLOWE que sabes que no va a funcionar. Se sabía ya desde la novela de Banville, aun así muy superior a la adaptación de William Monahan, incapaz de creerse que de verdad lo que se quiere contar es una historia que sólo podría suceder en ese momento y ese lugar. Y aun así, es Neil Jordan, y yo amo a este director aunque ruede a hipidos, porque sé que lo echaremos de menos cuando no esté. Pero Jordan nunca ha sido un clásico, no uno canónico al menos, y Philip Marlowe necesita esa tragedia, esa leyenda, esa pesadumbre de quien pierde pero lo hace con convicción. Este Marlowe es lo que Jordan pretendía al traernos de nuevo a Liam Neeson, un héroe cansado, meditabundo, un poco con ganas de marcharse en cualquier momento. Así las cosas, no puedo evitar preguntarme por qué el emperre de "fidelizar" a nuestro tiempo a grandes clásicos. No me refiero a filmar con los medios contemporáneos, faltaría más, sino precisamente a evitar el conflicto, la colisión de expectativas, de la que saltan esquirlas de extrañeza visual. No lo esperen aquí, y sí un trabajo que huele a semidespedida, la de un cineasta que algún día será reivindicado como merece, aunque no lo será por este compendio de "viejos éxitos"...

Saludos.

Rincón del freak #555: Faster, you punk! Kill, kill!...

 

THE DRILLER KILLER es el debut en la dirección de Abel Ferrara, que ya en aquel temprano 1979 daba sobradas muestras de su talento, tan desajustado a cualquier canon como repleto de soluciones visuales. Ferrara siempre ha sido un outsider, un paria de la industria, un enfant terrible que se atrevía a iluminar los rincones de un New York que casi nunca aparecía en los estándares del luminoso Hollywood. He aquí un film sórdido, autista, de trama tan simple como hermética, fiando su impertérrito argumento a una interesante observación de los modos y costumbres de los fondos más bajos de la ciudad, que sirve como estrambótica excusa para ilustrar la espiral de locura en la que cae el protagonista (el propio Ferrara), un pintor sin éxito, que malvive en un cochambroso apartamento junto a dos chicas. Casi como una rudimentaria metáfora, el tipo se obsesiona con un taladro por motivos inexplicables, e inicia una cadena de asesinatos gracias a otro descubrimiento... una batería portátil, por supuesto. Sí, a quien sea ajeno a la densa obra del neoyorquino, le puede resultar una obra pretenciosa en su economía de medios (apenas 20000$), o un mero corolario de aquel NYC de finales de los setenta, en los estertores de los clubs y la inagotable pecera repleta de grupos de efímera trayectoria. Ni una cosa ni la otra, porque Ferrara siempre ha ido por cuenta propia, desde un slasher punk hasta su thriller psicopático y católico, la deconstrucción del mito de Scorsese o su última locura de escritura dodecafónica, biopic descontrolado inclusive. 

Sí, es rara, punkarra, bordeando el desastre y abrazando lo amateur desde el control de las "claves de razón práctica". Es Abel Ferrara, y va a ser difícil que haya otro que se atreva a tanto...

Saludos.

El espejo roto #22

 

"Joan is awful" es el primer capítulo de la esperada sexta temporada de BLACK MIRROR. Un capítulo, por así decirlo, que reconcilia a medias a la serie con su espíritu original, aquél que nos hurgaba sin compasión en nuestras intimidades más inconfesables, vía tecnologías, distopías y otros caminos hacia un futuro "no tan halagüeño". La premisa argumental es lo suficientemente ingeniosa como para que su mala baba, que no es poca, no descarrile durante gran parte del metraje. Sólo cuando llegan las explicaciones la historia, y sus muchas costuras, se desinfla hasta abandonar su corrosivo mensaje, y sucumbiendo a un final, si no feliz, sí inocuo. En esta ocasión, Charlie Brooker mira en dirección de la propia plataforma que distribuye la serie, e imagina a una mujer que una noche se encuentra viendo su propia vida en formato de serie... y prácticamente a tiempo real. Así, se nos presenta una doble crítica, a los diabólicos algoritmos que parecen leer nuestra mente, y a los consumidores compulsivos del contenido de plataformas, sabiendo como sabemos que el 80% es pura bazofia. El problema es lo conservador de su resolución, que podría haber dispuesto un terrorífico "horizonte de eventos", pero prefiere un broche semicómico y menos desgarrador de lo que parece prometer durante su espléndida primera media hora. 

Es un buen capítulo, atenuado supongo que por necesidad y con algunas caras del star system, lo que da una pista sobre el verdadero estatus actual de la serie. Seguiremos informando.

Saludos.

Películas para desengancharse #109

 

Estamos en 1988, un año que cinematográficamente hablando puede significar muchas cosas, pero en el que nadie vio venir algo como A FISH CALLED WANDA. Curiosa se la mire por donde se la mire, fue el proyecto personal de John Cleese, que había escrito el guion pensando en que el único director adecuado era nada menos que Charles Crichton, responsable de algunos de los títulos más míticos de la legendaria Ealing. No era fácil, porque Crichton tenía 78 años, y hacía casi 25 que no dirigía cine, dedicado en exclusiva a esporádicos capítulos televisivos. Así, Cleese logró rodearse de una pareja de moda, Kevin Kline y Jamie Lee Curtis, y pudo sacar adelante una película que parece responder a los cánones de otro tiempo, pero que posee la modernidad de lo intemporal. Es una comedia de enredo, y muy enredada, y tiene diálogos ágiles, interpretaciones carismáticas, dinámicas, para conformar una lección tardía de cómo hacer funcionar un engranaje tan complejo como éste. Y es que no se ven películas así hoy día, a lo mejor porque nos creemos demasiado listos, demasiado conscientes desde una perspectiva engañosa. Yo sólo les digo que si el cine, ante todo, es entretenimiento, aquí no hay un segundo para el aburrimiento, y sí para la inventiva de la vieja escuela, más moderna que nunca. 

El personaje de Kline, mítico, ha sido imitado mil veces después. Búsquenla si por lo que sea aún no la han visto...

Saludos.

El pistolero

 

Hablando de la tercera temporada de THE MANDALORIAN, me ha resultado curioso encontrarme con muchos comentarios que aludían al cambio experimentado por la serie que ha revitalizado al universo de Star Wars. Casi todos apuntaban a una cierta dispersión argumental, como si esta temporada no fuese más que el preámbulo de algo "más grande", posiblemente la integración de estos personajes en la gran pantalla, o la preparación de una cuarta con invitados clásicos. Convengo que, de las tres, es la menos agraciada, pero que aun así Jon Favreau es capaz de mantener cierta coherencia, incluso expandiendo considerablemente su campo de acción. Hay aquí un mayor acercamiento a la tradición del pueblo mandaloriano, sin que ello resienta la entrañable relación entre el protagonista y Grogu, que culmina en un espectacular episodio final, el mejor de la temporada. Y hay otro muy interesante, pero que entiendo el rechazo que haya podido causar. Ni rastro del mandaloriano en él, porque se centra en el carácter político y social de los "asimilados", antiguos componentes del Imperio, que tras ser capturados inician su propia integración dentro de la Nueva República. Es un punto de vista excitante, de menor impacto pero mayor madurez argumental, y que confirma a esta serie como una de las más recomendables de la actualidad.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #38

En NORTHERN PURSUIT, de nuevo se erigía Errol Flynn en héroe contra la amenaza nazi, esta vez encarnada en un malvado espía que llega hasta Canadá en un submarino. Aparentemente es la típica película de buenos y malos, con todos los tropos del género de espionaje, pero en el que se ensaya una curiosa vuelta de tuerca con su protagonista, que pasa de héroe a villano, redimiéndose en el tramo final. El antagonista era Helmut Dantine, actor de origen austríaco, que se especializó en este tipo de papeles, y que daba la réplica a Flynn con acierto. Una película muy entretenida, con un nevado Canadá totalmente reproducido en estudio, una maravillosa banda sonora a cargo del habitual Adolph Deutsch y algunas escenas francamente espectaculares, como una persecución en esquís que luego tantas veces hemos visto en títulos más conocidos.

Saludos.

Grima deconstruida

 

THE BANSHEES OF INISHERIN es una película equívoca, propensa al equívoco, con una extraña vocación para inmolarse a las primeras de cambio. La filmografía de Martin McDonagh transita esa senda, la de violar los códigos de cualquier género al que se enfrente, conformando un terreno nada acomodado, capaz de amargarle la velada a quien tuviese la menor expectativa al respecto. Lo que más me gusta de este drama oscurísimo y desesperanzado es el preciso delineado de los personajes, sin que sepamos muy bien sus motivaciones para abrazar ese exilio interior, pero con un poso de gravedad que les hace gravitar alrededor de un clima de pesadumbre, insoportable de no ser por una sorna maquillada de falso humor. No me parece, sin embargo, una gran película, por tremendista, por inflada de golpes de efecto, la mayoría incomprensibles y excesivamente subrayados. Es una película, esencialmente, sobre la depresión, la incomunicación, la vida detenida en esos lugares hostiles por repetitivos, donde los secretos no se cuentan, simplemente se saben.

No la vean si están de bajona.

Saludos.

Error no forzado

 

MALUM es una película que no debería existir, tal cual. No tiene ningún sentido, ni como proyecto, ni como concepto, ni en su acabado, ni en sus ambiciones. Es el remake de una película que ya era mala, algo que no debe hacerse, y peor aún, es el remake hecho por la misma persona. Ahora bien, podría estar bien, mejorar algo, aportar otro punto de vista. Si tuviésemos que contarla, diríamos que es una película de terror tan sólo porque hay sustos de los estridentes, y que tan sólo tiene una premisa, explotar estos jumpscares, que en general están poco logrados. Es el relato de la primera noche de una mujer policía en una comisaría que está a punto de cerrar, donde empezarán a suceder eventos extraños. De repente, por allí aparece gente sin previo aviso, un cerdo (un cerdo!), apariciones que uno ve sin saber si están pasando realmente o son imaginadas. Eso es lo peor, la incongruencia de un guion que parece escrito por un estudiante en prácticas, que cree estar haciendo algo sublime, y en realidad es bastante ridículo.

No la vean.

Saludos.

Rincón del freak #554: Realismo no, gracias. Debes dejarlo crecer...

 

Podría, pero no lo hago. Podría explayarme, espachurrar frases altisonantes, expresiones dodecafónicas, filtros alambicados para hablar de una película como LA PIEDAD, pero no voy a hacerlo, en lugar de ello voy a intentar explicar lo más nítidamente posible qué me ha parecido. Por delante va que no había visto nada de Eduardo Casanova, aunque algo tenía de oídas, por lo que no ha habido sobresaturación. Y debería. Historia, intención y formalismo. La historia, lamento decirlo, es la nada, un relato de terror psicológico que por momentos intenta emular a Lynch, luego a Almodóvar, a Carlos Vermut o a Kaurismaki. Es decir, nada. La intención, sin embargo, es lo más salvable. Siendo justos, hay mucho trazo grueso donde imperaría la sutileza, el nervio calmo, pero al menos su retrato de una maternidad tóxica es agresiva y sin dobleces. Aquí más o menos bien. El problema de verdad, y curiosamente, es la forma. Allí donde Casanova debería ofrecer su cañonazo de nobleza, apenas asoma un puñado de imágenes de manual, de academia de cine, con un uso de la cámara deplorable y un diseño de producción que prefiero obviar y que "descubran" ustedes mismos. Me da que este señor ha confundido a Roy Andersson con un power point, mientras prostituye la paleta cromática de Sirk, o abraza el cartoné en ripio de Negulesco ¿Es mala? Sí, pero es peor que sea fea, porque eso no debería suponer un problema, y sí que lo es... ¿Es rara? No, sólo busca desesperadamente serlo...

Saludos.

Buscando a Wally

 

Hay una diferencia nada sutil entre ser valiente y ser un bravucón. Lo primero requiere convicción y abnegación ante la adversidad; lo otro, un público embob(t)ado. BABYLON demanda mucho de lo segundo, no pide nada de lo primero. Es un tiroteo virtual, una pelea de lucha libre, un porno que nos obligan a reconocer como artístico. BABYLON es la fiesta que sigue y sigue después de terminar hace mucho, sólo porque hay gente sin reloj o con colirio. Es el desagüe de lo cotidiano, un plomizo rescate de finuras enjugadas en bragas del chino. Damien Chazelle es el alumno aventajado, peor que arribista, tenue y calibrado mientras envía a los reclutas al Somme. Ni rastro aquí de su honesta (y falsa) ópera prima, y mucho de las explosiones controladas de su irrupción en lo de los premios. BABYLON prostituye lo que Tarantino recreaba en ascendente homenaje, pero no es lo peor. Mancilla a Minnelli, ametralla a Kubrick, desprecia a Scorsese y se olvida de que Coppola era capaz de hacer un plano secuencia sin que se notara. Hay más, casi nada bueno. Está la inconcebible dispersión de la tensión narrativa, con un montaje al que sigo dando vueltas si está hecho por un profesional; y están las interpretaciones, sincopadas, a hipidos, con el piloto automático puesto. Margot Robbie está insoportable y lejos del patetismo que, sin embargo, sí tiene un Brad Pitt que es de lo poco que no parece impostado. El resto del elenco es como la orgía inicial: sabes que están ahí, pero no sabes dónde...

Si durase hora y media menos... sería más corta.

Saludos.

Películas para desengancharse #108

 

Sí, sí. GHOSTS OF MARS o "la película que alguien le hizo a John Carpenter". No la veía desde entonces, en 2001, alquilada seguramente en algún videoclub de los de cajero, para mayor impersonalidad ¿La impresión? La impresión es la misma que entonces: más que mala, es incomprensible, indefendible por parecer más la caricatura del cine (éste sí de verdad) que había hecho Carpenter hasta entonces. Fundamentalmente, es un refrito del ASALTO, LA COSA y RESCATE EN NY... Y más cosas, supongo, pero lamentablemente cosidas con tanza de la gorda. Lo cierto es que este fiasco prácticamente finiquitó la carrera de su autor, al menos en el largo (lo de Amber Heard casi ni la cuento), y dejó claro que en los albores del digital eran malos tiempos para la lírica. Y podríamos obviar la producción maquetera, las interpretaciones a desgana o el montaje a contrapelo, sólo si el guion se lo hubiese tomado con la misma sorna. Pero como no es así, el resultado es "esa película de acción que no deber hacer con más de 50 años".

He visto cosas más dignas de Chuck Norris, así que definitivamente desenganchado...

Saludos.

Kondaira guztiak

 

Todas las leyendas provienen, se perpetúan, mueren. Las leyendas son la tradición oral, magnificada a veces, desestimada otras. Y argamasan lo que hoy conocemos como "normatividad", aunque sólo sea por comparación. De ello va IRATI, un sorprendente film que se pudo ver en Sitges, y que logró captar la atención de público y jurado gracias a su arriesgada mezcla de aventuras y relato antropológico, el de una zona, hoy conocida como Navarra, en tiempos de Carlomagno. Dirigida por Paul Urkijo Alijo, al que seguimos la pista de la también sorprendente ERREMENTARI, nos habla de la ambición humana en contraste con la inalterabilidad de la naturaleza, encarnada en los seres mitológicos que habitan un bosque mágico, amenazado ya entonces. Con un diseño de producción más que digno, una fotografía espectacular y unos efectos especiales que cumplen su cometido sin redundar, es uno de los títulos que deberían encabezar la taquilla española, aunque sólo sea por lo inaudito de su propuesta. Magnífica película y magníficas noticias para la industria.

Por favor, sólo en V.O., o no se van a enterar de nada.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #37

 

UNCERTAIN GLORY, de 1944, parece más una oportunidad perdida que la gran película que podría haber sido. Excesivamente inconcreta, disuelta en demasiados frentes abiertos, dilapida una magnífica premisa de partida, diluyéndose en un panfleto falsamente patriótico, demasiado para ser tomado en serio. El arranque, sin embargo, es estupendo, presentando a Picard (Errol Flynn), un delincuente sentenciado a la guillotina en plena ocupación alemana, que escapa gracias a un afortunado bombardeo. Sin embargo, el persistente inspector Bonet le da caza, y pretende entregarlo, pero otro suceso fortuito se interpondrá en el destino de Picard. Inesperadamente, se ofrece a entregarse a los nazis, haciéndose pasar por un saboteador, y liberando así a cien rehenes franceses, borrando de paso su historial delictivo. Walsh logra hacer creíble el progresivo acercamiento entre Picard y su captor (un estupendo Paul Lukas, que venía de ganar un oscar), pero ni siquiera su prístina narrativa puede sujetar un guion que se va volviendo cada vez más absurdo, hasta desembocar en un final directamente inverosímil, y cuya premura no justifican las múltiples vueltas, que apenas buscan una forzada heroicidad en un protagonista deliberadamente a mitad del antihéroe que demandaba una jugada tan estrambótica.

No es un desastre, pero ni mucho menos inolvidable.

Saludos.

La razón

 

Afirmaríamos, sin temor a equivocarnos, que AS BESTAS debe ser la película española del año. Ello me lleva a dos posiciones contrapuestas, y que intentaré explicar sin enrollarme mucho. Que estamos ante una gran película me parece evidente, así como que Rodrigo Sorogoyen es consciente de ello, o que incluso lo era en la gestación de la misma. Sorogoyen ha perdido ese principio de incertidumbre que le dotaba de una singularidad única, brillante en su madurez de narrador a la vieja usanza. Por contra, se encamina hacia un estadio diferente, el del director con mayúsculas, con el dominio absoluto de su oficio, sin miedo a cualquier reto que se le presente ¿Quiere decir esto que Hollywood podría ser su próximo paso? Lo dudo. Sorogoyen no termina de representar el perfil del "gran artesano", aunque tampoco el del autor total; más bien es un extraño especimen azuzador de las potencialidades de la imagen. AS BESTAS, lo diré ya, no me parece su mejor película, pero sí la más representativa, al menos del tipo de cineasta que podríamos encontrarnos de aquí en adelante. Vaya por delante el prodigioso trabajo del cuarteto protagonista, con Luis Zahera y Denis Ménochet haciendo saltar esquirlas de western duro, trabajado, con el trasfondo de una Galicia rural y miserable, pero en la que todos parecen tener sus razones para ser como son. Es el gran triunfo de este relato seco, sórdido como un vino peleón, mostrarnos que incluso los seres más abyectos y despreciables puede que lo sean por algo que en títulos más conductistas nos suele ser escamoteado. Pasado el "duelo de titanes", el film emplea una larga y extraña coda, como plegándose en forma de crisálida, y cediendo el protagonismo a una excelente Marina Foïs, que lidia con un personaje poco agradecido para el lucimiento, pero fundamental para entender el porqué de ese cambio tonal, disruptivo y arriesgado, que resta redondez a esta tremenda historia de verdades, envidias, requiebros y todo tipo de razones, las que nos gustan y las que no.

Más que a Ford, fíjense, me ha recordado mucho más a Peckinpah...

Saludos.

Lo mismo de otra forma

 

Creo que la pregunta recurrente al referirnos a THE LAST OF US es siempre la misma ¿Es tan buena como dicen? Bueno, no nos volvamos locos con un producto para plataformas, pero sí, es buena. Mejor al menos que productos similares (zombis, sobre todo), aun desconociendo por completo todo lo relativo a los videojuegos, y teniendo en cuenta que esto podría quedar en una primera temporada apabullante y prometedora, tan sólo para eternizar un negocio infalible. En esencia, no hay mucho más que en esos títulos que inmediatamente se nos vienen a la cabeza, pero se nota que aquí se ha cuidado el trabajo de los directores al máximo, que se intenta que los actores no caigan en la fórmula standard, y que de tanto en tanto se dé vía libre a algunas licencias artísticas que aportan frescura, y que tengas la sensación de que no te están tomando por tonto... del todo. Pedro Pascal es el sucesor natural de un Harrison Ford, cansado, humillado, pero por ello más cercano y humano. A su lado, Bella Ramsey compone un papel bastante más complejo de lo que este tipo de series demanda, y ambos son el gran sustento de una serie, por otra parte, normativa hasta las heces. Pero qué demonios... Aquí hay dos capítulos que merecen estar en lo más alto de la historia de la televisión, y seguro que saben cuáles son...

Sin inventar nada, tampoco se complica la vida innecesariamente, y se nota porque no se eterniza gratuitamente.

Saludos.

Rincón del freak #553: Sangre espesa

 

Sé que la pregunta es recurrente, incluso cansina. Pero ¿hacía falta una película como DA SWEET BLOOD OF JESUS? Spike Lee pensó que sí, y se puso manos a la obra para terminar elaborando un juguete caro, demasiado para lo que finalmente ofrece, que no es más que un extraño "remasterizado" sin apenas una sola idea original que aportar. Y no es una mala película, porque Lee siempre ha sido un cineasta con un talento para la composición extraordinario, pero es imposible que este film se desprenda un milímetro de su rendido y ensimismado homenaje. Es demasiado larga, demasiado lenta, demasiado recatada, y demuestra un par de cosas, como que ser distinto es un riesgo que muy pocos asumen, o que la originalidad se basa en auspiciar dicho riesgo como rasgo inequívoco e identitario. 

Casi nadie la vio hace una década, y aún es uno de los títulos más desconocidos de su director.

Saludos.

Color sangre

 GANJA & HESS es una de esas películas que habitan el título "de culto" sin esfuerzo alguno. Reverenciada por Spike Lee (atentos al domingo...), es una extraña, atípica cinta sobre vampiros, por su carácter casi experimental, como por su apariencia de blaixplotation, cuando en realidad es un film "arty", de gan introspección formal, y que se acerca más al cine europeo de autor (mucho Godard) que al cine comercial americano. Su autor, Bill Gunn, era un excelente dramaturgo, de formas impenitentemente poéticas, y que reivindicaba sus raíces africanas como fundamentales para asentar su visión de un país eminentemente racista. Aquí se nos cuenta la historia de Hess Green, asistente del doctor Meda, en realidad un vampiro que llegó a su condición tras ser apuñalado con un cuchillo proveniente de la mítica civilización de Myrthia. Tras el suicidio de éste, Hess bebe su sangre y se vuelve asimismo un vampiro, pero su nueva vida se complica al caer enamorado de Ganja, la mujer de Meda, que posteriormente le culpa de su asesinato. Una película "difícil", dotada de una poesía interna que la hace hermética para un espectador medio, y aunque la veo demasiado consciente de su propia importancia, es innegable que posee algunas imágenes de gran originalidad y modernidad, llegando hasta nuestros días con ese halo tan especial y que la hace irresistible para los paladares exigentes.

Saludos.

Películas para desengancharse #107

 

Una de las películas en las que me parece más necesario separar su logro artístico de sus licencias (y en este caso son muchas, aunque no lo parezca) es MISSISSIPPI BURNING, piedra angular en la impresionante filmografía de alan Parker y posible detonador de un policíaco que a partir de entonces se tomó muy en serio las formas. No hay medias tintas en este áspero e intenso drama racial, porque así lo pretende el rocoso guion de Chris Gerolmo, sin ocultar a los culpables de un terrible asesinato en un pueblo del Sur más racista, justo en la ascensión al poder del aperturista Kennedy. Más que una investigación es una denuncia, un grito de impotencia que se eleva desde la impunidad de los asesinos, recorriendo cada fotograma con una precisión que asusta. Y lo es tanto como la complicada relación entre los dos investigadores del FBI (unos inolvidables Willem Dafoe y Gene Hackman), con métodos de trabajo diametralmente opuestos, y que chocan con la asfixiante atmósfera de un lugar que parece haberse quedado anclado en el peor de los tiempos. ARDE MISSISSIPPI es ese tipo de película, la tomas o la dejas, y no te va a pedir tu opinión, porque esa es la última moraleja desprendida de sus terribles imágenes: quizá lo ortodoxo no siempre sea lo correcto.

La mejor película de su autor, y no es poco.

Saludos.

Insoportables levedades

 

Para los conocedores del asunto, no les debe ser ajena la dificultad que entraña un personaje como el Caballero Luna. Creado por Doug Moench a mediados de los setenta, siempre ha sido un "ente aparte", prácticamente autónomo, con el que durante un tiempo se coqueteó con la posibilidad de convertirlo en un Batman para Marvel, quedándose apenas en una excentricidad para coleccionistas impenitentes. Así, es poco menos que apostar fuerte su adaptación en formato miniserie, puede que con la idea de integrarlo en el depauperado MCU, o, emulando su devenir comiquero, quede aquí la aventura. MOON KNIGHT son seis episodios que saben a muy poco, aun con sus momentos trepidantes, su saludable sentido del humor, y su nula predisposición a la pedantería. Hasta ahí, lo más positivo, porque lo negativo es aún más curioso. Lo negativo es dilapidar a dos de los mejores actores en activo, como son Ethan Hawke y, sobre todo, un tremendo Oscar Isaac, ofreciendo un recital de interpretación pocas veces visto en este tipo de productos. A ambos les viene tristemente pequeña esta miniserie, que sin ser un desastre absoluto me parece una pequeñez que no tardará en ser olvidada. Y me resisto a pensar que pueda haber una continuación.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #36

 

En BACKGROUND TO DANGER, de 1943, confluye toda la mística del cine negro más exótico, el que mixturaba el espionaje en tierras lejanas (aquí Turquía), los romances exprés y el siempre oportuno conflicto bélico, que dota de verosimilitud a una trama, por otra parte, algo desvaída. Y eso que el elenco principal era de garantías, con un George Raft más Bogart que nunca, Sydney Greenstreet como un malo malísimo y Peter Lorre con pocos minutos para desarrollar un personaje que se intuye complejo. Hay mucho Hitchcock en los lugares comunes, comenzando por Raft, un espía disfrazado de otra cosa, pero al que descubren demasiado pronto, viéndose zarandeado por intereses espurios y otros supuestamente nobles. Una película a todo tren, nunca mejor dicho, ya que el ferrocarril es parte fundamental del desarrollo, aunque haya que "sufrir" algún que otro montaje no ya maquetero, sino directamente estático, lo que me hace pensar en una producción rodada con más prisas que medios, y que sólo eleva el tener a un gran profesional como Walsh en la dirección.

Discretamente entretenida.

Saludos.

Otra vez el tono

 

Y ya que hablábamos de osos, hablemos de WE BARE BEARS: THE MOVIE, que viene a abundar en la tendencia que se ha instalado de un tiempo a esta parte, consistente en la realización de un largo basado en series animadas de éxito. En esta ocasión, las aventuras de Pardo, Polar y Panda nos trasladan hasta un intento por criticar la intolerancia "al diferente", cuando esta hermandad de osos es obligada a marcharse al recibir multitud de reclamaciones por su comportamiento. Si han visto antes este estandarte de Cartoon Network, el tono no difiere mucho, oscilando entre un sarcasmo "amable", casi domesticado, hasta una tenue reprimenda a la autoestima de estos simpáticos personajes, constantemente buscando notoriedad pública, aunque no en un baremo que nunca sobrepasa lo políticamente correcto. Lo veo más como una explotación que como una expansión, y su hora escasa de duración la deja, efectivamente, como otro piloto extrañamente situado al final de la serie, y no al principio. 

No le daría una edad de aceptación más allá de los 15 años.

Saludos.

Porque es un muchacho excelente 3

 

El tono, el tono. O algo así me imagino que debía pensar Simon Curtis, al desaprovechar la oportunidad de acercarnos el secreto mejor guardado de A.A. Milne, que es cómo concibió la serie de libros de Winnie the Pooh. Es una lástima, porque GOODBYE CHRISTOPHER ROBIN tiene, además de una buena historia, buenos intérpretes y un muy buen guion, pero el tono es tan disperso, tan dubitativo, que ni siquiera parece un retrato biográfico, sino una crítica ajena a su propia circunstancia. Lo es, en un momento particularmente oscuro, con los traumas que acosaron a Milne durante toda su vida tras sobrevivir a la WWI. Tanto como la relación con su antipática y caprichosa esposa (cero química, por cierto, entre Margot Robbie y Domhnall Gleeson), encantada con la fama adquirida, pero no tanto con su hijo, un Christopher Robin igualmente relamido, al esperar el nacimiento de una niña. E imagino que como gran piloto de una serie biográfica habría funcionado mejor, lo que puede no ser una casualidad, al provenir Curtis de dicho medio. De hecho, ni siquiera concibo un público potencial, porque es demasiado circunspecta para los chavales y demasiado atolondrada para quienes esperásemos una vuelta de tuerca moderadamente ingeniosa.

Intrascendente, sería la palabra.

Saludos.

Rincón del freak #552: Porque es un muchacho excelente 2

 

Tan mala como parece, incluso aún peor. Mala con avaricia, y por mera incapacidad de sus perpetradores, porque WINNIE THE POOH: BLOOD AND HONEY parte de una idea que sobre el papel es muy original. Como ya contamos ayer, Christopher Robin se hace mayor y se marcha del bosque de los Cien Acres, dejando a sus amigos, suponemos, con cierta tristeza. Aquí, en un prólogo animado que no está nada mal, lo que se nos cuenta es que Pooh y Piglet no gestionan bien el asunto, y desarrollan una especie de psicopatía que les llevará a masacrar lo que se les ponga por delante. Con brevedad, BLOOD AND HONEY es un slasher chusco, de la peor calaña; con una realización deficiente, unas decisiones de guion indefendibles y una sensación final de desvergüenza generalizada, como si estuviésemos ante una comedia involuntaria que no sabe que lo es. Cuando me enteré de su loca premisa me negaba a creer que fuese tan chunga, pero no hay duda: estamos ante una de las cosas más infectas de este año. Podría explicarles algo más, pero no merece la pena. Caretas de goma, influencers, selfies, jacuzzis, rednecks ¿ingleses?, chavalas clónicas (no se sabe quién es la protagonista), Robin que está y luego desaparece y luego vuelve a estar. Y lo peor de todo: promesa de secuela...

Hacía tiempo que no veía algo tan horriblemente miserable.

Saludos.

Porque es un muchacho excelente 1

 

CHRISTOPHER ROBIN es una película en verdad curiosa. un intento extrañísimo de integrar el universo de Winnie the Pooh en el mundo real, y no al revés. El tiempo ha pasado, y el niño ha crecido; ya adulto, con una familia y las responsabilidades del trabajo, Robin extraña íntimamente aquel tiempo de juegos y alegría, sabiendo que nunca volverá. Justo hasta que su jefe le obliga a tomar una decisión drástica, y es entonces cuando su pasado le recuerda quién es en realidad. Demasiado bien resuelve Marc Forster (un director al que nunca se le ha discutido el talento) un guion demasiado "despiezado", sin decidirse por la comedia familiar, una un poco más adulta o la reflexión alegórica, que finalmente es lo mejor de su embarullado argumento. Por otro lado, el aspecto técnico es asombroso, teniendo en cuenta que esta animación de última generación viene a "sustituir" a toda una tradición disneyana de inolvidables mixturas con la imagen real. Ewan McGregor está correcto como ese niño grande, repleto de valores, pero incapaz de solventar sus problemas de adulto, pero se echa en falta algo más de complejidad, y las aventuras del "grupo del bosque de los Cien Acres" en pleno Londres, al margen de la virguería visual, parece un episodio más de este entrañable personaje. Y como película extraña que es, me parece más adecuada para un público que provenga de las tiras originales (que por cierto cumplen ya un siglo de vida), y menos para una muchachada menos acostumbrada a ver a un señor dialogando con un osito de peluche que sostiene un globo rojo, mientras el atardecer languidece...

Saludos.

Películas para desengancharse #106

 

1979 es (al menos desde la perspectiva presente) uno de los años más inexplicables de los oscar. Ver a Robert Benton erigirse sobre Coppola podría ser suficiente, pero hubo otras "lindezas" aquel año. De las más incomprensibles, a mi parecer, es que no ganase como mejor actor Peter Sellers, que en BEING THERE da una lección sobre cómo ser histriónico sin apenas mover un músculo, al tiempo que adelantaba un personaje-tipo, luego incontables veces imitado. Su Mr. Chance implica a ese Cándido de Voltaire, maravillado de la artificiosidad del mundo, al tiempo que impregna a los sabelotodos a base de inocente literalidad. El enigma de ese hombre es mantenido hasta la genial escena final, que no desvelaré, y que comienza abandonando la casa en la que ha sido jardinero y de la que no ha salido jamás. Chance no sabe leer ni escribir, y ni siquiera es capaz de procurarse alimento, pero un accidente fortuito lo llevará hasta la imponente mansión de un influyente hombre de negocios, que encuentra en él a un gran y confiable amigo mientras encara la inevitable muerte. Para decir que no les gusta esta alegoría sobre la estupidez, pueden apelar a su dubitativo y extraño tono, que muta de la comedia absurda a la sátira social, prácticamente sondeando un surrealismo que se hace carne con la maravillosa interpretación de Sellers, paradigma de ese hombre tan transparente que no puedes evitar pensar que oculta algo todo el tiempo. Hal Ashby siempre fue un gran incomprendido, en mi opinión un adelantado a su tiempo, como una especie de Kubrick "con alma" (si hasta suena el "Así habló Zaratustra"), y esta película puede considerarse su obra más representativa. Luego la han copiado, sí, incluso abriendo una caja de bombones...

Más que una buena película, una experiencia hipnóticamente conductista.

Saludos.

En los bordes de la viñeta

 

La adaptación de DOOM PATROL a la pequeña pantalla, posiblemente haya sido de las más esperadas de los últimos tiempos, al menos en el ámbito de los aficionados al cómic. Pero lo cierto es que podemos hablar abiertamente, no ya de expectativas cumplidas, sino de haber acercado a un público profano, que en el caso de este supergrupo es casi todo. Creados hace sesenta años por Arnold Drake y Bob Haney, encarnaban a los desheredados, un grupo de héroes que no encajaban en los cánones superheroicos, adoptando sus historias un tono entre melancólico y jocoso. Fue a finales de los ochenta, cuando el genial Grant Morrison revitalizó a unos personajes que transitaban el limbo, otorgándoles una carga metafísica pocas veces vista hasta entonces, y que elevó los comics a la categoría de culto absoluto. Han sido muchos los intentos de llevar a la Patrulla Condenada a imagen real, pero ha tenido que ser HBO la que diese el paso, no sin enormes dificultades, para elaborar una ambiciosa serie que ha llegado a las cuatro temporadas, aunque los últimos seis episodios siguen suspendidos y sin noticia de continuidad. Con fidelidad casi quirúrgica, las aventuras de Negative Man, Robotman, Elasti-girl y Crazy Jane nos llevan hasta un terreno delirante, surreal y tremendamente imaginativo. Liderados por su mentor, Niles Caulder, enfrentarán a culos zombis asesinos, degustadores de barbas, calles con vida propia, robots gigantes, una sociedad dadaísta o al temible Mr. Nobody, que hace honor a su nombre. Hay viajes en el tiempo, fantasmas folladores, personajes de cómic que salen literalmente de las viñetas, amores prehistóricos y muchos tacos y metarreferencias, algunas francamente ingeniosas. Es en conjunto bastante satisfactoria, sobre todo si se han leído los originales, y sólo le achacaría cierta tendencia a la confusión gratuita, dejando muchos cabos sueltos que pueden mosquear a quienes esperen una serie al uso. Ésta, desde luego que no lo es...

Saludos.