Raoul Walsh. Escribir la Historia #34

 

Es público, notorio y aceptado el batacazo de muchos grandes directores al entregarse directamente al panfleto en tiempos de guerra. El más prolífico lo fue en la WWII, donde los grandes estudios trabajaban a toda máquina para un doble empeño: mantener la moral alta de las tropas al tiempo que daba la versión más interesante (e interesada) a un público ávido de hazañas bélicas. El tropezón de Raoul Walsh fue DESPERATE JOURNEY, incomprensible film que seguía a un grupo de soldados, encargados de una misión casi suicida: adentrarse en el mismo corazón de Alemania para bombardear Berlín. Teniendo en cuenta que estamos en manos de un gran narrador como Walsh, podríamos pensar que nos vamos a encontrar un film decente, de género, entretenido y ágil. El chasco llega inmediatamente, pues se adopta un tono cómico, casi bufonesco, caricaturizando el conflicto militar, y por supuesto a unos nazis que salen bastante mal parados. El único que mantiene el tipo es un Errol Flynn en un papel a su medida, a cuyo lado resopla aquella imitación de actor que siempre fue Ronald Reagan. Y les prevengo, en comparación, el delirio de Tarantino y sus "bastardos" me parece hasta henchido de solemnidad. 

Uno de los títulos más prescindibles del Walsh que venía de firmar su etapa más gloriosa.

Saludos.

La aventura elegida

 

En una fantástica analogía (e inesperada), irrumpe DUNGEONS & DRAGONS: HONOR AMONG THIEVES en la taquilla, devolviendo todo el esplendor y encanto de los juegos de rol, además de indicar por qué camino habría de ir en adelante cualquier aventura fantástica que se precie de sus presuntos altos vuelos. Y debo añadir, lo inteligentemente que está imbricada toda la parafernalia de los juegos originales, muy por encima de la entrañable serie de animación, y no hablemos de la horrísona adaptación del año 2000, que espera su propio Domingo. El punto fuerte de este nuevo D&D es el guion, con las dosis justas de fantasía, acción y un humor que roza la ironía "meta" en sus momentos más álgidos. No sobra nada, ni tampoco falta, y sólo imagino alguna incomprensión por parte de quienes nunca hayan sintonizado con este fascinante universo nacido hace medio siglo. Yo, desde luego, no me la esperaba tan satisfactoria, por lo que la recomendación es doble, por lo entretenida que es y por la injusticia que, aunque tarde, podemos dar por reparada. 

Es posible que algún chaval llegue a rozar lo mismo que nosotros con su edad...

Saludos.

Los que vinieron

 

THE WHISPERER IN DARKNESS es un más que loable intento por "capturar" el espíritu y esencia de los relatos de Lovecraft. El resultado, sin ser espectacular, remonta las evidentes carencias presupuestarias, recreando con mimo una producción pretérita, como de serie B de los cuarenta o cincuenta. Y lo cierto es que el film funciona muy bien mientras el relato original se impone, creando una atmósfera malsana acerca de los extraños avistamientos de criaturas en las montañas de Vermont, y la incredulidad de un grupo de científicos. Tras ver unas fotografías, uno de ellos siente curiosidad por desvelar si es realmente un fraude, pero lo que va a encontrarse superará su propia imaginación. 

Se nota que el film adolece de cierto amateurismo, pero es disfrutable incluso para quienes no estén familiarizados con la obra del de Providence, y se le pueden perdonar los rudimentarios efectos especiales (que no creo hechos a posta). Una curiosidad hecha con extremo cariño de fan, que tuvo una pésima distribución (es de 2011), y que merece la pena rescatar como artefacto casi único.

Saludos.

Rincón del freak #550: Razones de usos, costumbres y tiempos

 

Hace poco me topé con la copia restaurada de MACISTE ALL'INFERNO, una macarrada de 1925, en la que se pasaban por el mismo forro la fábula de Dante Alighieri, dando sin embargo uno de los mejores ejemplos del expresionismo italiano. Con una imaginería fastuosa, el director Guido Brignone, que desarrollaría una prolífica carrera hasta 1959, nos presentaba un infierno regentado por Pluto, cuya única diversión consiste en enviar periódicamente a unos demonios con chistera y levita para tocar las narices de la gente de bien. Entre ellos está Maciste, un tipo grandote y bonachón que profesa la horticultura y el fumar en pipa. Así, Maciste es obligado a irse al infierno, pero allí inicia una revolución, además de encandilar a la bella Proserpina. Auténtica bizarrada, es poco menos que descolocante la completa ausencia de sentido temporal, invocando eras y siglos sin orden ni concierto, en un festival de lo que, sin más, es un primigenio ejemplo de cine fantástico. Merece la pena echarle un vistazo por sus soluciones de andar por casa, tanto como por unos insólitos desnudos o la recreación de un infierno tan familiar como exultante.

Saludos.

Transiciones sin territorio

 

Como me suele pasar en este tipo de casos, me pongo a ver LUTHER: THE FALLEN SUN desconociendo absolutamente todo de la serie en la que está basada. Desconozco si esto es mejor o peor, pero sí me da pie a constatar algo que me parece sintomático. Es el tiempo en el que se conciben largometrajes a partir de las series, y no al revés, y esto conlleva una problemática en los tiempos. Este film podría ser un glorioso piloto, pero batalla con la obligación de abrir y cerrar la función, por mucho que el desenlace deje abierta la posibilidad de una continuación. Lo cierto es que el guion de Neil Cross apuesta fuerte, elaborando un ingenioso dispositivo que convierte al protagonista en culpable, y lo mete entre rejas, mientras el "malo" campa a sus anchas. El problema sobreviene por agotamiento, y el film se alarga innecesariamente, abandonando relativamente pronto la suspensión de la incredulidad e ingresando descaradamente en el terreno de los mamporros, más previsible, y por tanto más estándar (recordemos que, al fin y al cabo, estamos en Netflix). En el lado de los aciertos, Idris Elba es un valor seguro, y Andy Serkis compone un villano que funciona mientras se explota su lado retorcido, pero acaba como el resto, que es demasiado cerca del folletín, como lo oyen.

Es entretenida, pero también larga, y a ratos un poco ridícula.

Saludos.

Películas para desengancharse #104

 

Ustedes quizá me puedan resolver el puzzle. Un tipo apuesto, irresistible, pero que en realidad es un despistado paleontólogo, profesión improbable donde las haya. Una chica que le persigue, una loca del coño que diríamos hoy día, pero aunque no pegan ni con cola no van a despegarse ni un segundo. Un leopardo... ¿un leopardo?... Un leopardo. Un brontosaurio. Un perro que entierra el último hueso del brontosaurio. Una tía millonaria que se apellida Random. Y vestidos que se rasgan, caídas por terraplenes, un señor en salto de cama... La piedra angular de la comedia alocada, caótica, imprevisible, se tituló BRINGING UP BABY, y sigue siendo un prodigio de concisión, de dominio de los espacios en base a lo que dicta un guion tan simple que ofende lo maravillosamente bien que está construido. Un apunte: ahora lo sabemos, pero no deja de ser perverso que funcione como un metrónomo una pareja que en la vida real sería la más improbable que podamos imaginar. Todo ocurre a la velocidad del rayo, intercalando rápidos diálogos con la fisicidad del slapstick. Todo está construido en base a lo más complicado, que es el principio de destrucción. La metáfora, brillante, está en la última e inolvidable (todas lo son) escena: dos personas que no han parado de repelerse quedan unidas para siempre, mientras el minucioso trabajo de reconstrucción de un dinosaurio se derrumba...

No puede hacerse igual, apenas copiarse.

Obra maestra absoluta e intemporal...

Saludos.

El cura en la Vespa

 

Debe ser signo de estos tiempos, ineludible además. Que una película sin problemas de ritmo ni exceso de ambición, por el insistente martilleo de las multinacionales, acabe pareciéndose más bonita de lo que es a sí misma, y por tanto patinando en un final que dejaré en ridículo. THE POPE'S EXORCIST es Marvel antes que la riada iniciada por Friedkin, y no desbarra más por el despliegue de Russell Crowe, absolutamente estupendo en la piel de un exorcista que existió en la vida real, pero que nadie vería como este paladín de modos más bien heterodoxos. A un ateo debería gustarle, aunque sólo sea como un simple entretenimiento, con el riesgo de ir hacia el placer culpable. Curioso, pero no. La primera hora tiene su nosequé, de serie B con posibles, de terror con algo de tibia comedia, como no tomándose muy en serio. Además, el Papa es Franco Nero, Crowe se pega lingotazos de whisky antes de entrar en faena; y suena The Cult, y Faith no More... Hasta ahí no está tan mal, pero los directivos lo son, entre otras cosas, por lo de la traca final, echar el resto en lo pirotécnico, cuando seguramente no hacía falta. 

Se puede ver una tarde de esas muy aburridas, casi asténicas. Poco más.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #33

 

El guion de John Huston (adaptando la novela de W.R. Burnett) vuela a toda velocidad en una historia seca, concisa, pero al mismo tiempo repleta de matices, para hacer de HIGH SIERRA una rotunda obra maestra de un cine negro sorprendentemente adelantada a su tiempo. Es la historia de un hombre que acaba de salir de la cárcel con una idea fija, dar un último golpe para retirarse. Y es Bogart encarnando a un "malo" que parece de los pocos "buenos". Es ese largo preámbulo, donde todo queda perfectamente planteado y encajado; donde este antihéroe forja su tragedia, mientras va dándose cuenta de que no puede encajar en ninguna parte, y que su destino debe ser fatal o no será. Raoul Walsh dirige con maestría el sueño acabado de antemano, la leyenda estrellada a ras de suelo, la deshumanización en cada acto de generosidad no correspondido, el amor inesperado y casi como última salida desesperada. Tanto como el demoledor desenlace. Una persecución inusualmente larga hacia ninguna parte, un último acto de resistencia, absurdamente hermoso. Es la historia de este hombre, y es una de las mejores películas de su autor (digamos Autor, con mayúsculas). Es una narración tan perfecta que podría ser un melodrama romántico, o costumbrista, o pesimista sin más. Ustedes, igual que yo, siempre la hemos conocido como EL ÚLTIMO REFUGIO, y sigue sin envejecer nada después de más de ochenta años. Vuelvan a ella, báñense de cine...

Obra maestra absoluta.

Saludos.

Tragando saliva

 

Cantaba el gran Kiko Veneno las andanzas del lobo López, de tintes claramente autobiográficos, definiéndolo como un buenazo, enamorado, algo bruto y finalmente abandonado por su amada, quizá viendo en él la cáscara de la bestia, por mucho que ella albergue un alma pura, mientras que plenos bastardos llegan a los corazones envueltos en suntuosos trapos, afeites y colorines del buen vivir de siempre. O cómo ir de la mano del romanticismo en la época menos romántica de todas, tan sólo porque hoy día todo ello está plenamente confundido, invirtiendo los papeles hasta encontrar una deformidad aceptada, seguro que "aceptable". En esta época se ha llegado a implantar el "buen monstruo engañoso", porque sólo es bueno al abanderar modelos sociales inequívocamente conservadores, haciéndonos creer que su cruzada es tan legítima como su aspecto, sólo amenazador al reverberar por sobre dicha lucha, asquerosamente estereotipada. Si les interesa zambullirse en algo más de dos horas de esta bazofia ideológica, serán bienvenidos a TEEN WOLF: THE MOVIE, si no, siempre pueden echarse un cantecito...

Saludos.

Con el aceite requemado

 

Yo a rizar el rizo le llamo cuando se infringen los límites para remachar el desastre, y que se resume en aquella estrambótica aventura que era la Fantastic Factory, ni más ni menos que la productora que se inventó Brian Yuzna a principios del presente siglo para "liberar costes", maquinando una serie de títulos que hoy recordamos con cierto cariño indulgente, cuando la realidad es que producen, en su mayoría, bastante vergüenza ajena. Yuzna se trajo a Lovecraft a España en 2003, y el resultado fue BEYOND RE-ANIMATOR, un estrambótico remake cuya única premisa era copiar todo lo hecho anteriormente, solo que en el espacio único de una penitenciaría. La excusa es el encarcelamiento de Herbert West, que allí se topa con un tiránico alcaide, que en secreto admira su retorcida obra. Sí, Jeffrey Combs es una vez más lo único que salva una función dislocada y sin un gramo de pudor. Tan sólo busquen las escenas en las que aparecen Simón Andreu, Elsa Pataky y Santiago Segura... Han oído bien. Tiene momentos tan bizarros como un pene amputado persiguiendo a una rata, y sólo por cosas así se le puede echar un vistazo para reírse un rato con el estado de la producción terrorífica desde ciertos puntos de vista que hoy nos parecen como poco improbables...

Saludos.

Rincón del freak #549: Fantasmadas. Polisemias

 

Se coge el original de Hideo Nakata, se abaratan costes hasta lo irrisorio, pensando que lo que en aquélla era economía de medios puede hacerse pasar por una serie B aspiracional. El resultado es una baladronada que remachó la irregular carrera de Fruit Chan, a la vez que se valía de nombres como el de Eli Roth o Henry Thomas para enmascarar este chanchulleo casi imposible de encontrar, y que para colmo se titulaba DON'T LOOK UP, en clara alusión a las tramoyas superiores, de donde suponemos que emana una fuerza malignísima, prácticamente un puñado de moscas digitales, del digital de 2009. Encima, el señor tiene la ocurrencia de revisitar lo del ojo en perspectiva inversa, y seguro que lo llamaba "homenaje". 

Es terriblemente mala, menos mal que está descatalogada hasta por lo piratero...

Saludos.

Después de la proeza

 

Después de la proeza suele quedar poco, casi nada. Apenas la sensación, abrumadora, de que quizá no hacía falta tanto para tan poco. Algo así es CARTER, enésima virguería visual proveniente de Corea, en la que el incomprensible guion queda enterrado bajo una interminable catarata de imágenes impactantes. Pero que muy impactantes. Tanto, que es prácticamente imposible encontrar algo de coherencia bajo este falso plano secuencia; al menos más allá de sus indisimulados "homenajes", obvios de tan gruesos. Queda la desvergüenza, el ya abrazado "johnwickismo" llevado al límite de lo cartoonesco, y poco más. Hay coreografías, saltos, mañas, disparos, tajos, zombis, trenes, viruses, saunas (la mejor secuencia en dos horas y cuarto) y hasta un ingenuo alegato anti-Corea del Norte. 

La puedes poner de fondo mientras hierves el ramen y no pasa nada.

Saludos.

Películas para desengancharse #103

 

La cuestión con LA VITA È BELLA es simple. El problema es que la cuestión es mi cuestión, por mucho que haya intentado convencerme de lo contrario. Lo que pensaba en su momento lo sigo manteniendo hoy día. Más allá de una película, estamos ante la obra de un caradura, un tipo capaz de suspender la realidad en mitad de la misma realidad suspendida. Un ejercicio de funambulismo, un bisturí en manos aceitosas, una mentira tras un guiño. Benigni hace una mentira y la incrusta en otra, y otra más, y así sucesivamente, hasta que la espina dorsal nos pide que nos relajemos, que creamos al bufón, que no interroguemos más a esa sensación de estafa. Nos pide que alabemos la farsa, que llevemos el engaño al límite, que el guiñol predomine sobre (incluso) las notas desafinadas de la comedia que enmascara la tragedia. No había vuelto a verla desde entonces, desde que, indignado, renuncié a rendirme a un trazo tan grueso que desbordaba la página misma. Apenas reconozco que haya cambiado, 25 años después, un mínimo gesto de indulgencia. A lo mejor he aprendido a separar, o a lo mejor es que sé bastantes más cosas ahora que entonces...

Es simple, si buscan emociones directas y simples. Si no, es simplemente la flamenca sobre el televisor...

Saludos.

El plano fantasma

 

Justo dos años antes de la conmoción de THE RING, Hideo Nakata filmó un pequeño film, precursor de aquel otro, en el que ya mostraba su obsesión por el tránsito entre la imagen filmada y un mundo habitado por extraños fantasmas. JOYÛ-REI (LA ACTRIZ FANTASMA) nos situaba en mitad del rodaje de una película, y en las imágenes aparecidas en los rollos una vez revelados (estamos en 1996), que descubren una especie de proyecto cancelado varias décadas antes. El rumor de la muerte de la actriz principal empieza a extenderse poe el plató, al tiempo que el director de fotografía descubre imágenes que simplemente "no debían estar ahí". A años luz de su magistral sucesora, DON'T LOOK UP (como se llamó en Estados Unidos) es, sin embargo, una interesante piedra de toque para indagar en las obsesiones de su director, que prácticamente, más que construir una filmografía panteísta, ha ido puliendo "variaciones"en torno a una idea fundamental, quizá la naturaleza fantasmal e inexplicable de la luz atrapada en el celuloide. O así era antes, claro...

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #32

 

Más allá de parecer un film mediano, situado entre absolutas obras maestras, THE STRAWBERRY BLONDE es una película magníficamente contada, con la maestría de un narrador que sitúa cada plano y cada diálogo en el sitio justo. Podría ser una comedia romántica, con algo de enredos, pero también es la historia de un tipo demasiado sencillo (estupendo, James Cagney), pero con aspiraciones perpetuas de mejora. De cómo cae deslumbrado por esa sofisticada pelirroja (Rita Hayworth), que terminará casándose con el inefable trepa local, tan despreciable como artero, aunque el destino le deparará a una enfermera de ideas libertarias (Olivia de Havilland), que contra todo pronóstico será el amor de su vida. Por el camino, encuentros y desencuentros, promesas que son mentira y honestidades inquebrantables. Él se convertirá en un modesto dentista, y seguramente añorará aquel extraño día en el que pudo al fin bailar con "la pelirroja", pero también aprenderá que hay que perder mucho para ganar lo que posiblemente sea lo único importante en la vida. Raoul Walsh lo cuenta en un suspiro, sin perder el dinamismo, con ese ritmo único de sus películas... incluso las que no eran obras maestras. Ni les hacía falta.

Saludos.

Dioses pero menos

 

La historia de SHAZAM! FURY OF THE GODS se explica bien rápido. La primera llegaba en el momento justo, básicamente para presentar en sociedad, y en plena fiebre superheroica, a un personaje del que todos nos preguntábamos cómo a nadie se le había ocurrido hincarle el diente. La pregunta era de qué manera volvería a abordarse un universo tan peculiar como el de Shazam & Family... Porque ésta es una película sobre la familia de Billy Batson, ese grupo de simpáticos huérfanos que más tarde pasarían a ser "superfamilia". Aquí el problema, porque a veces las franquicias se empeñan en conjugar demasiadas cosas, y muy diferentes. Aquí veremos a un enfadado grupo de diosas que quieren recuperar un poderoso objeto perdido antaño. Y también hay dragones, magos, unicornios (atención al detalle apropiacionista) y hasta Gal Gadot en glorioso cameo. La cosa es que me parece más embarullada que entretenida, que los personajes oscilan entre lo cargante y lo intrascendente, y que el sentido del humor ya no es tan ingenioso como cabría esperar. Es, sin más, una peli de superhéroes sin un gramo de oscuridad, con las coordenadas bien aprendidas, aunque desafortunadamente previsibles.

¿Me la esperaba mejor?... Pues no tengo ni la menor idea, porque ya no sé ni sobre qué iba...

Saludos.

Ensalada de refritos

 

En 1990, fue el propio Brian Yuzna quien retomó las riendas del relato de Lovecraft, con el elocuente título BRIDE OF RE-ANIMATOR, cuyo nombre no deja lugar a dudas, aunque la cosa va mucho más allá. Está claro el componente frankenstiniano, y todas las pistas van construyendo un "homenaje" al clásico de James Whale, con todas las reservas que esto conlleva por el carácter apropiacionista de Yuzna. La cosa no va tan mal hasta más o menos la mitad de la función, una destartalada comedia de terror que volvía a reunir a Jeffrey Combs y Bruce Abbott, e incluso devolvía al "descabezado" doctor Hill. Al final, como es previsible, empieza la lluvia de alusiones, comenzando cómo no por Romero, y siguiendo por otro film de Whale, FREAKS, en un remate simplemente descontrolado, y que sólo podría satisfacer a fans irredentos y con pocas exigencias. Este camino no daba para mucho más, pero ya sabemos que Yuzna es un tipo obstinado, lo que nos llevaría hasta un capítulo de lo más estrambótico, aunque es algo que contaremos en otra ocasión, no vaya a ser que nos dejemos llevar por una emoción que tampoco es que logre entender del todo...

Saludos.

Rincón del freak #548: El reverso del anticlímax como ejemplo de nulidad

 

ANTROPOPHAGOUS... GOMIA... SAVAGE ISLAND... TERROR EN EL MAR EGEO... Con esa pila de nombres conocemos una película cuyo mito es directamente proporcional a su infame calidad fílmica. Dirigida por el inefable Joe D'Amato, aunque fue concebida junto a George Eastman, otro que tal, su encadenado de horrores se limita a disponer de más de una hora en la que no ocurre prácticamente nada, excepto ver a gente andando, yendo en barco o hablando banalidades. He hablado abundantemente del anticlímax, de la dificultad de mantener la atención del espectador haciéndole prometer algo que no llega... hasta que llega. Aquí no llega, o mejor dicho, llega ya al final y no es casi nada de lo prometido. No entiendo esa fama de película maldita, censurada, cuando lo truculento son un par de máscaras de goma y unas cuantas tripas diseminadas por ahí; nada que no hayamos visto antes, ni después, y mejor estructurado. Me quedo si acaso con la comedia involuntaria, con una señora embarazada en tacones, con un malo que no se sabe qué hace ni por qué, por ir a buscar medicamentos en plena noche armado con un cuchillo, por los diálogos de parvulario. No, no es lo que el excéntrico cartel promocional anuncia, aunque la escena de marras salga ¡faltando dos minutos para el final! Es un exploitation de tantos, con poca gracia, y que además nos desvela por qué nadie conoce a Tisa Farrow, aunque sea hermana de Mia...

Los encuadres les darán dolor de cabeza, la música también.

Saludos.

Economicón

 

De no ser por algunos ramalazos, escasos, de ingenio técnico, se me hace difícil compartir el entusiasmo generalizado que al parecer ha suscitado el estreno de EVIL DEAD RISE, a la que es arduo adjudicarle hasta un lugar reconocible dentro del universo creado, hace ya más de cuatro décadas, por Sam Raimi. Menos escalofriante que el remake de Fede Álvarez, sí que se alía con dicho film al prescindir del elemento cómico, con el que Raimi selló la imposibilidad de una traslación, y menos en una época tan refractaria a la mixtura de géneros. Bastante fácil de definir, el film es un festín sangriento, repleto de mutilaciones y transformaciones físicas, correctas en lo técnico pero con la inventiva justa y necesaria. Todo lo hemos visto ya porque todo estaba presente desde el principio, y la metáfora de la familia que es apenas salvada por su miembro más ajeno y desarraigado es de un trazo grueso que sólo me parece justificado por tratarse de un cineasta tan desconocido como Lee Cronin, cuyo guion es simplemente reverencial con cada reojo a Raimi, por mucho que hablar aquí de "economía de medios" parezca un chiste privado. Estoy seguro de que los grandes fans se ven representados, mientras que los profanos habrán disfrutado de un film de terror solvente y con la firme intención de mantener abierta una franquicia que yo creo agotada.

Ni mala ni buena, sino todo lo contrario.

Saludos.

Películas para desengancharse #102

 

Rara avis, aunque generadora de infinidad de referencias posteriores, THE PRINCESS BRIDE se eleva fácilmente sobre la categoría de mera película, enarbolando orgullosamente un culto que le pertenece por derecho propio. Ya el libro de William Goldman es francamente bueno, pero lo que él mismo hace en el guion es una mezcla inaudita de géneros, transitando desde la comedia absurda al romanticismo exacerbado, las historias de espadachines o de piratas. Incomprendida en el momento de su estreno, ahora es objeto de análisis que le den sentido a esta fórmula perfecta, tan encantadora como divertida, tan desprejuiciada como romántica. Pocas veces se ha logrado reunir un elenco tan bien ensamblado, inesperadamente podríamos afirmar. La princesa Buttercup, en la que no concebimos a nadie que no sea Robin Wright, o ese papel perfecto (el único de su errática carrera) para Cary Elwes como el enamorado Westley; la otra pareja, inolvidable, un gran Mandy Patinkin como Íñigo Montoya buscando vengar a su padre, junto a André el gigante, al que quieres abrazar cada vez que sale en pantalla. Perfectos también los secundarios, encabezados por Chris Sarandon componiendo un malvado deliciosamente de opereta, junto a Christopher Guest, Wallace Shawn, Peter Cook (véanlo en versión original) o Peter Falk narrándole a su reticente nieto una historia que luego se le torna tan irresistible como a quienes la hemos visto, primero como niños, volviendo a esa infancia años más tarde.

Y para rematar, una inolvidable partitura a cargo de Mark Knopfler y Willy DeVille, ni más ni menos...

No conozco a nadie que no le guste, a lo sumo que ya no le otorgue ese aura de mito infalible, pero es indudable que llegó un día sin que supiéramos de dónde había salido, pero sobre todo por qué ya no se hacen películas así...

Maravillosa.

Saludos. 

Las manos del crimen

 

Agradable sorpresa la de BOSTON STRANGLER, nueva versión del clásico dirigido por Richard Fleischer en 1968, y de la que obtiene su hermetismo narrativo, que la convierte en un thriller frío y desasosegante. La gran diferencia radica en el protagonismo femenino, dos inusitadas reporteras espléndidamente interpretadas por Keira Knightley y Carrie Coon, que no sólo ilustran la dificultad para moverse en un mundo de hombres, sino también la elocuencia de ambas, intentando ir un paso por delante en un caso que se va tornando cada vez más extraño y complejo. Es aquí donde brilla el estupendo guion firmado por el propio Ruskin, que se alía con obras maestras como ZODIAC, en lugar de guarecerse en una burda revisión del original, ofreciendo una respuesta final tan ingeniosa como descorazonadora, y que desgraciadamente sigue tan vigente en nuestros días, demostrando que poco o nada ha cambiado en estos sesenta años.

Requiere paciencia e implicación, pero el esfuerzo merece la pena.

Saludos.

Raoul Walsh. Escribir la Historia #31

 

No sé si mezclar a Edward G. Robinson, Marlene Dietrich y una compañía reparadora de averías eléctricas es una buena idea, pero en esencia es el tronco sobre el que se sustentaba MANPOWER, nueva incursión de Raoul Walsh en el terreno de las pasiones desatadas en mitad de un entorno laboral de riesgo. En realidad parece una excusa para confrontar a Robinson y el siempre solvente George Raft, que son buenos compañeros hasta que se cruza ella, hija de un veterano de la compañía, y que acaba de salir de la cárcel por su mala cabeza. El film es bastante entretenido, pero necesita de un ejercicio de abstracción importante, primero para enclavar un puñado de escenas que bien podrían provenir del cine negro, pero que se topan con el marco "social" del guion firmado por Richard Macaulay y Jerry Wald, que le dan la apariencia de dos historias filmadas en paralelo. No es un título memorable, pero sí solvente, y Dietrich se esfuerza por ser una femme fatale más mundana que de costumbre, y a la que llegaremos a ver incluso preparando huevos fritos, después de guardarse un par de billetes en la liga mientras trabaja como señorita de compañía. 

Se puede ver, si se es indulgente con los cables eléctricos... 

Aquí se tituló con un elocuente ALTA TENSIÓN.

Saludos.

El agujero en ningún sitio

 

CANDY LAND es un interesante intento por volver al grindhouse más desprejuiciado y libérrimo, a través del día a día de un grupo de trabajadoras sexuales, enclavadas en una especie de estación de paso en una solitaria y montañosa región en Montana. Todo el preámbulo, y pese a las evidentes carencias presupuestarias, consigue atrapar ese cine rugoso e imperfecto, donde se puede palpar la dureza de este grupo, que se cuida mutuamente ante el desarraigo común. El problema sobreviene por la necesidad de introducir el elemento terrorífico, desembocando en un slasher de manual, demasiado previsible, y que difumina el retrato de personajes, como si de repente Swab ya no supiera qué más hacer con ellos, excepto abandonarlos a merced de los tópicos. Podría (y debería) haber sido más atrevida, porque no es común toparse con títulos que desafíen abiertamente el modo de rodar normativo. Desgraciadamente, John Swab nos ofrece sólo apuntes, porque incluso la imperfección necesita ser pulida.

Saludos.

Mundo glandular

 

La idea era que FROM BEYOND fuese la continuación perfecta a una posible franquicia, sobre todo tras el éxito de su predecesora. La realidad desveló el oportunismo de Yuzna y compañía, que pese a demostrar la pasión por el retorcido ideario lovecraftiano no es más que una especie de "aprovechamiento de lo ya existente". Aun así, RE-SONATOR (como fue conocida también en España) sigue siendo apreciable como la artesanía que es, un film de terror más clásico de lo que parece, y menos exótico también. Rodada a toda prisa, aún rescataba la parte principal del elenco, con Jeffrey Combs y Barbara Crampton al frente, pero con bastante menos sentido del humor que su predecesora y unos efectos especiales más predecibles. El gran problema, sin embargo, reside en un ritmo irregular para un film verdaderamente corto, como si todo se tratara de incluir descartes o reciclar ideas. Por todo ello se puede afirmar que ha quedado algo anticuada, aunque para grandes nostálgicos sigue siendo una pieza apreciable y, cómo no, complementaria. 

Lo mejor, la Crampton vestida de cuero y esquivando glándulas pineales.

Lo peor, la falta de cohesión entre sus partes.

Saludos.