Ni un pájaro ni un avión #9

 

Poco, muy poco que destacar de esta renovada SUPERGIRL, que vuelve a regodearse en los mismos y sobados patrones en los que el cine de superhéroes sigue cayendo una y otra vez, demostrando que la veta del "entretenimiento de calidad" está agotada, a menos que se la impulse con conceptos menos encorsetados. Es un producto (en el más amplio sentido de la palabra), que tampoco aprovecha el interesante giro de Gunn, quedándose en un aburrido compendio de postales estéticas, humor de segundas nupcias y efectos especiales (digitales) que ya no sorprenden a nadie. Ni siquiera los quince minutitos de Jasoon Momoa como Lobo (el único Lobo posible) logran que nos impliquemos en su supuesto gamberrismo, que yo no veo por ninguna parte. El malo está desaprovechado, porque Matthias Schoenaerts es un actor brutal, y aquí queda a merced de su propia caricatura. Y por decir algo positivo, la elección de Milly Alcock me parece acertada, pero tampoco la dejan ahondar en la incorrección política con la que comienza. Ah, y lo de los soles... uf. 

Es entretenida sólo si asumes que es una tontería olvidable.

Saludos.

Él baila solo

 

Una de las cosas más contraproducentes que pueden señalar el resultado final de una película, y sobre todo en las que son dirigidas e interpretadas por un actor, suele ser la permeabilidad con la que muestran obsesiones personales, que no tardan en ser meros tics, culminando en una enorme dificultad para hacer avanzar la narración. Es lo que ocurre en ASSASSINATION TANGO, donde podemos asistir a una de las peores interpretaciones de Robert Duvall, quizá porque se dirigió a sí mismo, y para colmo fue el autor del guion. Como si diese un poco de vergüenza hacer una película enteramente dedicada a lo que le interesa, que es el tango, Duvall se saca de la manga una estrambótica historia, en la que un asesino a sueldo es contratado para acabar con la vida de un antiguo general de la dictadura argentina, con multitud de muertos a sus espaldas. Ya de por sí es complicado dar verosimilitud a una línea argumental tan demencial, pero lo peor es cuando Duvall decide estirar el chicle hasta las dos horas, con la peregrina excusa de que el general tiene un accidente de caballo y no regresa en fecha a Argentina, por lo que el sicario aprovecha para ir a clubs de tango y aprender a bailar como un profesional. Y como el Pisuerga pasa por allí, qué mejor que encajar a su propia esposa, Luciana Pedraza, que es muy guapa y baila bastante bien, pero como actriza deja mucho que desear. Una de esas rarezas que me guardo muy mucho de recomendar, y que me parece que yerra por completo tanto el tono como la forma.

Saludos.

El inceldio

 

Me propongo desde ya como experto creador de palabras que se creen muy ingeniosas, cuando no son más que chorradas del tecleo a toda velocidad (también miento, escribo con dos dedos). El caso es que no me he podido resistir tras tragarme las más de dos horas de THE LOST BUS, el último exordio de "ese tío tan esagerao" que es Paul Greengrass. Y lo es porque para contar lo que quiere contar, que es, ni más ni menos, que las mujeres muy bien y muy tal, pero que cállate un rato bonita, que esto está que arde y mis cojones morenos son lo único capaz de salir del peor incendio de la historia de California con un autobús escolar lleno de niños. Y rescato: la jefa, una cabrona acomplejada, que trata al pobre McConaughey como una mierda y no le da turnos extra con los que poder pagar (atención) las medicinas de su pobre madre, el tratamiento del cáncer de su perro (por cierto, al chucho no se le ve el pelo desde el principio, y no es un juego de palabras), y la manutención a la bitch de su mujer, que le recuerda que no echa cuenta de su hijo, mientras ella saca boletos de vacaciones con su nuevo churri y el pobre Matthew ha de conducir a través de las llamas. Por si fuera poco, los chavales, a los que recoge de emergencia, tiene una profe (America Ferrera) muy señoritinga, recta y propia, que no pierde la compostura ni oliendo a chamusquina, pero en lo peor de la catástrofe no le queda otra que confesarle a nuestro pacientísimo superconductor que no es más que una pringada que no ha salido en su puta vida de la misma población, cuando él (en el giro incelorgásmico) tuvo que volverse de Reno para cuidar a su padre moribundo, aunque siempre lo despreció. Y bueno, hay un incendio, claro, muy gordo y muy bien filmado, porque Greengrass es el mejor "recreando documentales", que es filmar una ficción como si fuera verdadera... Pero eso ya lo hacía Jean Rouch, y mejor.

Es para pasar dos horas con el cerebro en stand by, como todo buen incel, sí señor...

Saludos.

Repúblicas y democráticas

ENIGMA, de 1982, era uno de tantos thrillers de espionaje, que aprovechando el trasfondo de la Guerra Fría y el Telón de Acero, aspiraba a elaborar un entretenimiento medianamente inteligente, ingenioso, o lo que sea. Y aquí se consigue a medias, aunque el esforzado trabajo del francés Jeannot Szwarc no logre superar un montaje desastroso, fruto del incomprensible batiburrillo de productoras de diversos países que, cada una a su modo, quiso hacer "su película". Szwarc, fallecido el año pasado, y que desarrolló casi toda su carrera en Norteamérica, la comenzó junto a Rod Serling, y entre las curiosidades de su filmografía encontramos que fue el artífice, por ejemplo, de TIBURÓN 2 y, ahora que está de vuelta, SUPERGIRL. La trama, que gana en la descripción, nos habla de un espía (Martín Sheen) que es enviado a la R.D.A para robar un potente dispositivo informático soviético, a fin de poder descifrar quiénes son los cinco disidentes a los que la K.G.B. planea eliminar en distintos puntos del planeta. Sheen parece con el piloto automático todo el film, en lo que creo un error flagrante de casting, mientras que lo poco rescatable corre a cargo de un estupendo Sam Neill, que borda un personaje sumamente complejo, un jefe soviético en absoluto plano, y que deja entrever que quizá no sea tan sólo un engranaje del férreo sistema comunista, mostrándose especialmente anguloso tras ser engañado por el enlace de Sheen, interpretado por Brigitte Fossey. Un film, ya digo, justamente olvidado, pero que da la sensación de poder haber sido bastante mejor.

Saludos.

El síndrome de Akira

 

Mi amigo el otro día: ¿Qué series has visto últimamente? Yo: Me aburren las series. Y mi problema es que de primeras me intereso mucho, como si mi metabolismo espectatorial fuese a cambiar, y tras dos o tres episodios el tedio comienza a hacer su implacable trabajo. En un podcast (pueden apostar): ARCANE: LEAGUE OF LEGENDS es la puta mejor serie de toda la jodida historia del puñetero universo. Yo: habrá que verla. Yo, a los dos o tres episodios: Muy bien hecha, vaya curro, qué animación, es otro nivel, blablabla... ¿Qué coño estoy viendo? ¿De qué va esto? ¿Quiénes son estos personajes? Y sobre todo: ¿Por qué carajo tiene que ser todo tan mesiánico? "La fuerza absoluta para dominar el universo" "El arma definitiva" "La omnisciencia de... de algo". A esta serie le pasa lo mismo que a AKIRA, pero con mucho más delito. En aquélla, era imposible resumir un manga de cientos y cientos de páginas (para colmo, aún no terminado por entonces) en una película de un par de horas; pero aquí estamos ante una serie (no muy larga, cierto; unos veinte capítulos), a la que no le basta para desarrollar un libreto inteligible, quizá porque viene de un videojuego, pero quién soy yo para pensar que el guion de un videojuego es tendente a la infantilización. No sé, puede que lo mejor sea quedarse con el aspecto gráfico y descartar lo demás. Ahí sí es disfrutable.

Siempre caigo.

Saludos.

La ida

 

A veces lo más profundo se recoge en el gesto mínimo, la quietud de un espacio único donde todo cabe, donde cada pequeña, leve mirada transmite el significado que tantas veces nos es huidizo. Este milagro ocurre en ALUMBRAMIENTO, el segundo cortometraje que el director Eduardo Chapero-Jackson incluyó en la recomendable trilogía titulada "A contraluz". En apenas quince minutos, damos el corto paseo que acompaña a un matrimonio (Manolo Solo y Cristina Plazas, soberbios), cuando reciben la esperada llamada, porque la madre de él (Mariví Bilbao sobrecogedora) está agonizando tras una devastadora enfermedad. Nada nos es explicado, casi no hay diálogos; los personajes susurran, se miran (esas miradas), superados por esa mujer que clama por los juguetes a su madre entre toses y convulsiones. Sólo les diré que han sido quince minutos de los más emocionantes que he visto en una pantalla, y no soy de lágrima fácil. El plano final, en travelling inverso, si te lo firma Bergman sería antológico.

Brutal.

Saludos.

Rincón del freak #709: Empapuchado en la ensalada de conceptos

 

Un inefable, o varios. Sí, porque de la no menos infausta productora Empire, el torrente de títulos calenturientos es casi inacabable, pero el de hoy es especialmente bizarro. Porque THE PIT AND THE PENDULUM, que en un principio no habría de ser más que un remake del de Corman, termina siendo mucho más que eso. Y qué esperar de la mente de Charles Band y Stuart Gordon, artífices de esta locura en la que Lance Henriksen hace de Torquemada y Jeffrey Combs de su ayudante a la hora de buscar e incinerar brujas en plena Inquisición. Con una producción basada en el cartón piedra, unas actuaciones que oscilan entre Shakespeare y la Troma, y un guion que acepta varias sustancias, a estos tipos lo mismo les da meter diferentes cuentos de Poe, dejando lo del péndulo para un ratito al final. A eso añádanle una banda sonora con la que te tienes que reír por la desvergüenza, porque Richard Band (todo queda en familia) perpetra un mashup diabólico, a base de mezclar sin pudor sus propias "variaciones" sobre el Goldsmith de LA PROFECÍA y... Carmina Burana. Por si fuera poco, los cinco minutos que sale el pobre Oliver Reed vestido de cardenala, lo hace evidenciando su avanzado grado de alcoholismo, con varios lingotazos, cómo no, de Amontillado.

Un desastre, sí, pero más tendente a la comedia involuntaria.

Saludos.

Mucho más que un partido

 

A colación del film de ayer, me vino a la mente otro que usaba el fútbol como hilo conductor, aunque lo de MATCH EN EL INFIERNO no tiene nada que ver con la comedia, y sí con lo peor de nuestra especie. Rodada en 1961, contaba el penoso día a día de un grupo de prisioneros húngaros en un campo de concentración nazi; las escalas de favores, los traidores ascendidos a guardias de sus compatriotas, la desesperación de no saber qué deparará el día siguiente. Hasta que llega una extraña noticia: se avecina el cumpleaños de Hitler, y la idea es honrarlo con un partido de fútbol entre el combinado ario y un grupo de prisioneros, que se encargará de reclutar un antiguo y famoso futbolista. Una vez hecho el equipo, uno de los guardias les desliza que serán ejecutados al finalizar el partido, por lo que empezarán a urdir un plan de fuga. Así contada a grandes rasgos, es difícil plasmar la potencia de esta gran cinta húngara, de una crudeza increíble, y que desemboca en toda la escena del partido, brutal, en la que el simbolismo parece incluso más determinante que la propia historia. Un film que inspiró (por ponernos en situación) la mucho más famosa EVASIÓN O VICTORIA, pero todos sabemos como acabó aquella, y no tiene nada que ver.

Y quédense con esto. En un momento dado, ya en el partido, el árbitro tiene la ocurrencia de pitar un penalty a favor de los húngaros, que finalmente marcan. Inmediatamente, un oficial nazi baja airado y dice que eso no puede ser, que anule la jugada... ¿A que nos suena a algo no muy lejano? Pero no los llames nazis...

Magistral, pero no apta para todas las sensibilidades.

Saludos.

Más que un partido

 

Este extenso homenaje a la figura de Robert Duvall nos ha servido, entre otras muchas cosas, para constatar la versatilidad de un actor que fue capaz de enfrentarse a casi cualquier registro. Lo que pocos alcanzaron a ver fue lo que hizo en A SHOT AT GLORY, donde daba vida nada menos que a un veterano entrenador de fútbol escocés. Como lo oyen. El film narraba las vicisitudes del Kilnockie, un modesto club de segunda división, adquirido por un ambicioso ricachón americano (Michael Keaton), que tras la adquisición de una antigua estrella del Celtic, borracho y pendenciero, empieza a superar fases en la copa, hasta un último y simbólico partido. El problema es que Jackie McQuillan además es el yerno del entrenador, que por su culpa dejó de hablarse con su hija. Entonces, el propietario lanza un órdago: ganar la copa o trasladar al club a Dublín. La película, no nos engañemos, tiene un desarrollo bastante previsible, avanzando al ritmo de los partidos y con un pobre dibujo de personajes. Keaton está de adorno y es incomprensible que desaproveche a otro gigante, Brian Cox, que apenas interviene ya al final. La ambientación rural y la historia de superación podrían haber dado más de sí, pero conserva algo de este tipo de comedias, que ensalzan el orgullo de un pueblo. Y escuchar a un californiano con acento escocés no tiene precio. Ah, y la música de Mark Knopfler, que no podía faltar.

Saludos.

Grogurías de Don Ramón

 

De la Serna miraba a un señor que no se quitaba el casco, quizá porque le daba vergüenza que le viesen viajando por ahí con un niño, y además para matar criminales. Qué educación es esa, diría. La lucidez de las greguerías nunca ha estado en el adoctrinamiento, sino en lo contrario. Iluminar el rincón oscuro, despojar a la verdad de su cáscara solemne. Aguardentar la pena de saberse vulgarcillo y un poco tripón, debajo de tanta armadura brillante. Por eso, Filoni, Favreau, y, como no, Lucas, ya que no se atreven a lavarle la cara como es debido a la franquicia, cuando todos pensábamos que sanguinolearía como cochino en cuaresma, al menos que le den botarate autoinjerencia para devolvernos, a los que no limpiamos el peine, a aquella mejunjada de la primera edad, la más mejor, por pirata y por lo bien que olían los cines a pelucón rosa. Por eso os digo, adláteres enyescados y curviformes, que guardéis las sartenes para otros y volváis al templo de las buganvillas y los bocadillos de cremallera. O lo que es lo mismo: aparcad los prejuicios y disfrutad de THE MANDALORIAN AND GROGU...

Saludos.

La vida elegida

 Se estrenaba hace menos de un mes la adaptación en formato serie de MY BRILLIANT CAREER, el clásico escrito por Miles Franklin en 1901, en el que el protagonismo reposaba en la figura de la joven Sybylla Melvyn, perteneciente a una familia de potentados venidos a menos, en la dura Australia rural; que, a diferencia de otras jóvenes, no alberga el deseo de casarse con un rico heredero, sino abrazar su independencia para convertirse en escritora. La ruina familiar le abre una paradójica oportunidad, al marcharse a la casa de su rica abuela, pero el destino quiere que se cruce en su camino Harry Beecham, con quien solía jugar de niños, y que ahora es un cotizado soltero. Y ese es el argumento, a grandes rasgos, de este drama de época, no tan conocido fuera de Australia, pero que optó a la Palma de Oro, al mejor vestuario en los oscar y descubrió a su joven protagonista, una portentosa Judy Davis, a quien se le unía un Sam Neill no tan protagónico, pero igualmente estupendo como el playboy al que se le cortocircuitan sus artimañas al quedar deslumbrado por la personalidad rebelde e inconformista de Sybylla, una mujer adelantada a su tiempo. Además, fue el debut en la dirección de Gillian Armstrong, que después ha tenido una larga carrera, siempre con una mirada marcadamente femenina y, claro, feminista.

Saludos.

La curiosidad mató al gato

 

¿Aronofsky imitando a Guy Ritchie? Tengamos en cuenta que el británico es un pastiche andante, lo que no hace más que hablar a las claras de la crisis creativa que sufre gran parte de esa "última aristocracia" hollywoodense. Lo que a mí me parece es que quería ir por el lado del Scorsese gamberro (Griffin Dunne...), pero claro, es lo mismo que hace Ritchie. En fin, que CAUGHT STEALING parece hecha con una IA (empiezo a oler chamusquina), y casi hubiese preferido que fuese así, y no tener que estar preguntándome a qué público exactamente va dirigida esta película repleta de chistes sin gracia, giros incongruentes, personajes estúpidos y una premisa argumental que incluye a un tipo que se pone a hablar de béisbol después de que asesinen a su novia, el mismo tipo emborrachándose después de que le den una paliza que le hace perder un riñón, judíos temibles que comen niños crudos pero visitan puntualmente a su mamá, un punki con un gato o policías que se ponen a hablar de béisbol después de ir a la casa de alguien asesinado. Aunque lo peor pueden ser los diez minutos de Bad Bunny... me cago en mis muertos con la broma de este tipo. Un despropósito sideral, un thriller aburrido, mal escrito, peor interpretado, con un sentido del humor patético. En fin, que no me extraña que haya pasado completamente desapercibida y casi nadie la esté reivindicando. 

La palabra es: inaguantable.

Saludos.

Cani's blues

 

Es difícil empatizar con la pareja protagonista de 7 VÍRGENES, porque no lo puso fácil Alberto Rodríguez en la que fue el disparadero de su carrera, allá por 2005. En las 48 horas que tiene Tano (Juan José Ballesta) de permiso del reformatorio, para acudir a la boda de su hermano, y siempre con su colega Richi (Jesús Carroza), le da tiempo a robarle la cartera a un paisano, romper un escaparate, tomar prestado un televisor y meterse en una reyerta, en la que no lo pillan de milagro. Nos queda muy claro que Rodríguez tenía en mente sus "400 golpes", filmados fundamentalmente en el Polígono de San Pablo y alrededores, para hacernos estallar en la cara una bomba de realidad que, en verdad os digo, es bastante más jodida que en esta película más efectista que efectiva, que no está nada mal, porque es concisa y directa en lo que cuenta, pero lleva el desenlace telegrafiado en la frente desde el principio. Eso sí, Rodríguez dejaba señas de su imponente dominio de los estallidos controlados, pero se echaba de menos un desarrollo mayor de algunos secundarios, entre los que estaba, aunque casi testimonialmente, Manolo Solo.

Muy buena en lo que es buena, e inocentona en lo demás.

Saludos.

Rincón del freak #708: El sueño de la recepcionista

 

No tantas veces como debería, subyugo estos espacios dominicales a verdaderas rarezas, cine experimental, absolutamente fuera de los circuitos comerciales, que suponen la quintaesencia de la extrañeza de la imagen filmada. Mea culpa, pero hoy me acordé de Robina Rose, que falleció no hace mucho, y que supuso una refrescante mirada, femenina y feminista, al anquilosado panorama audiovisual de principios de los ochenta, por mucho que su obra fuese tan corta. Como si fuese una alucinación del mismísimo David Lynch, NIGHTSHIFT narraba (es un decir) el turno de noche de una recepcionista, distribuyendo los puntos de vista objetivos y subjetivos, en clara alusión a ese duermevela en el que casi nada es lo que parece. Rodada en cuatro noches en el famoso Hotel Portobello, en Notting Hill, contaba con la presencia de aquella farándula que poblaba las calles londinenses desde la explosión punk, sobresaliendo la enigmática presencia de Jordan Mooney, inseparable de Vivienne Westwood, que también se dejó caer con seudónimo. Es una ensoñación de mínimo diálogo, imágenes que conforman una especie de universo del subconsciente y la constatación de que los objetos únicos, aunque extraños, poseen el don de la inmanencia.

Saludos.

Ingeniería informática

 

Paradójicamente o no, M3GAN 2.0 trata sobre una inteligencia artificial que se revela contra su propia falta de naturaleza, y que en el proceso de demostrar que no es más que un sistema binario mejorado, se lleva por delante a quien se le ponga por delante. Pocas veces en la historia del cine vamos a encontrar un caso más indiscutible sobre cómo "de qué se habla" aba siendo "lo que se es". La secuela (otra más) que nadie pidió es, como su predecesora, una gilipollez para pasar el rato con la mente en blanco, que lastimosamente desaprovecha cada pequeño momento de lucidez, aquí unos apuntes cómicos que son lo único entretenido en dos horas incomprensibles. El resto son patadas, muñecos espasmódicos y un guion que parece escrito por Marcos de Quinto, ese tipo que necesita sujetar un cubata para no caerse hacia delante...

Y demasiado benevolente soy.

Saludos.

No es por el dinero

 

No guardaba ningún recuerdo formal de A CIVIL ACTION, más que el de una típica peli de juicios americana, con largos parlamentos, picos de emoción y todos los planos sobadísimos de este tipo de historias, que debe haber seguro un manual escrito en alguna parte. Lo que no recordaba, desde luego, era el terrible subtexto que aflora si se sabe leer entre líneas. Lo digo porque Steven Zaillian pasa por ser uno de los guionistas más reputados de Hollywood, lo que no tiene por qué estar reñido con cuitas ideológicas y/o morales. Al igual que ocurre en ERIN BROCKOVICH, de la que es clara precursora, el guion de Zaillian nos presenta (en burdo conductismo) a un abogado trepa (John Travolta), al que sólo le interesan los casos lucrativos y fácilmente manipulables, hasta que llega a sus manos la petición de varias familias de un pequeño pueblo, que han perdido hijos por culpa de lo que creen vertidos tóxicos en el agua que consumen. Toda la progresiva conversión sucede por arte de magia, porque cuesta creer que ese bufete de demandas exprés embargue hasta su propio patrimonio para afrontar la demanda a dos poderosas empresas. Y ya al final (aunque no quiero revelar nada), te das cuenta de que es justamente al revés, que cada frase y cada imagen suenan con la misma vocación de santificar los códigos del capitalismo salvaje; porque me creo más a las familias aceptando cantidades inferiores que aleccionando a sus propios abogados con un "sólo queremos una disculpa". Aunque a lo mejor el ingenuo soy yo, quién sabe. Por cierto, lo mejor la interpretación de Robert Duvall, que estuvo nominado al oscar de nuevo ese año, pero reconozco que James Coburn lo merecía.

Saludos.

Justicia reparadora

 

En DAHOMEY, la cineasta Mati Diop se sirve de una voz en off fantasmal, posiblemente de algún guerrero ancestral del legendario reino africano, para narrar algo tan terrenal (y necesario, y justo, y vergonzoso) como el tibio regreso de una veintena de piezas de arte a Benin, su país de origen, de donde fueron saqueadas por los colonizadores (se dice así, ¿no?) franceses hace "nada más" que 130 años. Se sabe que el robo (para ser justos) fue de miles de piezas, por lo que este gesto parece insuficiente a todas luces. La voz es la de una estatua, que resume su cautiverio como "plena oscuridad", y que incluso admite no reconocer ese país al que ahora llega. Por otra parte, se abre una interesante discusión entre los estudiantes de la universidad Abomey-Calavi. Unos aplauden este regreso, otros lo ven claramente ridículo, y los menos adoptan una postura ultracrítica y escéptica, aduciendo que su generación ni siquiera echa de menos lo que sus "orgullosos y satisfechos" reyes vendieron a lo largo de los años, que bien podría ser la dignidad de su propio pueblo. Ganadora del Oso de oro en Berlín, la película aborda la leyenda desde el rigor del presente, o al revés, imponiendo la dura realidad de tantos países africanos, ilustrándolo con el patetismo de unas piezas que parecen enfermas de alzheimer, como tantas personas condenadas a desconocer su pasado y, por tanto, repetirlo.

Magnífica, aunque un poco corta.

Saludos.

Huye

 

A costa de que este blog se convierta en una especie de mausoleo, me veo en la obligación de afrontar estos monográficos. Y éste no me lo esperaba, porque quien murió fue Sam Neill, un actor que nos ha acompañado en multitud de películas, algunas tremendamente populares. Británico de nacimiento, neozelandés de formación, Neill siempre fue ese protagonista discreto, no una superestrella, pero que sabía compaginar roles principales con otros más secundarios. Y su debut en la gran pantalla fue tardía, cuando contaba ya con 29 años, en un título muy olvidado, que sin embargo creo que cobra actualidad en nuestro presente. SLEEPING DOGS presentaba una distopía nada descabellada, en la que el gobierno, incapaz de encontrar soluciones para una terrible crisis económica, opta por represaliar a quienes discuten su mandato, declarando el estado de excepción y enviando al ejército a exterminar a los disidentes. Neill interpretaba a un hombre que se ve extrañamente atrapado por esta situación, puesto que se ha marchado a una solitaria isla en terreno maorí, para olvidar que su mujer le ha dejado por su mejor amigo. Ajeno a las revueltas, cada vez más intensas, es confundido con un líder revolucionario, porque alguien plagó la isla de armamento y radios clandestinas. Sin saber muy bien qué hacer, se ve obligado a fugarse y convertirse, aunque involuntariamente, en ese líder al que empiezan a acudir guerrilleros de todo el país. No está mal del todo, y la premisa argumental es interesante, pero le falla una dirección algo confusa, con la que es complicado seguir todos los bandazos de un guion basado en la novela de Christian K. Stead, "El sueño de Smith", muy popular en su momento en Nueva Zelanda. Un film que, pensándolo bien, podríamos dedicar a todos los lumbreras que dicen que quieren ayudar a Ceuta con una cacería al hombre. Claro, claro...

A destacar, sin duda, la siempre portentosa fotografía de Michael Seresin.

Saludos.

Uno a uno

Sin distribución en España, dos años contemplan ya a SAYARA, penúltimo film de Can Evrenol, que hace unos años nos dejó con un palmo de narices con la pesadillesca BASKIN. Aquí tira por el thriller de venganzas más físico, aunque demostrando que lo suyo es una especie de gore encubierto en cualquier género. Tal y como pasara en aquélla, la trama es desecada hasta lo irrisorio, con personajes poco desarrollados, y fiándolo todo a una tensión creciente, que se desborda en un acto final no apto para sensibles. Cuenta la historia de Sayara, una joven proveniente de Turkmenistán, que se gana la vida como limpiadora en un gimnasio, donde aprovecha para entrenar cuando nadie la ve. Pero Sayara guarda un secreto, al haber sido aleccionada por su padre cuando era niña en artes marciales extremas. Un día, su hermana mayor, amante del dueño del gimnasio, desaparece, y Sayara jura cobrar venganza contra quien se le ponga por delante, sea quien sea. Peleas muy físicas, litros de sangre y mucha mala leche, son los ingredientes de esta película a la que no se le puede pedir nada más allá de lo que ofrece. Si se entra en su juego es arrolladora; si no, exasperante.

Saludos.

La historia que no se cuenta

 

Las diferencias fundamentales entre filmografías (de distintos países, se entiende), se encuentra en los pequeños detalles a la hora de afrontar temas similares. El drama social no cotiza igual para Ken Loach, De Sica, Tavernier o John Ford; las historias son las mismas, los personajes están antes los mismos problemas. El paro, la pobreza, las desigualdades, la incomprensión de un mundo que va demasiado deprisa, que mastica, escupe y observa los guiñapos que ha creado con indiferencia ¿Cómo nos enfrentamos a ello aquí? ¿Cuál es nuestra mirada? Y rizando el rizo ¿Ha existido el drama social andaluz? CARLOS CONTRA EL MUNDO me parece uno de los mejores ejemplos para mostrar esa mezcla de estoicismo, resignación y mala baba que nos es tan cercano, pero que poca gente conoce desde fuera, instalados en el ozú miarma y esas cosas. Lo que hace Chiqui Carabante es expulsar todo lo extraordinario y quedarse con lo que hay antes, lo que no sale en las películas. Carlos es un soñador, pero le dirán que está en las nubes; probablemente le necesitan más a él la miríada de chupópteros aprovechados, que le inoculan esa culpa tan nuestra, la del "algo habrás hecho". Y su historia, como está contada al revés, parece la de un mentiroso compulsivo, que engaña por por no saber ganarse la vida. Pero Carabante, con una atención a los detalles costumbristas de escritor de los buenos, nos advierte de que no todas las vidas son para que las viva todo el mundo, porque algunos entendemos la semántica desde márgenes distintos. Y lo que es mejor, no le vamos diciendo a los demás cómo tienen que ser.

Estremece Julián Villagrán, pero aún más cuando aparece un formidable Manolo Solo.

Sonrisa helada, pero helada.

Saludos.

Rincón del freak #707: Un horror de show

 

A colación del fallecimiento de Tim Curry, me acordé de una cosa muy rara que casi nadie vio, ni antes ni después. SHOCK TREATMENT es la secuela que tampoco nadie pidio de THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, nada menos que seis años después, sin su máxima estrella y con una conexión, que si no fuese por lo musical, ni siquiera me parece tal. La excusa esta vez es llevar a la pareja protagonista (también con otros actores) hasta un delirante plató de televisión, donde, en clave de protoreality, se pondrá a prueba si su amor es verdadero. Lo cierto es que quien se esconde tras el experimento es el gemelo de él (Cliff De Young), que pretende arrebatarle la esposa (Jessica Harper) a su propio hermano. Lo que hacía tan especial a su predecesora se ve aquí forzado y artificioso. Las canciones son peores, las actuaciones también, y hay un clima de confusión continuo, como si todo esto es lo que le sobró a Jim Sharman de la otra. Y no sé si Curry la hubiese levantado, pero sí que se echaba mucho de menos su presencia y su carisma. 

Una rareza sepultada por el tiempo y que poca gente se atreve a reivindicar.

Saludos.

Granjeando simpatías

 

La Tierra al borde de la extinción (otra vez), Hollywood haciendo caja (otra vez), la gente aplaudiendo la pirotecnia (otra vez), la crítica rendida ante la dictadura de las cuotas (otra vez). Tienes que poner de protagonista a un prestigioso científico (o astrónomo, o yo qué sé) y el arquetipo es el siguiente: un tipo joven, musculoso, peinado a la moda, que va al trabajo en bicicleta, que por lo que sea está solo en el mundo y hace clases guays, con bromas guays a niños pequeños, pero un día el gobierno lo reclama porque ha escrito una cosa que cualquiera sabe, así que recrea Neptuno (o Venus) en una caja de madera, mientras hace más bromas en el WalMart junto a un agente gubernamental, resuelve el misterio irresoluble de que una sustancia misteriosa está zampándose al sol y, en tiempo récord, está en una nave rumbo a los confines de la galaxia, la cual aprende a manejar estando solo, y ya se da hasta paseos espaciales, aunque lo más misterioso es cómo ha logrado cortarse el pelo otra vez a la moda. Ah bueno, y conoce a un alienígena, con el que idea un sistema de comunicación cojonudo, y juntos van a ser amiguis y salvar al universo... digo, a la Tierra, aunque al planeta del alien que le den morcilla, si es que he entendido algo en estas dos horas y media de colorines, ruiditos y Ryan Gosling sin perder la guapura ni el payaseo incluso en las situaciones más desfavorables. El problema gordo de PROJECT HAIL MARY no es que todo sea un disparate, eso da igual. El problema es que te lo quieran hacer pasar por un filtro de rigor que lo único que hace es dar risa; porque no está concebido como entretenimiento, sino como una sacada de chorra, que es lo único que saben hacer los americanos con este tipo de productos. Ahora lo llaman "farmear aura", que ya vale la broma...

Y sí, la de ayer era mejor.

Saludos.

El pepinazo

 

Hubo un tiempo en el que a Hollywood se le fue la cabeza con lo del cine de catástrofes. Cierto que este tipo de películas se han hecho desde siempre, con esa querencia por el arrase y la extinción que debe tener su explicación psicológica, me parece a mí, pero fue a finales de los noventa (por aquello del advenimiento del nuevo siglo) que se juntaban en cartelera varios títulos que uno llegaba a confundir por motivos obvios. El que nos ocupa hoy, DEEP IMPACT, se diferenciaba en el tono melodramático, imponiendo los dramas personales a la espectacularidad de unos efectos especiales de los que se agradece el comedimiento. La cosa es simple: se descubre un tremebundo cometa que va a chocar con la Tierra, calculando que será el fin de lo que habite la superficie, por lo que el presidente (Morgan Freeman) dispone un gigantesco refugio subterráneo para un millón de personas, por lo que el resto se las tendrá que aviar como pueda. De todas formas, los americanos no se rinden, y envían una nave espacial al mismísimo cometa, con la intención de colocar varias bombas nucleares y reventar al bastardo estelar. El capitán de la arriesgada misión no era otro que Robert Duvall, algo mayor para estas aventuras, pero que aporta experiencia y temple. Así las cosas, sólo quedaba rellenar el resto del metraje con un trasiego interminable de caras conocidas, actores y actrices de primera línea, encargados de dar profundidad dramática a un guion que parece escrito por un asesor de Trump. Y como en el fondo no soy tan malo, tras revisitarla me parece que ha aguantado decentemente como lo que es, un blockbuster entretenido para que pasemos un par de horas sin devanarnos los sesos más de lo preciso.

Hay quien hasta la reivindica...

Saludos.

La última broma

 

Y otro que se nos fue, Tim Curry, uno de esos actores totales, de fuerte presencia y que siempre fue tremendamente querido por el público. Curry era esencialmente un comediante, especialmente dotado para el musical y de presencia magnética, pero uno de sus papeles más emblemáticos lo obtuvo en la adaptación original que la Warner hizo para televisión de uno de los grandes libros de Stephen King. IT condensaba en tres horas el tocho de King, con la dificultad para abarcar sus muchos recovecos narrativos, un problema que tampoco se ha resuelto en las más de seis horas del reciente díptico. Sea como sea, no está de más el esfuerzo de ponerse ante este telefilm, bien terminado para la época, aunque algunos efectos hayan quedado obsoletos. Es menos truculenta de lo que cabría esperar, pero me parece de justicia apuntar que absolutamente todos los momentos fuertes ya estaban aquí, y que Muschietti ha hecho poco más que "lucrarse" del trabajo ajeno. Además, Curry compone un Pennywise inolvidable, icónico, jocoso y aterrador; uno de esos personajes al que le bastan unas cuantas apariciones para elevar un film normalito a la categoría de clásico.

Le echaremos mucho de menos.

Saludos.

La lucha pacífica

 

Aparcamos, de momento, el extenso y merecido homenaje a Nathalie Baye, con una de sus últimas actuaciones. En LA NUIT DU VERRE D'EAU, interpretaba a una turista francesa que llega junto a su hijo a un tranquilo valle libanés. Es 1958 y todo parece idílico, pero se vive una calma tensa por las noticias provenientes de Beirut y la tensión creciente (vaya) en Palestina. Es una película bélica sin escenas bélicas, y todo ese clima enrarecido nos es narrado indirectamente, en las actitudes machistas perfectamente normalizadas y la creencia de que si no se habla de algo ello no ocurre. A lo que habría que sumar la inevitable tensión entre la comunidad cristiana, la musulmana y la minoría de drusos, que sacan a la luz matrimonios insatisfechos, relaciones adúlteras y la sistemática opresión a la que se ven sometidas las mujeres, "siempre por su bien". Una película correcta, pulcramente filmada y con Baye haciendo una vez más de esa señora que pasaba por ahí pero termina dejando huella.

Saludos.

Cowboys en la ciudad

 

Y vaya por dios, también se ha ido Dolly Parton, una de esas estrellas imposibles de ignorar, de las que, aunque no te gustara mucho su música, todo el mundo sabía que estaba ahí, porque parecía que siempre estuvo ahí. Y algo hizo en el cine, no mucho, pero me he acordado inmediatamente de una película, que si te la cuentan no te la crees. RHINESTONE pretendía hacernos creer que era posible que Parton convirtiera, en tiempo récord, nada menos que a Sylvester Stallone en un cantante de country. En clave de comedia no siempre tan afortunada, Sly interpreta a un taxista neoyorquino, que por azares muy azarosos se cruza con Parton, una cantante acosada por su baboso jefe, al que reta en descubrir a la próxima gran estrella en la primera persona con la que hable. Lo que no vimos venir es a Stallone haciendo el idiota vestido de lentejuelas, y explotando esa vertiente cómica que siempre ha creído poseer, y que proviene de esa expresión mezcla de cansancio, desvalimiento y desidia mental. Es una película que vi mucho de niño porque la cinta pululaba por casa, y si entonces entendía poco, ahora aún menos. El caso es que no me parece tan horripilante como la pintan, tan sólo una comedia normalita, disparatada (Bob Clark venía de filmar PORKY'S), y que básicamente explotaba el carisma y éxito de dos superestrellas, aunque tenían menos química que una herboristería. Una rareza que sólo tenía sentido en los ochenta, pero que nos sirve para recordar a una gran cantante.

Saludos.

Lo bueno no dura

 

Ha sido un placer volver a encontrarme con ASTRONAUTAS, película muy especial para mí, aunque haya tenido que ser siguiendo este itinerario marcado por Manolo Solo, aquí de nuevo secundario en un film plagado de rostros muy conocidos. Entonces yo tenía casi 30, mucho cine, mucha música, poco de todo lo demás, y ver a Nancho Novo recorriendo mi ciudad daba como placercillo del bueno, que siempre se juntan la ortografía de las imágenes con la cartografía de lo que enseña. Santi Amodeo, mi paisano, se tomaba su tiempo para desplegar las alas de esta historia que nunca quiere ser oscura, aunque todo lo que cuenta lo es, como la vida misma. Daniel, artista maldito y sin éxito, gallego en Sevilla, heroinómano desintoxicándose al fin con dos pastores muy cabrones, llega a su casa y empieza a tirar los muros, pintar, reformar su casa y su vida. Pero en la escalera aparece Laura con 15 casi 16, que dice que es la hermana de su vecino, pero Daniel casi no recuerda a su vecino. Y ahí se fragua una relación imposible, que cualquiera tildaría de antinatural, pero que se va formando, ya digo, desde el interior, a medida que van cayendo las paredes, como cantaba Paul Weller. Y no es una película perfecta, ni lo pretende, sino uno de esos cuadros torcidos que nos gustan mucho aunque decoren mal, o no.

Más bonita de lo que recordaba.

Saludos.

Rincón del freak #706: ¿Y ahora qué viene?

 

En maravilloso e improvisado paralelismo, surge una intrigante cuestión: ¿Y ahora qué? Lo digo porque desconozco cuál es el movimiento musical imperante actualmente; y con ello me refiero a las generaciones más inmediatas, ahora mismo. Seguro que se trata de que no soy más que un lerdo, viejo por añadidura, que además he usado atuendos hipernormativos ¿pero alguien lo sabe? De igual modo, un "viejo rockero", perdido ante las brujerías de lo digital, se hizo cargo el año pasado del remake que nadie había pedido y mucho menos esperaba. Este WITCHBOARD, de todas formas, se parece a la original como un huevo a una castaña, y lo que sí me ha parecido vislumbrar, entre unas imágenes que asustan de tan genéricas, es el descarado intento de iniciar otra requetefranquicia, muy en la línea de lindezas como DESTINO FINAL o SCREAM. Esto es: guion de hojas gastadas, con actores jóvenes, guapos y desconocidos y efectos digitales decentes, pero no abusivos. Como comer en un Burger King y pensar que has ahorrado alguna cosa. Da igual, porque en año y medio no ha logrado distribuidor, y terminará deambulando por algún flix cualquiera, que ahora los pobres piden en la puerta de las hamburgueserías, y no en las iglesias.

Chuck Russell, quién te ha visto y quién te ve. Hit Parade, pero mal título para despedirse...

Saludos.

Doble o nada

 

Es curioso cómo dos películas que tratan sobre dos gemelas siamesas puedan parecerse en el fondo tan poco. Lo cierto es que SISTERS es el primer film, por así decirlo, "definitorio" en la extensa filmografía de Brian de Palma. Aquí están ya todas las obsesiones posteriores del director; la pantalla partida en dos, el suspense recreado a partir del montaje, las interpretaciones grotescas, la iconoclastia deudora de sus dos expresiones supremas: Hitchcock y el giallo. El film es un festín donde rastrear a Argento, Fulci o Bava, aunque los homenajes continuos e indisimulados son hacia el maestro británico. LA VENTANA INDISCRETA, RECUERDA, PSICOSIS, LA SOGA y muy especialmente, VÉRTIGO, conforman un film de verdad enfermizo, con unos apuntes de comicidad retorcida, ya desde su maravilloso arranque, donde de Palma literalmente "viraliza" la narración en la metaficción de un descollante concurso televisivo. La primera parte, notablemente superior a la segunda, es un prodigio de dominio de los recursos visuales, y la narración en paralelo acrecenta la sensación de agobio, al hacer partícipe al espectador del punto de vista del asesino y la improvisada testigo que observa el asesinato desde su apartamento. La segunda parte es más explicativa con el asunto de las siamesas, en un tono más onírico, que llega a recordar al Tod Browning de FREAKS. Una joya semiolvidada de uno de los grandes creadores de imágenes de los últimos cincuenta años, que además contaba, por si fuera poco, con una partitura a cargo de otro maestro, que no podía ser otro más que Bernard Herrmann.

Saludos.

El encanto del charlatán convencido

 

Y como parece que vamos de alguna manera encadenados, de nuevo un actor dirigiéndose a sí mismo, y no uno cualquiera. THE APOSTLE era el tercer largo dirigido por Robert Duvall, pero el primero realmente relevante. Un excesivo, irregular y esquivo retrato, incómodo y políticamente incorrecto, sobre un tipo embaucador, un predicador tremebundo, que un día descubre que su mujer (con razón) está hasta el moño de él y le pone los cuernos con otro más joven, lo que resuelve cogiendo el bate de su propio hijo en pleno partido y partirle la cabeza al susodicho. Tras tan edificante suceso, se larga a Louisiana para no ser pescado, y allí erige otra iglesia donde llevar a quienes con un libro no colman ni calman sus pesares y angustias, porque sólo "hay uno", ya saben. El problema (problemón) de este film, además de sus alargadas dos horas y pico, es que nos vemos obligados a empatizar con un personaje que nos es presentado como bueno dentro de sus imperfecciones, pero en la vida real es un hujo de puta con todas las letras, y además insoportable. Aun así, es una película decentemente dirigida, con cierta vocación de hiperrealismo, algo de sentimentalismo y algún momento extrañamente divertido. Y en el centro de todo, Duvall. Duvall desatado, explayado, excesivo y extenuante, que estuvo nominado para el oscar en el 97 y que en mi opinión estaba por encima de Nicholson, pero...

Efectivamente, puede haber algún converso tras verla... pero al ateísmo.

Saludos.

Multiplícate por cero

 

Los que llevan tiempo leyendo por aquí saben que no me tomo ninguna película a la ligera. El solo hecho de levantar un proyecto, darle forma, con todas las dificultades que conlleva esto del cine, llevar a buen puerto la colaboración entre cientos de personas, dotar de coherencia la abstracción en una pantalla. Todo ello es suficiente como para relativizar muy mucho esa falacia tan extendida del pulgar arriba o abajo. Yo soy más de extraer análisis, que no digo que sean muy sesudos, pero que tengan al menos la vocación de no quedarse en la superficie de lo visto. Ahora bien: SISTERS debe ser una de las peores películas que he visto en mi vida. De hecho, me niego a gastar una sola neurona en esta cosa infecta e inenarrable, que para colmo es el remake de uno de los primeros films de Brian DePalma. Sin anestesia. En serio, no la toquen ni con un puntero láser...

Espantosa.

Saludos.

Amarguras

 

Menuda papeleta escogió el actor Nicolas Maury para dirigir su primera película, y además reservarse el papel principal, del que apenas asoma su determinante consciencia en los minutos finales, cómo no, los mejores. Y es que GARÇON CHIFFON orbita exclusivamente alrededor de Jérémie, un tipo ególatra, infantil, obsesivo, maniático y celoso hasta los límites de lo tolerable. Un cuarentón encerrado en una mente de doce años, que corre a los brazos de su madre (Nathalie Baye) tras romper con su novio, al que llega a colocar una cámara espía. Y aunque no lo crean, estamos ante una comedia, muy amarga, condicionada por su inaguantable, indefendible protagonista, que parece aguardar hasta los minutos finales para obtener su catarsis y única redención, de la manera más insospechada, pero también más bonita. Ayer traíamos un musical que no parece querer serlo; hoy, uno que ni siquiera lo es, pero cada fotograma parece clamar por una partitura, algo que nos explique por qué deberíamos quedarnos durante casi dos horas junto a este tipo que parece sacado de una revista barata de cotilleos. Lástima que Maury sólo lo detecte antes de los créditos finales.

Saludos.

Tocar con corazón

 

Si esto es hacerse viejo, maldita sea. De nuevo una desaparición inesperada, la del músico irlandés Glen Hansard, que en 2007 se hizo con el oscar a la mejor canción por el tema central de ONCE, de la que era también protagonista junto a su compañera, Markéta Irglová. 20 años hacía que no veía esta joya, desde su estreno, y ha sido de verdad emocionante volver a encontrarme con Glen tocando en la calle, con esa mezcla de optimismo y ascética concentración; la dulce Markéta, como salida de un film de Griffith, vendiendo flores y tocando el piano. Ésta es más que una historia de amor, porque lo que se va desarrollando es una colaboración, la construcción de algo hermoso entre personas que aman el arte. Puede ser todo lo ñoña que queráis, todo lo ingenua y azucarada, pero hay algo en los detalles pequeños que la hacen irresistible, e irrepetible. La guitarra rota, la tienda de instrumentos, la aspiradora arrastrada por las calles, los colegas que rinden tributo junto a la estatua de Phil Lynott, la reunión en la que sólo se pide cantar algo, las tazas de té, las ojeras, la ropa de segunda mano. Y mirarse, como si esa mirada fuese el estribillo...

Hermosísima película.

Saludos.

Nunca has estado solo

 

Me ha tocado en un lugar especialmente sensible el fallecimiento de Manolo Solo, uno de los últimos grandes ejemplos de "ilustres secundarios" de nuestro cine. Aunque para mí, Manolo siempre ha sido un pedazo de actor, ni secundario, ni primario, ni terciario, sino uno de esos tipos que se movían con inteligencia por la pantalla, que sabía estar sin mucho ruido, pero dejando en cada intervención la impronta de quien había nacido para estar ahí. Recuerdo haberlo conocido brevemente, en el Festival de Sevilla, que no soy yo mucho de importunar a nadie, pero ya me pareció un tipo entrañable, un grande al que incomprensiblemente no le caía ni un "solo" papel protagonista, aunque su carrera ha sido inmensa, como él. Le echaremos mucho de menos, pero lo menos que vamos a hacer en este humilde blog es ponernos cada lunes con su filmografía, importándonos un carajo los minutos que estuviese en pantalla. Y el primero es un corto, que Manolo hizo un puñao gordo de cortos. BAILONGAS, del malagueño Chiqui Carabante, tenía esa impronta de frescura e ingenuidad de aquellos jóvenes realizadores andaluces surgidos a final del milenio. Junto a Solo, Julián Villagrán completaba el exiguo reparto, que presentaba a un tipo que deambula nervioso, hasta que da con otro que toma tranquilo una caña en el mítico Bar Arenal, mientras sostiene en la boca un "cigarrito de menta" (qué viejos somos). En menos de diez minutos la transacción, con términos que parecen en otro idioma "¿tienes bailongas?". En la tradición absurda de Beckett o esperpéntica de Don Ramón María, Carabante enseña un trocito chico de eso tan raro que es ser español. Porque podrían ser dos marcianos en una taberna galáctica, pero sólo eran dos tipos en El Arenal a los que les confunden las aceitunitas con una ensaladilla... Sé de lo que hablo.

Un abrazo p'arriba.

Saludos.

Rincón del freak #705: Reggaeton

 

La madre de todas las infecciones. El mal hecho música. La prostitución del ritmo. Machismo hecho monotonía. La entonación tras el derrame cerebral. Letras escritas por un babuino psicótico. La muerte a hachazos de un reguetonero debería ser celebrada en cada plaza pública, con asiduidad. Hay pocas cosas peores que esa abominación del infierno; pero hoy vamos con una que se le acerca bastante. La cosa se titula WITCHBOARD 3: THE POSSESSION, porque a alguien se le ocurrió que había que hacer una tercera secuela de esta infame saga, que paso a resumirles: un broker inútil se arruina por gilipollas, pero su mujer parece perdonarle cualquier cosa. El casero de su apartamento lo aborda con aviesas intenciones, como enseñarle su colección de caretas africanas, jugar a la ouija y regalarle un anillo para el meñique, pero no piensen que el tipo es gay, sino que se lanza por el balcón. El arruinado se queda con todo aquello, incluso el espíritu del finado, que procede a ocupar el apetitoso cuerpo para tener un hijo diabólico, a saber por qué. Y hasta aquí llegó la convicción de Kevin Tenney de que esto iba en serio, en una infraproducción directa a DVD, con el mismo énfasis perfeccionista que un disco de esa cosa que dicen identificar con música, cuando no es más que un engendro del averno.

Ya tú sabes.

Saludos.

El guionista 3

 

Experiencia intimidante, no apta para aquellos que tomen el cine como el acompañamiento para las palomitas, la última película dirigida por Dudley Nichols adaptaba una de las obras más ambiciosas de Eugene O'Neill, lo que suele ser sinónimo de exigencia sin misericordia hacia el espectador. MOURNING BECOMES ELECTRA adaptaba la Orestíada de Esquilo, trasladándola hasta el Boston post guerracivilista, y más concretamente hasta la imponente casa de un prestigioso juez (Raymond Massey), que vuelve del frente junto a su hijo (Michael Redgrave). Lo que Nichols pone en pantalla es la terrorífica deriva de una familia corroída por una pasión incontrolable, la que sienten la madre (Katina Paxinou) y la hija (Rosalind Russell) por un capitán de barco, a la sazón fruto de la violación de una sirvienta, y que en secreto odia a la infame familia Mannon, planeando usar este jodidísimo triángulo para sembrar la discordia y destruirlos desde dentro. Hasta aquí, podríamos tener ya un melodrama desaforado, pero hablando de Nichols adaptando a O'Neill, la escalada de odios, traiciones y ponzoñas traspasa cada uno de sus tres actos (Homecoming, Hunted y Haunted) hasta conformar un retablo repleto de personajes miserables, abyectos e indefendibles en sus enfermizas relaciones. En pocas ocasiones el cine ha expuesto el amor incestuoso de manera tan preclara, sin necesidad de explicitar unas conductas en las que prevalece, sobre todo, un egoísmo enceguecido por la envidia y los celos más subterráneos. Valga apuntar el pequeño personaje interpretado por un entonces casi desconocido Kirk Douglas, quizá el único punto luminoso del film, cuyas honestas intenciones se ven igualmente socavadas por esta autodestructiva familia. El plano final de las puertas y ventanas de la mansión, cerrándose a cal y canto para siempre, parece la única conclusión posible para esta experiencia que siempre me he resistido a recomendar, por lo controvertido de su visionado.

Y hasta aquí.

Saludos.

Cosas de casa

 

Película inocua, amable, que cree contar cosas tremendas, pero se queda en una tibieza que le sobrevuela todo el metraje. No por lo que cuenta, sino más bien por todo lo que deja fuera de campo, A FAMILY THING tira de todos los tópicos posibles para hacerse un "la ciudad no es para mí", en el que Robert Duvall demuestra que es un gran actor sosteniendo un personaje terrible, aunque no menos lo es el argumento que lo pinta como un paleto racista de Arkansas, que al morir su madre descubre que la verdadera fue una sirvienta negra, con la que su padre (aún más cabrón que él) tuvo "conocimiento carnal". Asimismo, le sueltan que tiene un hermanastro en Chicago, uno negro, para más señas, interpretado por James Earl Jones, al que, cómo no, va a visitar con su camioneta, que no tarda en perder por hacerse el chulo con unos niggas. Total, que esto es como si Abascal descubre que su madre era etarra, aunque no dudo de que le sacaría rédito político, el muy sanguijuela. No sé, porque el film es correcto, sin más, y el dúo protagónico es más que solvente, solo que la función se la roba la "veterana" Irma P. Hall, curiosamente más joven que ambos actores, que son sus sobrinos en esta película que también podría titularse "Homer Simpson meets Steve Urkel. 40 años después"...

Saludos.

Esta saga está quemada

 

EVIL DEAD BURN se abre con una escena inicial brutal, magnífica, donde se recoge el alma del original de Sam Raimi, pero bien adaptado a unos tiempos que exigen nuevas formas. Y ya estaríamos, porque ése parece todo el crédito que Raimi (a la sazón productor) le ha dado al joven realizador francés, que luego se dedica a introducirnos en una espiral de violencia sin sentido, que provoca más bostezos que sustos. De hecho, parece mentira que no se decidiese ir por un tono más jocoso y sardónico, habida cuenta de los dos puntales en los que se apoya. Uno es obvio, el ya tan cansino asunto de los secretos familiares, que afloran tras la muerte de uno de sus miembros, pero tratados con tan poca sutileza que prácticamente se puede adivinar cada próxima línea de diálogo. La otra, apenas de pasada, se integra en la anterior, ya que la protagonista no sólo ha de lidiar con la familia de su marido (brochazo machista incluido), sino con su condición de extranjera (es francesa). Así que tenemos el puchero servido: machismo, xenofobia y familias tóxicas... ¿Pero esto no iba de demonios del inframundo?... Ah, otra cosa. Dejen ya el puto ASMR de los cojones y dedíquense a hacer un trabajo de sonido decente...

Saludos.

Ir para nada

 

Louis es escritor, tiene éxito. Se va a morir, y viaja a la casa familiar, a la que no va desde hace doce años, para dar la noticia, pues quiere seguir siendo "el amo de su destino" hasta el último momento. Lo que encuentra es tristemente lo que esperaba. Una madre que elude las responsabilidades, una hermana menor permanentemente drogada y un hermano mayor despótico y neurótico, que mantiene a su esposa en perpetuo estado de terror. JUSTE LA FIN DU MONDE parte de una obra de Jean-Luc Lagarce, y Xavier Dolan es incapaz de superar el carácter teatral, que se apodera de un film desaprovechado en la inconcreción de lo que cuenta, obligando al espectador a estar hipnotizado en una sucesión de primeros planos que enmascaran el aluvión de gritos e invectivas con los que se colma esta adorable familia. Una lástima, sobre todo por el gran elenco, formado por Vincent Cassel, Nathalie Baye, Léa Seydoux, Marion Cotillard y el tristemente desaparecido Gaspard Ulliel. 

Uno de los innumerables ejemplos de que la hermosura de la destrucción bergmaniana es normalmente inasible.

Saludos.

Amor y obsesión

 

Hace muy pocas fechas dábamos cuenta aquí de una de las últimas sensaciones del cine de horror, que trataba sobre amores llevados al límite. Aquélla era exagerada, una ficción, pero estremece pensar en el hecho real que, a finales de los años 40, se convirtió en un caso criminal terrorífico. THE HONEYMOON KILLERS fue, en 1970, el único film realizado por Leonard Kastle, un director de orquesta, que se obsesionó con la aterradora relación entre Martha Beck y Ray Fernandez, que resultó nada menos que con veinte asesinatos de mujeres y un pequeño con menos de dos años. Ella era una enfermera de aspecto intimidante, que conoció a Ray por una agencia matrimonial, sin saber que él era un estafador profesional, que saltaba de ciudad en ciudad embaucando a solteronas con promesas de matrimonio, para posteriormente desplumarlas y desaparecer. El problema surgió cuando Martha se obsesionó con Ray, convirtiéndose en su cómplice, haciéndose pasar por su hermana. Es entonces que surgieron los celos, las agresiones físicas, hasta que la primera fue seguida de una retahíla incontrolable de muertes. Film de absoluto culto, rodado sin apenas presupuesto, contó con Tony Lo Bianco, habitual en televisión, pero sobre todo a una desconocida Shirley Stoler, que con su arrolladora presencia se adueña de un personaje que supura mala baba por los cuatro costados. Precursora de joyas como HENRY, RETRATO DE UN ASESINO, su tosquedad de medios y crudeza visual la ha dejado como una de esas cintas que los amantes del cine extremo no deben perderse. Y es curioso, porque no hay mucha violencia explícita hasta el tercio final, pero entonces todo salta por los aires, hasta desembocar en uno de esos finales de bordean los límites de la moral misma.

Saludos.

El tiempo y las hojas

 

Las películas demasiado largas siempre tienen el mismo problema: no saber acabarse a tiempo. No es exactamente lo que ocurre en ROMA, el film con el que Adolfo Aristarain se despidió de la dirección en 2004. En esta especie de autorevisitación sentimental, se esconden varias películas, no todas afortunadas; sublimes unas, sonrojantemente autocomplacientes otras. Con una estructura ciertamente extraña, tan anárquica como la ideología que la sobrevuela, empieza pero que muy bien, presentándonos a Joaquín Góñez (Pepe Sacristán dominando los cinco elementos), un escritor huraño y algo perezoso, que llegó a España desde Argentina 37 años antes, a cuya casa-refugio llega Manuel Cueto (Juan Diego Botto), un joven aspirante a periodista, con la misión de "apretar" al viejo escritor para que se dé prisa en entregar el que será su último libro. Ahí el film se desgaja y entra en los recuerdos de Góñez, su niñez en Buenos Aires, las enseñanzas libertarias de un padre que cantaba tangos y se fue demasiado pronto, y sobre todo su madre, Roma (Susú Pecoraro), profesora de piano, que de tanto amor (valga el minipalíndromo) lo sacrificó todo para que él pudiera labrarse un futuro lejos de un país que comenzaba a desmoronarse. Es el único problema que le veo a este gran fresco de despedida, la dificultad para engarzar ambas corrientes narrativas, en un guion en el que estaban Kathy Saavedra y Mario Camus, que deja con ese regusto de las obras grandes pero que aún lo podrían haber sido más. No es una crítica, pues posiblemente Aristarain todavía podría haber rodado un poco más después. Hasta aquí llegó, pero todo continúa...

Saludos.

Rincón del freak #704: Indies contra shoegazers

 

Mi madre compraba unas revistas que incluían patrones para coser. A mí me parecían autopistas fascinantes compuestas de puntos, rayas, letras enigmáticas, números dispuestos al tuntún. Aunque lo que más me animaba a abrir esos cuadernos del demonio (y pintarrajearlos con un jaboncillo gris) era su diabólica disposición de páginas, cual mapa Michelin, imposible de volver a su forma original. Yo leía cualquier cosa entonces, desde los cupones en revistas de cotilleos, cuentos para gente que no sabía leer, o publicaciones de moda para modistas caseras. Eso fue hasta que descubrí a gente con chalecos de lana tres tallas más grandes, con tendencia a mirar como buscando una moneda caída y pinta de oler igual no tan bien como deberían. Frente a ellos, unos arrogantesdesempleados de pescadería, con las manos atrás como un jubilado mirando una obra. Yo hubiese echado a pelear a Kevin Shields con Liam Gallagher, aunque cualquier abuelete casinero le daría una paliza. Y mi madre seguro que les hubiese hecho la ropa a medida, maldita sea.

Bueno, WITCHBOARD 2: THE DEVIL'S DOORWAY. Una película aburrida y sin sentido, que no tiene ninguna conexión con la otra (ni tampoco hace falta), rodada ¡siete años después!, y donde los protagonistas parecen salidos de un video de Take That... Al menos iban mejor vestidos.

Saludos.