Españita desperezándose

 

Ha muerto José Luis García Sánchez, engrosando una lista que ya me parece desbordada. Pero aquí estamos, una vez más, para hacer justicia y, cómo no, alimentar nuestra insaciable cinefilia. García Sánchez siempre me ha parecido un cineasta de la reconciliación, como queriendo pasar página al mismo tiempo que reivindicaba a sus mayores. Esto queda patente en su inclasificable debut en el largo, tras varios cortos y colaboraciones con el gran Martín Patino. EL LOVE FEROZ O CUANDO LOS HIJOS JUEGAN AL AMOR, parece berlanguiana en sus tramos corales, coetánea del Garci de chaqueta de pana cuando se pone seria, pero despendolada hasta lo ridículo en los accesos de comedia a lo Mariano Ozores. Guardada celosamente en un cajón del productor José María González-Sinde, que sabía que no podría estrenarla tal y como estaba rodada, vio la luz a finales de 1975, con la censura aturdida por otros menesteres, lo que no creo que le sentara tan bien como pareciera. Es una comedia generacional, en torno a una familia acomodada, de chalecito en la sierra se comprende, que ven su tranquila vida desbordada por la vida de su hija menor, Adela, que ha despertado al amor (y otras hierbas) con Dioni, de clase trabajadora, pero ideas digamos volubles. Más resolutiva como involuntario retablo de la España que se iba, y que a muchos tanto les costó aceptar, que como comedia romántico-generacional, es de ese cine entablillado, como pudoroso por estar en ese imaginario pero pesado Ecuador que fue la prototransición. Tiene imágenes directamente ridículas, un José Sazatornil desaprovechado, una extrañamente melancólica Concha Velasco, que parece como dirigida por Saura o Erice. Valga la imagen que ilustra esta reseña/dedicatoria, exactamente la última del film, tan inquietante que si te dicen que es de una película de terror no habría disenso.

Saludos.

Acabar

 

Otro de los maravillosos actores que nos ha dejado recientemente ha sido Tom Skerritt, uno de esos rostros que uno ubica en tantísimas producciones, casi siempre en roles secundarios, pero cuyo carisma dotaba de dignidad a la pantalla. Skerritt poseía el porte del "héroe anónimo", a la sombra de las leyendas, pero con esa humanidad que remitía tantas otras leyendas, con créditos no tan grandes, pero igualmente valiosos. Pasan del centenar sus trabajos, y ya hemos dado cuenta aquí de los más recordados, por eso me he venido al que prácticamente fue su epitafio, allá por 2021. EAST OF THE MOUNTAINS pasó desapercibida, directa al fondo de las plataformas, pero no deja de ser un correcto ejemplo de ese cine tan apreciado en Norteamérica, en el que los veteranos se dan un "último baile" antes de partir. En este caso, Skerritt daba vida a un cirujano retirado al que diagnostican un cáncer terminal; en un principio decide acabar con su vida y no ser una carga para su hija (sí, Mira Sorvino aún camina), pero no puede apretar el gatillo, por lo que resuelve marcharse con su perro a las montañas del Este de Washington y enfrentarse a la naturaleza hasta que las fuerzas lo abandonen. Así contado parece tremendista, y en cierto modo lo es, pero el film (basado en un best seller muy best seller) indaga en las motivaciones de ese hombre inescrutable, casi un héroe "Cormaquiano" (de McCarthy), que apenas encuentra la paz alejado de las miserias de la humanidad. Problemas, muchos: que Skerritt estaba demasiado mayor (aunque bueno, ya sabemos que Tito Clint, pues eso), los personajes son dispersos y esquemáticos, y no hay nada aquí del aldabonazo posthumanista de Lynch en UNA HISTORIA VERDADERA. Además ¿se había filmado antes en esa zona geográfica?

Se le echará de menos.

Saludos.

They came-a-lot

 

Primero, perdón por el juego de palabras, que no sé si es más desafortunado que divertido, y por eso lo pongo. Ahora, creo que le viene como anillo al dedo a la absoluta locura que es MERLIN, la miniserie (3 capítulos, 3 horas) que coprodujo NBC, allá por 1998, y que recreaba las aventuras y desmanes del celebérrimo mago, sus orígenes, aprendizajes, amoríos y encontronazos con hechiceras malvadas, hasta terminar siendo el gran ideólogo del Camelot artúrico, y por extensión de la "tabla redonda". Poniéndonos en contexto, el proyecto tiene su aquél, con un ritmo aceptable, siempre y cuando compremos los muchos invents de un guion que va un poco a su bola, y que palidece ante la virguería que Rospo Pallenberg regaló a John Boorman. Por cierto, como curiosidad, bandas sonoras compuestas ambas por Trevor Jones, pero también era mejor aquélla. El punto más bajo está, como es de esperar, en unos efectos especiales... cómo diría... ¡espantosos! Sólo diré que pueden rivalizar con esa joya titulada BIRDEMIC. Pero no todo va a ser terrible, y de hecho el cásting me parece acertado, sobre todo en la elección de Sam Neill como Merlin, que parece como si Fernando Alonso pilotara un Dacia (bueno, bueno...). Junto a él, Miranda Richardson hace lo que puede en un papel doble, el de hechicera malosa y la pura Dama del Lago, con resultados también desiguales. Apariciones de Rutger Hauer, Martin Short, John Gielgud, Helena Bonham Carter, una jovencísima Lena Headey y una Isabella Rossellini demasiado mayor, por lo que quizás deberían haber intercambiado roles, quién sabe.

Típico producto dominical de televisión por cable que ha envejecido regular.

Saludos.

El papel de su vida

 

En 1985, aquel alumno aventajado de la Nouvelle Vague que siempre ha sido André Téchiné (por mucho que nos empeñemos en negarlo), se fijó en una joven actriz que hasta ese momento había tenido un puñadito de papeles residuales. Se llamaba Juliette Binoche, y ya en esta RENDEZ-VOUS daba sobradas muestras de su enorme versatilidad, marcando con inteligencia los tonos que demarcan sus personajes. Binoche interpretaba a una joven actriz de sexta fila, casi extra en mínimos entremeses, que de rebote conoce a Paulot, un empleado inmobiliario que queda prendado de ella tras buscarle un piso para independizarse, aunque en el camino de ambos se cruza Quentin, excéntrico y autodestructivo, antigua gran promesa de los escenarios, pero que deambula por teatros eróticos. Asimismo, el film supuso también el debut como guionista de Olivier Assayas, de cuya sombría escritura se desprende el desencanto que luego sobrevolaría su obra como director. Una película sobre los actores, actuar, en las tablas y en la vida, y donde la tardía intervención del gran Jean-Louis Trintignant, ahora lo sabemos, como el dramaturgo que busca al actor como si buscara a un hijo, entronca fantasmagóricamente con el inolvidable juez que nos regaló Kieslowski en aquel "ROJO" absolutamente inmortal. Vasos comunicantes, siempre lo decimos.

Sólida, que no es poco. 

Saludos.

La bola de mierda

 

No me creerían si les paso a detallar el caos de este blog en cuanto a publicaciones, lo que me obliga las más de las veces a no poder compaginar las reseñas con la más "rabiosa actualidad". Por ejemplo, curiosamente y sin que sirva de precedente, estoy aquí en directo, tecleando (también rabiosamente), un 22 de Octubre al filo de la medianoche (la mejor hora para ver y escribir sobre cine), pero esto no va a verse hasta el día 2 de Noviembre, unas tres semanas y pico antes de las elecciones generales, que serán, por cierto, las primeras con derecho a voto de la musa del espacio. Pues bien, en esta esquizofrenia colectiva, resulta que me aparece el señor Pedro Sánchez siendo entrevistado por David Broncano, y todo después de haber visto B, la película que recreaba la declaración que Luis Bárcenas realizó ante la Audiencia Nacional, el 15 de Julio de 2013, y que constató un par de cosas sin importancia. La primera, que todo lo malo que ocurre en la política de este país, y por extensión en todo lo demás, es a consecuencia de la genial idea de no derribar en su momento el régimen del 78, escuela de continuistas y otros cánceres ideológicos, que pensaban mantener un sistema de garantías mínimas sin que se moviera un varal en las instituciones. Esto queda imperativamente reflejado en la extraordinaria interpretación de Pedro Casablanc, que no sólo se mimetiza con el personaje, sino que lo convierte en médium de esa estirpe de chulos intocables, sobrinillos ahora de aquel fascismo de Varón Dandy, que ni siquiera esconden su delito ¿qué delito? Es apenas hora y cuarto en la que se resumen las cinco del interrogatorio, pero suficiente para asistir al nacimiento de un género insólito, "la escatología en diferido" (Cospedal dixit). Eso y el otro recital, a cargo de Manolo Solo como ese juez Ruz, entre lo atónito y lo impotente, tragándose una bola negra, pero que muy negra. Lo vimos todos, e interpretarlo ya es tomarnos por idiotas, pero...

Hay capítulos de Guinea Pig con mejor olor.

Saludos.

Rincón del freak #715: Échale cinco duros

 

Ni para un viejales de las máquinas recreativas, una cosa como ARCADE funciona; ni como lagrimilla nostálgica, ni como ejercicio de ingenuidad perpleja. Esto es un truño de los que habitualmente pergeñaba Charles Band, que le daba poco menos del presupuesto para echar una partida a Albert Pyun, otro majarón, y que éste aceptaba sin rechistar, llegando a acortar los plazos (se estima un tiempo de rodaje de seis días). Lo gracioso de todo esto es encontrarse nada menos que con un pipiolo David S. Goyer en el guion. Sí, el mismo que le escribió los Batman a Nolan. Yo les propongo un ejercicio sano y didáctico, aunque deben haber hecho algo de escritura creativa. Miren esta abominación y lo del Caballero Oscuro el mismo día, y díganme si el núcleo o motor narrativo no es exactamente el mismo. Y otra cosa ¿Por qué TRON deja a esta patochada como una antigualla, estando hecha 11 años antes?...

Infecta.

Saludos.

Antikea

 

Bienvenido a la república independiente de tu casa. Con esa mierda de frase, nos bombardeaban los suecos, hace años, con lo único que tenían a mano: muebles horriblemente feos y no tan baratos como cabría pensar. Siguiendo la misma lógica comercial, en Netflix parecen decididos a lanzar el marco de "se está en casa mejor que en ningún sitio". Y esto aunque sea a costa de meternos por las narices el enésimo "rape & revenge: nature fucks humanity", en el que la falta de sentido (y sensibilidad) implica una trama basada en una familia que no puede salir de casa porque la lluvia la ha sellado desde fuera... No me invento nada, es así. THE LAST HOUSE es un DIY plantando tomates donde antes había parquet, tocando el piano para amenizar las tardes y cazando animales en plan Equipo A por la chimenea porque... porque sí. Sólo dos cosas a destacar de este bodrio: el peregrino apunte de que Cthulhu en realidad sea un perroflauta ecologista y defensor de la Agenda 2030, o sufrir con dos excelentes actores, Wagner Moura y Greta Lee, más perdidos que un pulpo en un garaje, nunca mejor dicho.

Una basura.

Saludos.

Exiliantes

 

Desconozco la impresión que pudiese causar, en su momento, BEHOLD A PALE HORSE en el público norteamericano. La historia de un maquis catalán (al menos la novela de Emeric Pressburger está inspirada en Francesc Sabaté "El Quico"), que lleva veinte años exiliado en Pau, sin ganas de cruzar la frontera, donde le espera un capitán de la Guardia Civil, que se la tiene jurada desde entonces. Ni la llegada del hijo de su mejor amigo, pidiéndole venganza por el asesinato de su padre, consigue inmutarle, hasta que recibe la noticia de que su anciana madre agoniza, y empieza a pensar en volver clandestinamente. Sea por lo chocante de ver a Gregory Peck holgazaneando en el exilio ataviado como David Uclés, pimplando chatos de vino con morcón, o irnos a la España del 59 para encontrarnos con Anthony Quinn enfundándose un tricornio y rejoneando toritos, mientras Omar Sharif hace de... ¿cura traidor al régimen?... Sí, todo muy surrealista, pero lo más extraño es la estructura de esta película, verbigracia del sincopado guion de J.P. Miller, del que se adueña Fred Zinnemann, de alguna manera emulando(se) en su gran obra maestra, SOLO ANTE EL PELIGRO. En ambas, el héroe no es tal, se resiste a serlo, deambulando, consciente de su debilidad ¿Una película americana sobre la Guerra Incivil con ínfulas de Antonioni?... No creo que tanto, pero es única en su especie.

Saludos.

Vampiros a la fuerza

 

Había oído hablar de que Jemain Clement y Taika Waititi habían impulsado la adaptación de WHAT WE DO IN THE SHADOWS en formato serie, pero sólo me llegó fehacientemente a principios de este año, así que decidí ponerme con ella, primeramente abrumado por sus seis temporadas, pero animado por la corta duración de los capítulos y el gran acierto de su reparto, cuyo carisma se te queda impregnado tiempo después de su finalización. No ofrece cambios sustanciales al film original, excepto un protagonismo muy repartido, sin que haya un solo "gran papel". El improbable grupo lo componen Kayvan Novak, Nandor "el implacable", una especie de Drácula enclavado (nunca mejor dicho) en la época medieval; Matt Berry, Laszlo, un vampiro británico aparentemente hierático, pero con un hambre sexual inagotable... e incatalogable; Natasia Demetriou, su esposa Nadja, proveniente de una isla más o menos por Chipre (no aparece en los mapas), que es escéptica y provocadora, y le gustaría regentar un cabaret; Mark Proksch, Colin Robinson (el gran hallazgo de la serie), un vampiro emocional, que chupa la energía de cualquier incauto que se atreva a escuchar sus insoportables soliloquios acerca de la bolsa vietnamita o la inconveniencia de los rodapiés en un castillo medieval. A todos los cuida Guillermo (Harvey Guillén), un ingenuo y bondadoso joven al servicio de Nandor, que sueña con que éste lo convierta en vampiro de una puñetera vez, aunque guarda un secreto que ni él mismo conoce: por sus venas corre sangre Van Helsing. La verdad, merece la pena ponerse con estos vampiros que un día decidieron compartir casa en Staten Island, porque ya sabemos cómo está el tema del alquiler, sin preocuparse de su cometido inicial, que por lo visto era la dominación de toda América; y ahora que se llevan tan bien con el vecindario va a ser complicado...

Saludos.

Los placeres sobrevenidos

 

RESTORATION es la historia de un tipo con mediano talento, un médico en la corte del rey Carlos II, aficionado a las juergas y el exceso, que un día se ve sirviendo directamente al monarca tras curar a su pobre Spaniel, lo que el otro aprovecha para encasquetarle un matrimonio de conveniencia con una cortesana, a fin de encubrir que realmente se trata de la "real" amante. Tras el jolgorio a ras de suelo, Robert Maribell vive como un verdadero noble, en un palacete rodeado de cuantas mujeres quiera, y sumido en una fiesta sin fin. Pero Meribell, empeñado en llamar a su mala fortuna, comete el único pecado que no le es permitido: enamorarse de la favorita; que para colmo ni le corresponde. Descubierta la afrenta, es nuevamente arrojado al barro, pero diversos avatares le hacen recobrar el seso y abrazar la virtud, culminando así la verdadera "Restauración". Y poco más puede decirse de una película que sólo es entretenida por tres cuestiones: su estupendo reparto, con un joven Robert Downey Jr. dando réplica a un Sam Neill que hubiese requerido mayor profundidad, junto a las apariciones de Hugh Grant, David Thewlis, Meg Ryan o Ian McKellen; la acertada elección de diversas obras de Henry Purcell, en detrimento de la tontería de Newton Howard; y, sobre todo, un diseño de producción deliciosamente barroco, rozando el horror vacui, que me hizo pensar en un solo término: precariedad progresiva.

Se puede ver.

Saludos.

Bombas sobre el escenario

 

En plena WWII, un anacrónico grupo de teatro, especializado en adaptaciones de Shakespeare, mantenía vigentes las funciones; aun con los bombardeos alemanes amenazando con derruir el propio teatro. THE DRESSER adaptaba la obra teatral de Ronald Harwood, teatro dentro del teatro, con la convicción de actuar como metáfora de la destrucción, atravesada por la resistencia de la cultura. Sin embargo, resulta más telúrica la decadencia de Sir, como es conocido el actor principal, una antigua estrella ahogada por la soberbia de un esplendor que ya no existe, mientras el alcohol consume sus pocas fuerzas. Sir es asistido por Norman, dedicado, abnegado hasta la sumisión, la única persona que alberga una mínima esperanza sobre su talento. Y dentro de un metraje que exige paciencia al espectador, concebido como un angustioso subsistir, resistir a la bajada del telón, la recompensa es el descomunal trabajo de Albert Finney, como una especie de bufón que se cree rey, narcisista y amoral, pero sobre todo un inmenso Tom Courtenay, absolutamente brutal, transmitiendo el cansancio del escudero fiel, un Sancho Panza queer, que sin ser actor es capaz de mantener las apariencias en todo momento, las suyas y las ajenas. 

Tal y como cabría suponer, un guion algo repetitivo es aplastado por uno de esos duelos interpretativos que quedan para la historia del séptimo arte.

Saludos.

Mártires del compás

 

Qué curioso el caso de ¿QUIÉN MATÓ A BAMBI?, aquel film que adaptaba el original mexicano (MATANDO CABOS), en el que se mixturaba, con desigual fortuna, el esperpento ibérico, la comedia negra (muy negra) y el thriller espídico vertiente tarantinesca. Empleaduchos del mes, despedidos fulminantes, pizzeros psicóticos, taxistas bizcos, abogados delincuentes, cotorras con mal fario, las expropiaciones de La Palmera y hasta Andrés Iniesta teniendo sexo con un césped. Todo cabe en esta película que parte de una premisa absurda, tanto que debes creértela a pies juntillas para no dimitir en sus primeros diez minutos, donde no estás seguro si esto se ha rodado bajo sustancias ilegales, como las que pueblan su delirante final. Afortunadamente, Santi Amodeo es un tipo acostumbrado a las explosiones controladas, siempre en espacios reconocibles (Sevilla como fantasmagoría ultraclasista), por lo que uno se impregna de su particular receta sin disgusto, porque las he visto iguales con muchísimo menos capacidad de inventiva. Y además, Manolo Solo está absolutamente épico...

Saludos.

Rincón del freak #714: La fotocopiadora asesina

 

Si ustedes han trabajado en una oficina sabrán que la crueldad impuesta de sus organigramas y jerarquías proviene de ignotos tratados, más cercanos a teorías del contraespionaje que del mero ámbito laboral. No deja de resultarme curioso, por tanto, que una de las películas que expone esto sea precisamente una comedia ácidamente satírica. Porque OFFICE SPACE provenía del personalísimo imaginario de Mike Judge, más conocido como el creador de Beavis & Butt-Head, y eso se nota en el tono general, más cercano a un cartoon que a un film convencional. Con simpleza meridiana, asistimos a la mediocre vida de Peter, programador informático, que realiza (estamos en 1999) la tediosa tarea de adaptar el software de un banco para el temido efecto 2000, es constantemente humillado por su no menos mediocre jefe, mientras sueña con mandarlo todo a la mierda y largarse con la chica de sus sueños, que también es explotada en una cafetería. Sin embargo, una sesión de hipnosis revierte su mente, convenciéndolo de hacer únicamente lo que desea, que contraviene sus leoninos horarios y sumisión explícita. Contra todo pronóstico, la auditoría que debía mandarlo a la calle lo asciende por su "mentalidad revolucionaria", mientras sanciona a su jefe. Se trata de una comedia muy a mitad de camino de la amabilidad ochentera y el vitriolo que habría de venir, con la magnífica serie The Office como punta de lanza. Una rareza de la época anterior a los estertores de MTV, pero con algunas (no todas) ideas interesantes, además de contar con un extenso ramillete de caras que cualquier fan reconocerá de inmediato.

Saludos.

Un día cualquiera

 

Bernard aparece por la mañana, con resaca, vestido con la misma ropa que ayer, un Playboy enrollado en el bolsillo, un puñado de flores entre los pliegues del póster central y ningún centavo. Va a recoger a Winnie, con su encantadora sonrisa sin dientes, con los hierros que la dejan caminar bien y un impermeable amarillo. Winnie le llama "tío", pero posiblemente sea su padre. Por eso Bernard va a llevarse a Winnie a la playa, porque mamá tiene que trabajar o algo así. Y aunque llueva, irán a la playa, y sin un centavo le comprará una preciosa concha para oír el mar, y él podrá tomarse una cerveza, o dos, o quizá beber todo el día hasta reventar. Y será un precioso día de playa, aunque llueva. Si lo hubiese descrito Bukowski, Winnie estaría resguardada, sin pasar frío por culpa de un borracho, que cada día se las compone para emborracharse sin gastar nada. El caso es que A DAY AT THE BEACH fue escrita por Roman Polanski, un guion basado en una oscura novela de Heere Heeresma, un oscuro autor holandés, que nadie le tuvo en cuenta hasta 1972, gracias a la intervención de Peter Sellers, que se reservó un pequeño e inquietante papel. La dirección de Simon Hesera, francés de origen judío, mantiene un tono entre lo crudo y lo fantasmagórico, en este tenebroso relato, sin asomo de romanticismo, que podría ser el reverso de LUNA DE PAPEL. Un film tremendamente desconocido, supongo que por lo oscuro de su premisa, un descenso a los infiernos del alcohol que se esfuerza por encontrar cierta hermosura entre bares mugrientos y vasos pringosos; como la sonrisa inocente de una niña que espera escuchando el mar, o las flores aplastadas en medio de una revista porno.

Saludos.

Ganar en el descuento

 

Ha sido largo, pero todo acaba. Hoy, el extensísimo monográfico dedicado a Robert Duvall, que se ha extendido a lo largo de casi siete meses, pero que ha merecido mucho la pena. Y fíjense, porque la analogía también lo merece. Un film donde Duvall, con más de noventa años, aparece apenas unos minutos al principio, interpretando al propietario de los 76ers de Philadelphia, que por desgracia (y por la edad) fallece. Pero vayamos más allá, porque te encuentras con este film de 2022, HUSTLE, donde Adam Sandler es un rastreador de nuevos talentos, que es puteado por el hijo del finado (Ben Foster) para que encuentre "donde sea" a un crack mundial. Y allá que va Sandler a... ¡Mallorca! Y como movido por un azar insospechado, se topa con un chaval de 2'06 que juega apostando en unos contra uno con botas de seguridad. Y este tipo es nada menos que... ¡Juancho Hernangómez!... ¡Y tiene una niña pequeña!... Y Sandler se la juega y se lo lleva a Philadelphia... Y ya no cuento más, porque esto es una producción de Netflix que debería ser un mojón muy gordo... ¡Pero funciona, maldita sea! El rollo a lo ROCKY funciona, y Adam Sandler (lo digo completamente en serio) está magnífico haciendo de perdedor al que sólo le queda la dignidad. Y terminas la película diciendo "Me lo he pasado cojonudo". Bueno, a lo mejor también es porque a mí el baloncesto me encanta, y aquí hay un carrusel de apariciones estelares de los que acojona; del Dr. J (cómo no) a Nowitzki, Iverson o Doc Rivers... ¡Y Hernangómez no está para matarlo, aunque el bueno es su hermano, Willy!... Bueno, calma. Que esto ha sido todo, y por eso tenemos la obligación de seguir. 

Véanla y me dicen.

Saludos.

Grandes malentendidos por pasarse de circunspectos

 

Una de las constantes en el régimen comunista soviético fue esa tendencia a suprimir la alegría, el sarcasmo, la ironía como gran tabla de salvación de la patética raza humana, cuyas deficiencias sociales no resisten un análisis severo de mínimos. Que los padres de Isaac Asimov salieran por patas muy poco después de instaurado dicho régimen, no creo que hable en favor de que éste, posteriormente en sus obras, fuese a glorificar los bigotes de Stalin o los muerdos de Brézhnev, sino que incluyó una crítica fortísima a dicho comunismo en cada línea dedicada a los peligros de la inteligencia artificial o las sociedades transespaciales. Esto es sorprendentemente notorio en la adaptación que la televisión soviética hizo de EL FIN DE LA ETERNIDAD, una de sus obras menos reconocidas, aunque creo que es de las más brillantes. La historia nos lleva hasta un futuro indeterminado, tanto que debemos abstraernos hasta "comprender" cómo funcionaría una sociedad/institución/fundación fuera de lo que conocemos como "tiempo". Así, para preservar el privilegio de surcar la existencia por y para siempre, esta especie de "fábrica temporal" consta de aprendices, observadores, ejecutores y programadores; toda una jerarquía destinada a "lo inamovible", con rígidas leyes físicas y hasta metafísicas. Después de tantas "comillas", está claro que lo que aquí rige es una de mis pasiones, el doble sentido, perfectamente asimilado tras la visualización de este telefilm, que no es que sea ningún desastre, pero se acuna en maternales y entrañables brazos al asumir que Asimov hablaba de las bondades de un régimen que en 1987 daba su últimos coletazos. O eso, o Andrei Yermash (mientras rezaba a Tarkovski) la coló por toda la escuadra, que también puede ser.

Saludos.

La enfermedad de las imágenes

 

En algún momento, uno decide ver UNTIL THE END OF THE WORLD. No la que vimos en 1991, que ya era larga, sino la versión que logró sacar adelante Wim Wenders hace una década, que viene a rozar las cinco horas, y que además no dota de mayor sentido al montaje original, sino que ejerce una especie de fragmentación, incluso de "serialización", ahora que el término está de moda. De hecho, he visto como tres películas incrustadas en esta megahistoria de desmesurada ambición, con desigual resultado. Todo el primer tercio, magnífico, es una invocación al Godard más juguetón, como poseído por los laberintos informativos de Rivette; un antithriller, que igual recuerda a BLADE RUNNER que a TOTAL RECALL, en la que los personajes (y aquí casi todos son protagonistas) se buscan por todo el mundo, y luego huyen tras encontrarse, en una ceremonia de la incomunicación y el deseo permanente por evitar la soledad. Unos ladrones que chocan contra una mujer que vuelva a casa tras querer dejar a su pareja; un tipo con varias familias, ninguna suya, que es seguido por un detective; una pareja en el último confín de la civilización, que han inventado una máquina para que ella, ciega, pueda ver los sueños. Todo eso cabe en una road movie que abarca los cinco continentes, llegando a filmar Wenders en catorce países, como si nos quisiera advertir de que da igual lo lejos que vayamos, porque el desplazamiento es relativo. Y claro, mención aparte para el fantástico reparto, con Sam Neill, William Hurt, Solveig Dommartin, Jeanne Moreau, Max von Sydow o aquel extraordinario alter ego de Yasujiro Ozu, que era Chishu Ryu.

¿Es buena? es buena ¿Es larga? es muy larga ¿Por qué verla entonces? porque demuestra que hay un cine, no normativo, que está extinto; porque ahora todas las películas están filmadas igual, y ninguna se parece a ésta.

Saludos.

El poder y la clase

 

Las películas que son muy grandes, a menudo lo son por elegir el camino menos críptico, hacerse entender ante el espectador. Esto no significa que sean simples o esquemáticas, tan sólo que poseen la cualidad de adoptar una narrativa clara ante argumentos sumamente complejos. Uno de los casos más exponenciales siempre me ha parecido el de 5 FINGERS, el milimétrico thriller de espionaje construido por Joseph L. Mankiewicz, adaptando el libro de un espía real, Ludwig Carl Moyzisch, que fue agregado nazi en la Turquía neutral, donde enemigos se daban la mano por los intereses espurios de una diplomacia hostigada por la guerra. Aunque el protagonismo era enteramente para Ulysses Diello (maravilloso James Mason, en una de sus mejores interpretaciones), un simple vallet, que urdió un plan para hacerse con información de su amo, perteneciente a la diplomacia británica, y vendérsela a los nazis, por simple y puro lucro, marcharse a Río de Janeiro y vivir la gran vida. Con pulcritud metronómica, Mankiewicz construye todo un juego de espías en el que nada es lo que parece, todos tratan de engañarse y sobresale la compostura de ese abnegado sirviente, convencido de que su decisión es moralmente correcta, abandonando su postura sumisa sólo ante una condesa polaca arruinada y varada en Ankara (Magnífica Danielle Darrieux). Una delicia de película, con una tensión en sordina, que va creciendo hasta un final de los que quedan indelebles en la memoria cinéfila, a lo que contribuyen los bellísimos exteriores, que la Foxlogró rodar en la propia Turquía y una excelente banda sonora nada menos que de Bernard Herrmann.

Magistral. Una de las mejores películas de espionaje de todos los tiempos.

Saludos.

Algo se muere...

 

Con la precisión de un reloj, los hermanos Esteban Alenda (SIN FIN) registraban una desgracia irreversible, pero que no es tal. O sí, dependiendo de qué es lo que se nos cuenta. Ese reloj ha de llegar a un punto en el que las manecillas ya no avanzan, porque lo que muere no sigue. En MATAR A UN NIÑO, la inconfundible voz de Manolo Solo nos guía hacia la fatalidad con tranquilidad escalofriante. "Un niño va a morir", se nos recalca insistentemente, y quizá sea verdad. Pero también es verdad que es Domingo, papá hace un crucigrama en la cocina, mamá prepara el café y a lo mejor, cuando papá se tome el café y termine el crucigrama, lo llevará a pescar. A lo mejor.

Son nueve minutos que merecen mucho la pena.

Saludos.

Rincón del freak #713: Agárrame esos irlandeses

 

Se me hace raro traer un Domingo a uno de mis directores favoritos, pero de todo hay en la viña del Señor. Y siendo justos, creo que casi nadie se acuerda de HIGH SPIRITS, donde Neil Jordan demostraba un par de cosas: que puede dar dignidad a cualquier desastre y que la comedia no es lo suyo. Cierto que el director irlandés coqueteaba con la posibilidad de lanzarse al mercado americano, pero no creo que este film, una coproducción, tenga esa categoría. Pero era 1988, BITELCHUS acababa de romper las taquillas de medio mundo y alguien pensó que una comedia de terror ¿por qué no? Además, fíjense en qué elenco. Daryl Hannah, Peter O'Toole, Steve Guttenberg, Beverly D'Angelo, Jennifer Tilly o Liam Neeson, por poner un ejemplo. Lo que falla aquí es otra cosa, un guion confuso para lo simple que es, en el que el desesperado dueño de un castillo irlandés, acuciado por las deudas, resuelve convertirlo en un "tour del terror", aduciendo que allí hay fantasmas reales, y recibiendo a sus primeros visitantes, un grupo de turistas americanos. Todo parece hibridado entre la Ealing y Abbott & Costello, primando la comedia física sobre los diálogos ingeniosos, lo que tiene gracia al principio, pero termina cansando por acumulación. No es ninguna bazofia, porque los mimbres están ahí, y porque Jordan es un señor que no te hace un plano malo; pero las actuaciones están bajo los efectos de algún estimulante artificial, la música de George Fenton es cargante y parece sacada de los Looney Tunes (nada que ver con la que hizo, también para Jordan, en EN COMPAÑÍA DE LOBOS), y lo que mejor funciona son unos efectos especiales bastante resultones para la época. Pero vamos, que ni el propio Jordan la reivindica...

Saludos.

Los Angeles de la guarda

 

Una mujer se marcha a L.A. tras un divorcio traumático. Tras ella, una voz, un poeta, o su conciencia, o un ángel de la guarda, le pregunta, se preocupa por ella ¿Por qué le repugna tocar a la gente? Y en ese caso ¿por qué se va con ese hombre a ver un espectáculo de striptease, y luego a otro de lucha libre? ¿Por qué se deja besar? ¿No decía que buscaba una soledad absoluta? Será ese mar de rostros en los bares, las calles, los hospitales y aeropuertos; gente que está sola sin buscarlo, dañada, que quieren ser curados, divinizados, al menos entendidos de alguna manera, como si esa ciudad del infierno fuese una Babel histriónica e indiferente. En 1959, el director Joseph Strick, quien se atrevería a "ensayar" una adaptación del Ulysses de Joyce (con notables resultados, añado), pidió a Jean Genet la licencia para adaptar su obra "El balcón". Con trazas del cinéma verité, y junto a Ben Maddow y el colaborador de Elia Kazan, Sidney Meyers, la hora de duración de THE SAVAGE EYE parece un padre bastardo del realismo sucio de Bukowski o Carver, hibridado con cierta ensoñación lynchiana. Un documental que parece un drama, o un poema cantado con una voz interior que celebra la diversidad (sí, ya entonces), el dolor femenino o simplemente la tragedia de seguir vivo sin desearlo del todo.

Saludos.

Se vende plantilla

 

Y no me refiero a la de 12 MIGHTY ORPHANS, donde se nos contaba el milagroso ascenso de un equipo de fútbol americano, formado por simples huérfanos, gracias a la colaboración entre un entrenador masón y un segundo alcohólico. Y no son los de la foto, porque aquí Robert Duvall hace una aparición testimonial con casi 90 años, pero Martin Sheen sí es ese segundo entrenador al que aludíamos. Les resumo esta auténtica tontería de telefilm de sobremesa con dos datos poco decorosos. Uno, que la plantilla es esa que se repite desde hace incontables décadas, en las que los perdedores se hacen ganadores, tan sólo para perder a unos centímetros de la meta y realzar así su condición heroica. Dos, que puedo afirmar y afirmo que Luke Wilson es el único ser humano cuya cabeza en conjunto es más pequeña que su mandíbula... Fijarte en estos detalles es lo que yo llamo elocuencia...

Saludos.

Nos quieren muertos

 

El poder es aquello que rara vez se pronuncia. Le basta con soltar su rizos de poder de vez en cuando, a modo de llamaradas solares, que cuando llegan son letales, destructivas. Se dice que la democracia es definida por hacer recaer la soberanía en el pueblo, con pleno derecho para cambiarla en caso de que no le favorezca. Es, en caso contrario, cuando el poder aparece como un ente autónomo, al margen de las decisiones, necesidades y aspiraciones populares. Las urnas como dibujo de la máscara abstracta del espectáculo del menudeo. Para entendernos: produzcan para las arcas, recojan las migajas y pónganse protección solar. Si no han entendido una palabra, vean PORCILE, donde Pasolini avisaba de la atástrofe totalitarista, justo en la era del flower power. Si os rascáis la cabeza a diario, haciéndoos preguntas irresolubles acerca del porqué de este malestar general, la injusticia en los repartos, la impunidad de los lacayos o la opacidad de los titiriteros, aquí está la respuesta, pero no sé si os va a gustar...

Saludos.

Izar la mayor

 

Siempre me ha parecido Phillip Noyce uno de esos "artesanos talentosos", capaces de insuflar entidad propia a producciones que en otras manos serían funcionales e intrascendentes. Con una larga e intachable carrera a sus espaldas, la consagración le sobrevino al australiano con DEAD CALM, un thriller angustioso y pormomentos expresionista, en el que la improbable pareja formada por Sam Neill y una jovencísima Nicole Kidman han de enfrentar sus demonios personales tras la trágica muerte de su único hijo, sin sospechar que una amenaza aún mayor les llega en la figura de Billy Zane, que aparece de la nada desde un barco que según él se hunde, perturbando la navegación de ambos. Dejando aparte que se trata de un film básicamente de intriga, con un mal rollo que va in crescendo, hay luces y sombras. Las primeras evitan que lo improbable de la trama caiga en el ridículo, sobre todo por la opacidad de ese misterioso personaje, cuáles son sus motivaciones y anhelos. Más discutible es la decisión de escindir la acción, separando a la pareja y dejando a Kidman a merced de los caprichos de Zane, que ensaya un malvado un poco patético, pero al menos no infalible. Es una película que, estoy seguro, hoy día no se haría, con la tendencia actual a explicarlo todo sin que nadie lo pida. Ha quedado como una de esas curiosidades no "plegadas" a la industria americana, lo que la hace disfrutable en su imperfección y convicciones.

Y sí, la Kidman parece una persona distinta, es lo que tiene.

Saludos.

Cine que "enseña"

 

Me he quedado descolocado, a cuadros, como se suele decir, con EL LLANTO, ópera prima del director vallisoletano Pedro Martín-Calero, que venía avalada por su éxito en San Sebastián (mejor dirección) y la nominación en los Goya a mejor dirección novel, en 2024 ¿Por qué? se preguntarán. Película española, de género (terror); una coproducción (con Argentina y Francia) que obliga a cumplir ciertas cuotas; y por último, el socorrido desfile de rostros "de actualidad", que dan caché pero no peso. Si la vemos como lo que es, EL LLANTO es carne de plataformas, con todos y cada uno de los elementos del dichoso clickbait correspondiente en el inabarcable marasmo de ofertas. Pero ocurre algo extraño aquí, casi paranormal: el desastre de su estructura (episódica de la manera más burda) le juega a favor en un momento dado, justo cuando los vergonzosos primeros 45 minutos, protagonizados por Ester Expósito chateando con su churri, mientras vemos el texto ocupando la pantalla (tierra trágame), son sajados de sopetón, y la misma trama se traslada a Argentina, pero 25 años antes, en 1998. No sé si sería por el cambio de equipo técnico, pero pareciera que estamos ante otro film, con otra estética, incluso mejor narrado, pasando del cuento de maldiciones simplón a un reto más sofisticado. Aquí, una joven estudiante de cine, que se cree mejor de lo que es, se dedica a obtener imágenes de manera vagamente ilícita, hasta que cae prendada de una chica a la que graba, de origen francés. Entonces, el sentido pasa a lo casual, ingresando en terrenos que trascienden el terror y van a la fascinación por la imagen robada, ensayando a luminarias como KAIRO o BLOW UP; con reservas, sí, pero al menos con algo más de intención artística. Dura poco, y es una pena, pero ese "fallo de sistema" puede indicarle a este cineasta que a veces el valor no está en lo que "se enseña".

Saludos.

Miserabilismo S.A.

 

Una vez más, el tiempo en pantalla de Manolo Solo es pequeñísimo, ínfimo; una anécdota en las robustas, oceánicas dos horas y media de ese mamotreto intragable que fue, es y será BIUTIFUL. Curiosamente, lo único salvable, porque ahí, muy al principio, el personaje interpretado por Javier Bardem es informado de que tiene cáncer, uno muy agresivo e inoperable. Bueno, puedes hacer muchas cosas con todo el tiempo restante (el de la película, no soy tan frívolo), desde un drama lacrimógeno a un alegato social, básicamente porque le has echado el tiempo encima a tu protagonista absoluto, lo has sentenciado. Y me limito a narrar: Uxbal es un tipo que tiene la custodia de sus dos hijos, porque su mujer está chalada; su dedicación es sacarle dinero a los chinos para financiar a los negros que venden en la calle, previo unto a la policía correspondiente. Ah, y en los ratos libres va a velatorios, porque Uxbal habla con los muertos... Y todo filmado como si hubiese que revolcarse en la mugre, porque esta mugre es digna, queda impuesta desde la altura moral (atención) de una enfermedad terminal.

Tus huevos gordos, Iñárritu. 

Saludos.

Rincón del freak #712: El problema de los franquiciados

 

El granjero Vincent y su hermana, Ida, regentan el Motel Hello, cuya letra final tiende a fundirse frecuentemente, formando una frase enigmática. Son campechanos, simpáticos, hospitalarios, y son famosos en todo el estado por sus suculentas carnes ahumadas, que ellos mismos preparan en base a una receta secreta celosamente guardada. Lo que nadie sabe es la procedencia de esa carne. Esa es la trama de MOTEL HELL, un poco a mitad de camino de la comedia bufa y el terror más bestia; un título que ha quedado un poco el el olvido, pero que podría ser de culto perfectamente. Comenzando por su pareja protagonista, unos estupendos Rory Calhoun y Nancy Parsons, que dan vida a esos inquietantes hermanos, a los que todo el pueblo quiere, pero que entre cerdo y cerdo, bien podría haber algún turista perdido. Tiene evidentes problemas de ritmo, pero el tono de comedia de terror funciona, y contiene un par de escenas de categoría: el demoníaco huerto, a mitad de camino de AMANECE QUE NO ES POCO y EL CIEMPIÉS HUMANO (ahí lo dejo), y el final, con una mítica lucha de motosierras, deudora de LA MATANZA DE TEXAS. 

Para una tarde perezosa de domingo viene que ni pintada.

Saludos.

Crónica del espadón 1

 

Reconozco que esta versión de MASTERS OF THE UNIVERSE nos ha pillado a todos con el pie cambiado. No sólo por llegar cuarenta años después, que se dice pronto, sino también por aumentar (y sobre todo) corregir aquélla, que no pasaba de ser una serie B simpaticota pero incapaz de elaborar un universo propio. Y esto es fundamental, porque estos personajes, recordémoslo, He-Man, Skeletor, Man-At-Arms, Teela, Evil-Lyn y compañía, no eran más que muñequitos con los que Mattel, en vista de su desbordamiento de ventas, coronó con una serie animada y la susodicha película. Pero el trasfondo, el "argumento", no es que fuera endeble, es que insultaba a los propios niños, que bastante teníamos con chocar las figuras sin advertir lo que Travis Knight y su cohorte de guionistas no se cortan un pelo en mostrarnos sin tapujos: los MOTU abrazaban la estética, y aún más la ética, de una homoerótica que cualquiera puede rastrear tanto en la "espada y brujería" como en el cómic de superhéroes. Personalmente, creo que le añade un punto festivalero que le calza a las mil maravillas, le quita una solemnidad que no le pega nada y dispersa un sentido del humor maravilloso, porque es una guantá sin manos a una industria cada vez más conservadora y pacata. No es la gran cosa, porque sus dos horas y media son irregulares como el demonio, pero es un gran entretenimiento, que además tiene varias perlas que harán las delicias de los que entonces se nos erizaba el vello (y otras cosas) viendo a ese señor con cuerpazo y peinado de solterona levantar su "enorme espadón" y gritar aquello de ¡Por el poder de Grayskull! ¡Yo tengo el podeeerrrr!...

Maldita sea, me encanta...

Saludos.

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La edad dorada

 

En la vorágine que supuso, allá a principios del milenio, la explosión del formato televisivo, fueron muchas las cadenas/plataformas que optaron por reclutar a grandes nombres en horas bajas, para poner en sus manos proyectos "de fondo de cajón", guiones imposibles para el cine, pero que encontraban un inesperado impulso como lujosos telefilms. Fue el caso de AMC, que cuando más brillaba contó con ese viejo maestro, en mi opinión infravalorado, que es Walter Hill. Con casi nula experiencia televisiva, Hill se encontraba enfrascado en multitud de one day shows, producciones ínfimas en las que su talento quedaba sepultado. Pero en 2006 le llegó BROKEN TRAIL, en la que reverdecería sus laureles de narrador implacable, ultraviolento y con un particular sentido de la moral, para contarnos la historia de Print Ritter, un vaquero a punto de retirarse, que contacta con su sobrino, tras heredar todo el patrimonio de su hermana, y pensando que no sería justo que su madre lo dejara sin un céntimo. Su idea: guiar quinientos caballos desde Oregon hasta Wyoming y cuadruplicar el dinero, que luego se repartirían. Pero un viaje tan largo siempre depara imprevistos, esta vez en forma de cinco jóvenes chinas, que son llevadas para venderlas como prostitutas, de las que Ritter sencillamente no podrá pasar de largo. Es, probablemente, el último gran papel de Robert Duvall, encarnando a ese vaquero que cree haberlo visto todo, pero que será severamente transformado en un viaje cada vez más duro y sacrificado. Le acompañaba un excelente Thomas Haden Church (otro actor desaprovechadísimo), Greta Scacchi o Scott Cooper, a lo largo de las tres horas que conforman una especie de díptico, adelantando, por ejemplo, las recientes (e ignotas) aventuras de Kevin Costner; con una maravillosa fotografía de Lloyd Ahern y el lujo de una banda sonora a cargo nada menos que de Van Dyke Parks.

Véanla si se les pasó de largo.

Saludos.

Perder es cuestión de suerte

 

Me mosquea la película que podía haber sido BALLAD OF A SMALL PLAYER, que es exactamente la que te pegas todo el tiempo esperando que sea. No sólo una, sino (hablamos, como en las cartas, de posibilidades) un collage que podría haber incluido THE KILLING OF A CHINESE BOOKIE por la fatalidad y patetismo de su protagonista, pero se queda en un remedo superficial de Winding Refn, que no es mucho decir. Varios problemas de fondo, empezando por la cobardía de sumir al personaje interpretado por Colin Farrell, un jugador insaciable, canallita y ni siquiera digno de lástima, en el infierno que él mismo se busca, y que apenas es sugerido en un momento dado, justo para soltar la dosis de moralina que por lo visto demanda Netflix. Anyway. Es la historia de un perdedor en Macao, asediado por las deudas y algunos fantasmas, que no parece encontrar solución a su espiral de infortunios, hasta que una enigmática mujer le ofrece un trato, que luego comprobará que no es el que esperaba. Lo mejor, el trabajo de fotografía de James Friend, que ya colaboró con Edward Berger en SIN NOVEDAD EN EL FRENTE, demostrando que hay que seguir su trayectoria. Por su parte, el director alemán vuelve a esa indefinición que me molesta tanto, sin que veamos su potencial en pantalla... o a lo mejor es que no hay más.

Saludos.

Un infierno en la Tierra

 

De nuevo Sam Neill y Meryl Streep, y de nuevo a las órdenes de Fred Schepisi, aunque sería inimaginable un registro más distinto que el propuesto en A CRY IN THE DARK, un polémico y discutible film en el que se recreaba un caso real, el de la familia Chamberlain, que perdieron a un bebé mientras acampaban en Ayers Rock. El caso, que dio la vuelta al mundo a principios de los ochenta, no podía ser más sensacionalista: una familia compuesta por devotos adventistas (de hecho, el padre era pastor), que en esa noche fatídica "fueron testigos" de cómo un dingo salvaje se llevaba a la pequeña Azaria, desapareciendo en la oscuridad. Pese a las batidas, nadie encontró al bebé, pero el caso, tergiversado por una opinión pública infectada por los medios, dictaminó que la madre fue culpable de asesinato, aunque aún quedarían muchos aspectos por resolver. Y luego está el film en sí, muy divisorio, con una dirección correcta y unas interpretaciones correctas, con el achaque de resultar algo alargada, un poco dispersa en el tono, y con Meryl Streep más contenida en la primera hora, pero desatada en la segunda, lo que personalmente suele darme urticaria. Una cinta imposible de separar del caso real, por momentos buscando el mismo sensacionalismo que parece denunciar, y cuyos modos, exagerados, doctrinales, tantas veces hemos visto en el cine comercial, el que comienza con la temible leyenda "basado en hechos reales".

Saludos.

Es mejor ser cabrón

 

Bryan Bertino es un tipo que debe tener una fijación/problema con la gente que llama a la puerta anónimamente. No sé si proviene de una familia de vendedores de seguros o de testigos de Jehová, pero su filmografía se basa en gente en su casa y otros que llaman. Lo de proponer una trama ya es otra cosa. Y VICIOUS, su última película, no iba a ser una excepción. La trama es simple: Polly (Dakota Fanning) es una joven que vive sola en la casa que le alquila su hermana, en una urbanización acomodada; habla con su madre sin verla nunca, odia su trabajo, quiere dejar de fumar y un día llaman a su puerta en plena noche, que es aún más raro. Una señora mayor le suelta una trola y le deja una caja y un reloj de arena; le dice "ahora es tuyo" y que morirá esa misma noche si no coloca dentro algo que ama, algo que odia y algo que necesite. Suena a ya visto ¿a que sí? Me acuerdo de aquel otro bluff que fue THE BOX, aunque parece que Bertino quiere emular a las maldiciones "tú la llevas" de IT FOLLOWS y compañía. Fanning está convincente, y con algo más de imaginación podría haber sido algo decente, pero llegado el momento esto no va a ninguna parte y comienza a dar vueltas sobre los mismos preceptos una y otra vez, con sustos previsibles y alguna resolución de guion de vergüenza ajena.

Y no sé si lo he dicho alguna vez o no, pero ahí va. Por favor dejen de hacer dos cosas en las películas (aparte de abusar de los accidentes de tráfico): dejen de filmar los encuentros sexuales (aquí no hay ninguno, pero tenía que decirlo igualmente) con un tipo que se abalanza en vertical hacia ella, la empuja contra la pared y empiezan los jadeos tras el coscorrón femenino. Pero sobre todo dejen de filmar peleas en las que el malo está arriba, sin llegar a matar al bueno (que está abajo), que aprovecha para alargar la mano y coger una tijera o un cuchillo o un destornillador o un cristal que siempre están por ahí desperdigados.

Hala, y no sean mindundis y le abran a cualquiera que llame en plena noche, copón.

Saludos.

Pianista y encargado de videoclub

 

Es notoria la cantidad de cortometrajes en los que participó Manolo Solo, desde el principio de su carrera hasta el final. Hoy me gustaría hablar de dos de ellos, ambos de 2010, muy diferentes entre sí, en los que mostraba su asombrosa versatilidad. El primero, titulado ESTOCOLMO, nos hablaba de un enigmático profesor de piano, que vive junto a su hija dando clases particulares, y que oculta un oscuro secreto, que sólo queda insinuado a medias, pero que parece evidenciarse en gestos y actos que exceden la normalidad. Uno de esos cortos que se quedan "cortos", reclamando un mayor espacio para desarrollar una historia repleta de lugares terribles.

El otro, titulado TARKOVSKY, es como un chiste privado, una de esas anécdotas que todos conocemos, o que alguien nos contó una vez. Una miniatura que en sólo cinco minutos aborda con un humor socarrón muchos de los tópicos de lo "cultureta", o lo "gafapasta". Escrita por Daniel Monzón, quizá riéndose de su antigua condición de crítico de cine, tan sólo necesita un intrincado videoclub y la irresistible vena cómica de Manolo Solo y Luis Zahera para ponernos en situación. Un tipo sin pinta de cinéfilo, un encargado que subraya el Ulises de Joyce con gesto cansado; en las estanterías, Bergman, Antonioni, Kaurismaki o Kiarostami. El hombre, que parece buscar drogas en lugar de una película pide un blockbuster trilladísimo, y ahí no es. Pero el encargado lo lleva hasta la planta de abajo, y allí hay droga dura. Lo que pasa después lo podría haber ideado el mismísimo Dino Risi, que no era cultureta, pero conocía el melodrama detrás de la comedia...

Saludos.

Rincón del freak #711: El espectáculo debe continuar

 

Como suele ocurrir con cualquier corriente integrada en un género, se suceden los tiempos de auge, esplendor y decadencia, con la misma naturalidad con la que se agotan las fórmulas. Lo que no es tan frecuente es encontrar sucesores capaces de recoger el testigo de los creadores, aportando además una visión renovada, aunque deudora, yendo más allá del simple homenaje. Esto ocurrió con Michele Soavi, que venía de instruirse en un par de cintas de Dario Argento, y que en 1987, justo cuando su cine empezaba a flaquear y autoreferenciarse, demostró que el giallo aún podía mostrarse con energías renovadas. Partiendo de un guion del mismísimo George Eastman, se servía de un escenario único, un apartado teatro donde una compañía de tercera fila ensaya un musical protagonizado por un asesino con cabeza de búho; sin embargo, la trama se vuelve realidad cuando un verdadero asesino se coloque la cabeza y empiece a asesinar uno a uno a la compañía. DELIRIA (que era su título original, porque aquí alguien dijo que sería AQUARIUS), aun con la mismas licencias y exageraciones que cualquiera de sus antecesoras, ha quedado como un film de culto por derecho propio, manteniendo la tensión aunque sepamos en todo momento la identidad del asesino, con algunas muertes de verdad espectaculares y una escenografía magnífica en su uso del espacio, y que definiría el cine posterior de Soavi. Por contra, el film está repleto de situaciones inverosímiles y personajes estúpidos haciendo estupideces, aunque eso ya es más esperable. 

Saludos.

La tormenta perfecta

 

Y bueno, aquí estamos con otra serie, aunque no una serie cualquiera. WIDOW'S BAY pasa por ser la gran sensación de esta temporada, ratificado con la larga lista de nominaciones y premios en los Emmy, sobresaliendo los logrados por su estupendo elenco, encabezado por un glorioso Matthew Rhys, que al igual que el tono general de la serie, da un recital de versatilidad. Son diez episodios (aunque se espera una T2) cuyo trasfondo es una ancestral maldición, que recae sobre una pequeña isla de Nueva Inglaterra, que en teoría no permite a los allí nacidos abandonarla. Pero no esperen un drama truculento, porque Katie Dippold, su creadora, la concibió como una comedia de terror, que se va oscureciendo, es cierto, a medida que la trama va desentrañándose, hasta culminar en un desenlace (abierto, claro) que me parece lo más polémico, básicamente por haber creado unas expectativas altísimas. Tiene momentos antológicos, divertidísimos, y cuando se lo propone es francamente aterradora. Además el desfile de homenajes, más o menos explícitos, es inacabable. Desde los más evidentes (Stephen King o Lovecraft), pasando por las sagas de Viernes 13 o Halloween, guiños al folk horror, o la que me parece más acertada por inesperada, el TIBURÓN de Spielberg. Y de verdad que no quiero desgranar casi nada de su trama, porque la recomiendo encarecidamente. Y les advierto: puede ser la primera vez que me han entrado imperiosas ganas de volver a ver una serie nada más acabarla.

Saludos.

Más vale prevenir

 

Si tuviésemos un medidor, absurdo, incongruente, que nos permitiera establecer un paralelismo entre el cine de John Cassavetes y el de su hijo Nick, probablemente el cacharro empezaría a rebuznar con vehemencia y chisporrotear sin convicción antes de quedar inutilizado. No hay más que echar un vistazo a JOHN Q., cúspide de ese cine hollywoodense, en el que la épica puede justificar hasta las decisiones más inverosímiles. Se nos cuenta el drama de un padre (Denzel Washington), que topa con eso tan bonito de la privatización de la sanidad, cuando su hijo necesita un trasplante de corazón urgente y el hospital le informa de que su seguro no le llega, y que ha de reunir una cantidad indecente de dinero para la operación. Dejando aparte los valores artísticos, que son más que discutibles, oscilando de lo sensacionalista a lo involuntariamente paródico, aun con toda su tosquedad, debería sumarse a la advertencia de quienes, no se sabe por qué ensalmo, apoyan dicha privatización. Ellos sabrán, pero aquí tenemos a este padre coraje, que toma la decisión de secuestrar el hospital hasta que obtenga una solución. Es difícil pronunciarse, porque todo lo que Cassavetes implementa habita un mundo ideal y casi sin consecuencias; e imagino la película que hubiese hecho su padre..., bueno, no puedo imaginarlo. Por allí estaban, dando réplica a Washington, ilustres como James Woods, Ray Liotta, Anne Heche y un Robert Duvall interpretando a un negociador que poco a poco va entendiendo a este hombre, esencialmente bueno, pero aplastado por un sistema cruel y monótonamente burocrático.

Insisto, no es nada del otro mundo, pero véanla antes de decidir a quién votan.

Saludos.

Ellas

 

Como no soy yo de dejarles a ustedes con el mal gusto de la bazofia del otro día, no me quedaba más remedio que ponerles aquí la buena. Porque hay otra película española titulada AMADOR, pero nadie la conoce, y los que en algún momento la vieron, tampoco se atrevían a recomendarla, por lo de las maravillosas libertades de opinión de la España franquista, cuya cateta censura mutiló esta absoluta maravilla. Filmada en 1964, AMADOR fue la segunda cinta de Francisco Regueiro, verdadero y genuino precursor de los Vermut, Martín Cuenca, Rosales o Aguilera. El asfixiante y, por momentos, insoportable retrato de una masculinidad que traspasa lo tóxico, llegando a lo patológico. En su magistral escena de arranque, en apenas tres minutos, Regueiro nos presenta a Amador, un pijo que aspira a vivir de las mujeres, que vive con su tía y disecciona a las mujeres como un coleccionista haría con sus trofeos, con orgullosa indiferencia. En ese breve intervalo, justo antes de comenzar los créditos, Amador apuñala a la primera de una prudente lista. La modernidad de Chabrol o Antonioni era posible justo cuando las películas iban de que venían las suecas y todo eso. Amador se va a Torremolinos para cazar alguna turista rica, y para no tener que matar a la insoportable madre de su hijo. Allí conoce a Laura. Independiente, resuelta, demasiado libre; el único agente externo al que Amador, cobarde y reprimido, misógino consentido, no logra descifrar. Por ello se marcha, dejándolo sin saber qué hacer. En esa tierra de nadie, fría y apática, se mueve este extraordinario film, inexpugnable, insólito hasta hacer de su autor uno de los más justificados entre los malditos, que de esos no ha habido tantos en España. Atentos a la frase oculta tras cada acto y pensamiento del psicópata, y piénsenla: la culpa es de ellas...

Obra maestra.

Saludos.

Mal asiento

 

Hay casos, películas, cuya única razón de ser orbita alrededor de un actor o, en este caso, actriz, lo que no suele ser un buen negocio. "Vehículos para el lucimiento personal", lo llaman. Y me llamó poderosamente la atención lo que ocurría en PLENTY, donde Meryl Streep obtenía uno de sus habituales "vehículos", en una historia que arranca en plena WWII y culmina (suponemos) en los años sesenta. Sí, la presencia de Streep es de hecho agobiante, y no sólo por su omnipresencia, rayana en el horror vacui, sino (y aquí viene la paradoja) por la imposibilidad de empatizar con un personaje insoportable, una mujer que parece querer algo, pero tras dos horas no tenemos ni puñetera idea de qué es, aparte de buscar hombres guapetones para un revolcón sin compromiso y reservar éste tan sólo para los adinerados. Y no solamente este personaje está mal escrito, esbozado, también una historia que surge a hipidos, comenzando con el rollete entre la pobre Susan, que colabora con la resistencia francesa, y un paracaidista inglés (Sam Neill), que la deja plantada. Y de ahí saltamos a la vuelta a Inglaterra, la coronación de la reina y el interés amoroso por un diplomático (Charles Dance), al que deja tirado para pedirle a Sting (lo juro) que le haga un hijo para ser madre soltera, pero sale mal porque Sting parece estéril y además se encoña con Susan, por lo que ella decide casarse de una vez con el diplomático. Y ya en el taco, uno pensaría que Susan está donde quiere, pero primero le monta un pifostio al marido en plena embajada, luego redecora la lujosa casa destrozándola, y remata echando el polvete de despedida, veinte años después, con el paracaidista, que logró sobrevivir. Y todo contado así, como un chascarrillo o un chiste privado al que nos vemos obligados a entender. Y no se entiende nada, ni qué diablos pintaba allí Tracey Ullman...

Anodina y desordenada, como su protagonista.

Saludos.

El esplendor del figurante

 

A menudo me asalta la picazón por saber el destino de éste o aquél pasante, ensombrecido por los fulgores de tanto protagonismo previsible. Lo que en literatura ha parido algunas de las más grandes obras maestras, no tiene ya ningún peso en el audiovisual, repleto de grandes héroes, trágicos a veces, pero nunca desnudos ante la insignificancia de saberse vulgarcillos, testigos insuficientes e impotentes ante sus desgracias cotidianas. Es por ello que una serie como A KNIGHT OF THE SEVEN KINGDOMS vendría a colmar los adeudos de un público más exigente, el que apenas se conmueve ante las exhibiciones atléticas del universo Game of Thrones, su acumulación exagerada de exabruptos y aldabonazos, mirando hacia un desarrollo más a ras de suelo, con personajes menos superheroicos y tramas que requieren un poco más de sentido del humor. Y eso parece, justo hasta que desaparecen los chascarrillos y dobles sentidos, y afloran los espadazos, mutilaciones y otras lindezas. Es decir: un exploitation disfrazado de gozoso bastardeo.

Si la quieren ver, son seis episodios de nada.

Saludos.

Anhedonia

 

Dícese del estado al que uno llega, hastiado de aguantar gilipollas, y en el que el entusiasmo es convenientemente sustituido por una agradable indiferencia hacia lo que, por otra parte, nunca tuvo la menor importancia. No guardaba un solo recuerdo de haber visto AMADOR, y quizá es que no la había visto. Este repaso a la carrera de Manolo Solo me ha llevado hasta ella, y eso que el bueno de Manolo apenas sale cinco minutos en el inacabable, insoportable y exasperante metraje de dos horas, injustificable para una de las películas más absurdas que he visto. Más absurda que mala, porque, en su afán de erigirse como el autor total que no es, Fernando León de Aranoa nos encasqueta una supuesta historia de drama social (vertiente inmigración), en el que una señora se pone a cuidar a un señor mayor (el Amador del título) en verano, para poder comprar un frigorífico en el que guardar las flores que su prometido manga previamente en una factoría, para después vendérsela a los negros que asimismo las venden en las calles. El tipo le echa ambientador a las flores, lo que luego nos sirve para entender cómo diablos esta mujer aguanta todo el verano con el cadáver del cuidado en la cama, mientras la prostituta senior que lo visitaba los jueves la consuela entre ramos perfumados y la anima a mantener la farsa para, al menos, poder llevarse el sueldo entero. Y todo con una protagonista incapaz de cambiar la cara y el tono de voz, que ni son de extrema educación o timidez, sino de anhedonia, que si no saben lo que es mejor lo buscan. Es una mezcla de NEKROMANTIK y ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO?, pero sin pizca de gracia.

Llegué a pellizcarme para saber si no era un sueño...

Saludos.