Blu scuro

 

Discutido premio a la mejor interpretación masculina en Sitges, ya que fue otorgado nada menos que a todo su elenco ¿?, THE PLAGUE camufla a duras penas sus referentes más obvios, provenientes del giallo, que resalta por la juventud de sus protagonistas, un grupo de adolescentes en un campamento especializado en waterpolo. Hasta allí (suponemos que Australia) llega un joven desde Boston, que logra congeniar con el grupo más "social", aunque ello conlleve comulgar con los abusos que ejercen sobre Eli, un chaval extraño, que además tiene una efermedad cutánea que ellos han bautizado como "la plaga". Flirteando con varios géneros, termina imponiéndose el suspense psicológico, basado en la superposición de imágenes, y sobre todo sonido, inquietantemente exuberantes. Debut en el largo de Charlie Polinger, que solventa con nota en una excelente dirección de actores y una estupenda creación de atmósferas, que cristalizan en un cruce entre CARRIE (el más obvio) y SUSPIRIA (un poco de reojo), terminando por relegar (y renegar) un horror físico, prefiriendo centrarse en el bullying, verdadero protagonista de una cinta que promete mucho más de lo que da. Un poco como la interpretación de Joel Edgerton, que está pero poco.

Saludos.

Estas cuatro paredes

 

Y también aparcamos el homenaje, más que merecido, a Diane Keaton, con la que creo que fue su última película que de verdad mereció la pena. Junto a Morgan Freeman protagonizó, en 2014, 5 FLIGHTS UP, una sorprendentemente efectiva comedia otoñal, en la que se resumían los cuarenta años de una pareja en su ático de Brooklyn, del que se ven obligados a desprenderse por el nada nimio asunto (puedo dar fe) de no tener ascensor. Todo parece en contra de este film pequeño y austero, que sin embargo termina siendo un delicioso fin de trayecto por muchos motivos. No sólo por su veterana pareja protagonista, sino por el buen gusto con el que sus personajes parecen desgajados de otro de Woody Allen, no tan chispeantes, pero igualmente deudores de la vida en NY, y cómo asistimos a un desfile de personalidades, con la excusa del open house que les organiza su agente inmobiliario, que lejos de convencerles de la venta los arredra de la misma. Dirigía el también veterano cineasta británico Richard Loncraine, que tuvo la fortuna de tener a dos actores de lujo, para una historia para nada sensiblera, pero intentando no caer en una mala leche gratuita, que ha convertido a la mayoría de comedias actuales en carnavales del cinismo, y tampoco es eso.

Saludos.

La pulpa de lo intangible

 Hay algo que se filtra entre las imágenes de SENTIMENTAL VALUE, para mí poco más que el definitivo espaldarazo del director danés Joachim Trier para ingresar en el stablishment americano, lo que no tiene por qué ser necesariamente bueno. Entre momentos magníficamente rodados, magníficamente narrados y magníficamente interpretados, se filtra una impostura que se acepta, curiosamente, por evidente. Esta familia se lleva mal, pero no tanto; hay un secreto oculto, pero tampoco tan oculto; el padre es un sádico... o no, porque yo lo veo como un tipo entrañable; la protagonista (¿protagonista?) lo pasa muy mal, pero juro que no sabría decir por qué; la narración está trufada de secundarios que no pintan nada, excepto figurar como caras visibles de ese "otro cine" al que Trier aspira, llevándose la palma una Elle Fanning cuya presencia no entiendo en absoluto. La cosa va así, porque hablamos de uno de esos exordios nórdicos, sobre los que Ingmar Bergman desplegaba sus cargas de profundidad donde el espectador menos lo espera, pero que al director de la estupenda (esa sí) LA PEOR PERSONA DEL MUNDO le viene grande. Y se nota en la liviandad de texto de Skarsgard y Reinsve, lo obvio de sus desafíos como padre e hija, incluso despreciando las posibilidades de una oscuridad aún mayor, apuntada en los primeros diálogos, de los que inmediatamente, por temor o desconocimiento, reniega. Por apuntalar lo del maestro sueco, hay un discutible montaje directamente sacado de PERSONA. No sé, muy poca cosa para nueve nominaciones, excepto los actores, que están magníficos, como decía; o quizás el tiro no vaya tan errado.

Lo que siempre digo ¿Se puede ver? Claro, e incluso la recomendaría ¿Es para tanto? Para nada.

Saludos.

Y les daremos su libertad

 Nada cambia, es un axioma, o un asfixioma. Pasan los años, sí, pero todo es lo mismo ahora que entonces. Los trabajadores se cansan, se cabrean, piensan mal y los patrones sienten cierta liviandad en sus bolsillos, no tan nutridos. Hay guerra. Un explotador lo es por la misma naturaleza de la palabra: esquilma recursos sin pararse a pensar en consecuencias, más que las económicas. El trabajador, llevado a la pobreza, es obligado a creerse inferior en la cadena, lo que lo incluye en un círculo vicioso que le hace ver las migajas como ventajas, la explotación como inconvenientes que no incumben a su clase, caso de saber a qué clase pertenecen. QUEBRACHO, de 1974, explica esto con meridiana claridad, partiendo de las explotaciones inglesas de dicho árbol en el Chaco argentino, a principios del siglo XX. Las primeras revueltas laborales, los precarios sindicatos y la creación (Oh, my!) de un grupo parapolicial por los políticos corruptos, para proteger la producción... y asegurar su voto. La película, algo tosca en la realización, sí capta con convicción esa tensión, perfectamente trasladable a cualquier ámbito y época. En un reparto coral, aquí Héctor Alterio aparece ya a la mitad, encarnando a un desagradable gerente británico, el típico imbécil que da la cara para que no se la partan a otros, pensando quizá que bien podría heredar la empresa, o qué sé yo lo que pasa por esas mentes privilegiadas. La película ha quedado un poco olvidada, cierto, lo que redobla la necesidad de recuperarla en momentos tan tensos como estos... aunque todo siga igual.

Saludos.

Rincón del freak #682: 1... 2... 3... light!...

 

Rodar pese a todo, despreciando la inexistencia de un presupuesto, aprovechándolo para expandir la propuesta sin ningún miedo al fracaso o la indiferencia. Es la base sobre la que se asienta ese "cine en los márgenes", difícil de hallar incluso en la era donde todo puede ser visto, con el que hay que tener sumo cuidado, pues esas apariencias amateurs pueden esconder precisamente eso, trabajos de escaso interés fílmico. A Joel Potrykus lo descubrí hace una década con THE ALCHEMIST COOKBOOK, en la que el sinsentido desaliñado del mumblecore daba paso a un inquietante y acongojante relato entre el folk-horror y el cine de exorcismos. Del mismo modo, en VULCANIZADORA, Potrykus relata el viaje de dos destartalados personajes, a lo largo de los bosques de Michigan, en un beckettiano deambular, que remite directamente al GERRY de Van Sant, en el que no conocemos con precisión su objetivo, que bien podría ser huir de la justicia, buscar un lugar mejor para vivir o simplemente grabar videos sin mucho sentido, como unos tiktokers de la era analógica. Lo inquietante de este film es ese punto de ruptura hacia el horror llegado el momento, igualmente absurdo; así como toda la deriva posterior de su protagonista, que podría ser el boceto para un psychokiller, un descenso a una mente dañada o la alegoría de esa banalidad del mal, que parece esperarnos agazapado tras cualquier esquina. Una película extraña, jodida de ver según la escena, muy consciente de la liga donde juega (la de pequeños festivales y exiguas exhibiciones), y que nos pone a prueba como espectadores en tanto que cazadores de sensaciones genuinas en un mercado saturado.

Gente sensible o sin paciencia, absténgase.

Saludos.

El espejo roto #28

 BÊTE NOIRE concita muchas de las virtudes de Black Mirror, pero también la mayoría de sus vicios, casi todos adquiridos. Es decir, que es comprensible lo difícil de estar dando saltos mortales constantemente, captar una atención mayoritaria, mientras se intenta no abandonar la vocación principal de llevar cualquier tipo de historia a una confluencia reconocible y homogénea. Aquí se nos cuenta algo no muy original, los rencores y envidias entre una profesional de la alta repostería y una antigua compañera de clase que oculta un oscuro secreto, que luego es reconducido acertadamente hacia una ciencia ficción, que por insólita nos avisa de lo complicado que va a ser anudarlo todo en menos de una hora de duración. Y efectivamente, el episodio se queda muy corto, apresurado, planteando un problema muy wtf (la literal alteración de la realidad), para rematarlo de la manera más burda y terrenal. O dicho de otra manera, expectativas demasiado altas para ser colmadas.

Saludos.

La familia feliz

Béla Tarr exponiendo, cuando nadie lo hacía, las bases podridas de su país; cualquier país, de hecho. Denunciando el machismo institucionalizado mucho antes del #MeToo. Sin filtros, sin endulzar nada. Adelantando los primerísimos planos que luego se adjudicaría, por ejemplo, von Trier; con largos planos secuencia, aún no tan virtuosos, para "arañar" algo de esa realidad tan esquiva. Filmando con sólo 24 años su primera película, NIDO FAMILIAR, con una madurez insólita, que asusta cuando regresamos a nuestro infantilizado presente de redes asociales y sumisión a la etiqueta. La problemática de la falta de vivienda merodeando un subtexto mucho más cruel, el de las mujeres sometidas, falsamente acusadas para encubrir la violencia doméstica, la hipocresía de las moralidades intachables, las violaciones. La cámara de Tarr es implacable, un bisturí que desecha la demagogia, enarbola la inocencia y pureza del plano sostenido. Y su discurso nunca es impostado, no busca enarbolar ninguna causa, y sí que nos avergoncemos de nuestros paraísos artificiales, que callemos de una puta vez y escuchemos al oprimido, al desposeído, al que sufre. Su cine nos refriega nuestra basura por la cara, nos obliga a mirar donde no queremos. Aquí está Pasolini, y los Dardenne, y Eisenstein.

Aquí están la vergüenza y la dignidad y la justicia, que también es el cine.

Saludos.

Envasado al vacío

 

Al vacío parece saltar Isaiah Saxon en su primer largometraje, THE LEGEND OF OCHI, una arriesgada vuelta a los modos del fantástico ochentero, pero sin renunciar a una mirada si se quiere menos ingenua y azucarada. Al menos cuando colisiona inevitablemente con los dos referentes, inevitables, insoslayables, como son el E.T. de Spielberg y los GREMLINS de Dante. De la primera recoge esa amistad surgida entre la niña protagonista y el pequeño y extraño animal, al que salva de una trampa, y con el que entabla una comunicación íntima; mientras que de la segunda, tenemos la amenaza que representa esta especie para los habitantes de una isla imaginaria, donde se orgamizan unas curiosas batidas de caza a las que asisten los jóvenes lugareños para ser aleccionados por un peculiar Willem Dafoe. Con una acogida tibia en Sitges, quizá por lo chocante de su arranque, el film se recompone con dignidad y convicción, recordándonos su naturaleza de "fantástico juvenil", con una ambientación y fotografía notables, unas interpretaciones cuanto menos dignas y decisiones de las que hay que congratularse, como una banda sonora al estilo clásico, que conforman un film mediante el que echaremos un ojo a su director en adelante.

Saludos.

El país de las oportunidades

 

Tratamiento NBC: El esfuerzo es premiado. El rigor es imprescindible. Las reuniones son afables y cristalinas. Los contratos, justos. El periodismo es una religión. Dios bendiga América.

Tratamiento Tele5 (por decir algo): Levántate a las dos de la madrugada y acuéstate a las diez. Tu mejor noticia es una violación o un peluquín que sale volando, a elegir. Reunirte con tu jefe es en mitad de la calle, porque no eres digno de su plena atención. En el contrato hay una claúsula, muy pequeña, que habla de nosequé hace diez años con una tal Mari Juana ¿Quién habló de periodismo? América es una torre contruida a base de verdades que sólo conocen quienes la habitan.

Se cogen un par de huevos, apio, sal, pimienta, se echa en una sartencita y ya tenemos una frittata, aunque yo prefiero una buena tortilla de patatas con cebolla. Ni más ni menos, esa es la receta de MORNING GLORY, reverso con prozac de NETWORK, donde todo es muy divertido, incluso el abuso laboral, la mala praxis o la guerra sucia por las audiencias. Paradójicamente, el único personaje con algo de principios morales, interpretado por Harrison Ford, es transfigurado en un ogro gruñón y malhablado, mientras que Rachel McAdams intenta convencernos de que lo que mola es arrastrarte por una oportunidad, renunciando a eso tan secundario de tener una vida digna. No he sido del todo justo, porque aquí Diane Keaton es una secundaria que aparece poco, pero qué diablos, si hace de María Teresa Campos yanqui...

Jamás entenderé la filmografía de Roger Michell.

Saludos.

Los buscadores

 

Vamos a ir desgranando los títulos que nos faltaban de las nominaciones a los oscar, antes de que nos atropelle el certamen, afirmando de antemano que me parecen las más equilibradas y cabales de los últimos años. La gran noticia para nuestro cine ha sido la doble inclusión de SIRÂT, avalada por un lado por su gran acogida en Cannes, pero sin olvidar la influencia de El Deseo, que no debe ser poca. Bien por Oliver Laxe, que proviene de un cine de bajo presupuesto y altas ambiciones, que aún es capaz de proponer en este film bello, como siempre ha sido su cine, brutal también, pero irregular en la escritura, que se acoge a la exposición paisajística cuando llega a un cuello de botella que estrangula su "gran relato expansivo". Curiosa analogía (intentando no desvelar nada), porque el argumento se basa en el arrinconamiento de un entorno hostil e indiferente a las cuitas y sinsabores humanos, sean estos buscar a una hija perdida o ir a una rave a bailar. Aciertos y errores que quedan equilibrados a lo largo de una primera fascinante, de narrativa clásica y una fantasmal fotografía de Mauro Herce, que me parece incluso superior al notable trabajo de sonido. Difícil adentrarse en este film por cauces normativos, por ello es notable en la experiencia lisérgica, mientras se ve forzada la esterilidad de un relato que, literalmente, se despeña diríamos que conscientemente. 

¿Es buena? Sí ¿Las tiene mejores Laxe? También.

Saludos.

Confecciones El Gaitero

 

Y se fue otro grandísimo actor, Héctor Alterio, siempre a caballo de España y Argentina, con ese carisma tan natural que le hacía sobresalir aun siendo un secundario y brillar como protagonista. Uno de esos rostros "que siempre estuvieron ahí", con una filmografía sencillamente inabarcable, y cuyos comienzos, además de tardíos, creo que no son tan valorados como sus títulos de madurez. Nos embarcamos, por tanto, en un apasionante homenaje a un intérprete inigualable, y que nos sirve para repasar varias décadas de cine a un lado y otro del Atlántico. Y me parece de justicia abrir con EL HABILITADO, una de las primeras películas del malogrado Jorge Cedrón, que tuvo que exiliarse por sus filiaciones peronistas y halló la muerte en extrañísimas circunstancias en París, con sólo 38 años. La historia, rabiosa y doliente, nos incrusta en la dualidad de Mar del Plata, ciudad abarrotada de vida pero con un submundo, el del lumpen, que es aquí registrado en el subsuelo de una fábrica textil, donde varios empleados conforman una especie de extracto, entre el esperpento y lo tragicómico, sujeto a las crueles chanzas que se lanzan entre sí y el consiguiente arrastrado lameculismo al dueño, cada vez que éste se digna a visitar a estos "olvidados". Allí trabaja Manuel, exiliado asturiano, de pocas habilidades intelectuales, que traba algo parecido a la amistad con el más joven de la cuadrilla, disidente y saboteador, pero al menos aún no contaminado por ese clima de chabacana sumisión. La interpretación de Alterio merece un aparte, y la lástima es que el protagonismo esté tan repartido, porque literalmente borda a ese pobre hombre, siempre agarrado a una escoba, sometido a su carencia de entendimiento y la idealización del patrón, figura metafórica de un estado al que sólo le interesaban sus súbditos si les reportaba beneficios. Con algo del absurdo desgarrado de Beckett y la socarronería de Torre Nilsson (a la postre el maestro reconocido de Cedrón), este desencantado fresco sobre un tiempo y unas gentes, tan particulares como significativos, constituye un documento importante de la dictadura que, por ejemplo, empujó a su autor a esparcir los originales de algunas de sus obras entre los pocos conocidos en los que confiaba. Felizmente, estos originales han sido magníficamente restaurados por su hija Lucía en un espectacular 4K, que nos devuelve una voz única, muy desconocida y por tanto muy recomendable. No fue la única colaboración entre Cedrón y Alterio, pero esa es una historia que pretendemos contarles en algún otro momento...

Saludos.

Rincón del freak #681: Notas para sobrevivir al fin de la humanidad en plena transición democrática

 

Imaginen que el futuro es 1989, porque la producción de ESPECTRO (MÁS ALLÁ DEL FIN DEL MUNDO) es de 1978, y hasta ahí llegamos. El futuro en la era de la UCD eran dos hermanos de Calatayud que van a batir el récord de permanencia bajo tierra con dos cuerdas, unas latas de berberechos y un cartón de vino tinto. La idea es llegar al centro del orbe y quedarse allí unas semanas, pero nadie contaba con que los dos hermanos se llevan como el culo, porque uno es prudente y socialista y el otro un gañán que añora al tito Paco. Mientras, en la superficie, se suceden escenas random, como la de dos amigos que entran en una tasca y el tasquero les pone "lo de siempre", que es una botella de Freixenet Carta Nevada, a la que invitan a una señorita que ha puesto el último éxito de Dyango, y que acabará en la cama con uno de ellos, que para eso es el destape. Cuando los dos hermanos (tras escupirse toda clase de reproches) salen al fin, descubren que allí no queda ni perry, que la gente se ha quedado como maniquíes en una fiesta, el agua está turbia y las conservas petroleadas. Luego salen monos, pero yo creo que lo mejor es la científica que invita a los susodichos a merendar, que bien podría haber sido la del medio de Las Grecas. Total, que el fin del mundo era eso, pero a mí me da mucho más miedo otra peli de Esteba, donde salían los hermanos Calatrava. Les invito a que la busquen...

Saludos.

El espejo roto #27

 

Me había quedado pendiente ponerme con la T7 de BLACK MIRROR, cosa que subsanaremos a lo largo de las próximas seis jornadas sabatinas, pues seis son los capítulos que componen este nuevo acercamiento a unas "ciencia ficciones" más reconocibles y cotidianas de lo que parecen. Y el episodio que lo inaugura se titula "Common people", como la celebérrima canción de Jarvis Cocker y compañía. Hay que celebrar una mayor cohesión en el relato, optando por cerrar el campo de acción (lo que termina por ser crucial), en lugar de dispersarse en ambiciones desmedidas. La historia nos habla de una pareja de mediana edad, Mike y Amanda (estupendos Chris O'Dowd y Rashida Jones), que llevan una vida muy normal y muy enamorada; que quieren tener un hijo, aunque ya puede ser un poco tarde, y cada año celebran su aniversario en el mismo lugar, que es cutre, pero es "su lugar". Entonces, sin previo aviso, Amanda se desvanece. Tiene un tumor que casi no le da esperanzas de vida. Y Mike, que no sabría vivir si ella faltara, se derrumba. Y entonces llega una señora muy sonriente y muy bien vestida que podría ser la solución a un problema tan sumamente grave. Sí, podría serlo; y lo es, de no ser que el mito de Fausto no tiene nada de mito, y hoy día nos rodea en forma de pólizas, hipotecas, seguros y otras cosas que emergen mágicamente desde el reino de la letra pequeña. Mike es soldador, Amanda es profesora de primaria, y tienen una cuna en el trastero, pero quizá, en poco tiempo, tengan que venderla; y a lo mejor no van a poder permitirse una miserable hamburguesa en ese local cutre; y quién sabe si tampoco alcance con las horas extra y para poder vivir, paradójicamente, haya que vender la propia vida. Y lo más triste de todo (y Brooker lo sabe) es que todo esto está narrado en un doloroso y petrificado presente...

Saludos.

La razón

 ¿La razón la tiene el que la tiene? ¿el que la sabe vender? ¿el que la camufla, la ostenta, la engancha de una pena que puede ser nostálgica, reparadora, intocable? Es el gran tema del cine de Béla Tarr, que nos dejaba hace pocas fechas, aunque como él mismo nos advirtió antes de ello, ya no quería hacer más cine. El gran maestro húngaro, imposible compararle, imprescindible buscar su inabarcable influencia. El maestro que huía de las cátedras y los dogmas en esta piltrafa de sociedad de la posverdad, donde la razón es menos que una puta, apenas un niño que yace con la cabeza machacada mientras la gente continúa su camino con indiferencia. El maestro que no paraba de aprender, por eso esa curiosidad infinita en sus imágenes, evocando esa fragilidad de la vela encendida en mitad del temporal, que, a diferencia del incomprensible optimismo que nos rodea, él filmaba hasta que se apagaba. Tarr puso en imágenes el desconcierto de los derrotados, la rabia del moribundo y la belleza de la mugre, del mismo modo que su compañero, amigo y colaborador, László Krasznahorkai lo implementa en sus soberbios párrafos inacabables, los más hermosos de la literatura europea reciente. En este año pasado de tantísimas pérdidas, uno se fue y el otro era justamente encumbrado; y ni una cosa ni la otra impedirá que los que quieren llevar la razón a toda costa sigan adornando sus salones con las cabezas de los desposeídos del mundo que ellos mismos han construido. Nos ponemos por tanto con Tarr, con lo suyo que nos quedaba por comentar. Y lo primero que hizo fue HOTEL MAGNEZIT, un corto que apenas pasaba de los diez minutos, en el que un grupo de hombres discutía en la miserable pensión en la que conviven sobre la conveniencia de expulsar a un anciano, veterano de guerra, al que acusan de haber robado un motor. La miseria, la dignidad, las razones...

Saludos.

Providencia

 

El monólogo interior pocas veces ha estado bien representado en un medio tan expositivo como el cine. O debemos irnos a farragosos experimentos (casi siempre apoyados en lo surreal), o bien es tomado al pie de la letra (la socorrida voz en off), que nada tiene que ver con lo dicho. Ejemplos excelsos hay algunos (Resnais, Lynch, Bergman, por ejemplo), pero se me ocurren muy pocos tan originales, arriesgados y entusiastas como el del último regalo de esos dos imprescindibles que ya son Cattet y Forzani. En su constante relectura de géneros, donde entra el thriller, el giallo o el melodrama exacerbado, los cineastas belgas se reinventan y superan con REFLET DANS UN DIAMANT MORT, maravillosa mezcla del PROVIDENCE de Resnais, pasado por el tamiz de Hergé, sazonado con el ALPHAVILLE de Godard y coronado por un desenlace tan sorprendente, emocionante y sensible como el de MULHOLLAND DRIVE. Todo eso cabe en 90 minutos en los que la belleza formal se queda ya corta de adjetivos, dando paso a un ejercicio casi buñueliano de símbolos a los que cabe estar atento forzosamente, sin dejarnos llevar por su, insisto, bellísima colección de estampas pulp, como si se hubiese desplegado ante nosotros un fastuoso álbum que remitiese a una niñez añorada largo tiempo. Por si fuera poco, tenemos a un impagable Fabio Testi (quién me lo hubiese dicho) encarnando a un taciturno agente secreto retirado, que a lo mejor es otra cosa , o él se imagina serlo, o sólo no está mostrando lo que le hubiese gustado ser, o nadie es quien debería...

Entiendo a quien no esté preparado para algo así.

De lo mejor de este Sitges.

Saludos.

Tócame, Roque...

 THE FAMILY STONE, de 2005, no es la peor película en la que Diane Keaton estuvo ya al final de su carrera. Dicho esto, esta chorrada navideña dispara en todas direcciones con balas de fogueo. La familia unida pero diversa, liberal y democrática, con un hijo gay y una madre que tiene un cáncer terminal, que se reúnen junto al arbolito, y que también está la hija borde y otra repleta de hijos, un padre cuyo mayor argumento es mirar hacia abajo y otro hijo más (que aquí no se pierde el tiempo) con la evidente profesión rarita (montar pelis) y el mayor, que viene con su prometida, una pija tonta, que no para de provocar momentos incómodos. Todo bien para terminar mezclando a unos con otros (menos a los gays, claro) y rubricar con música de la de llorar. Una tontería que no está mal rodada, sólo es una tontería, y que además desaprovecha un reparto de ensueño, con Claire Danes, Rachel McAdams, Dermot Mulroney o Elizabeth Reaser, por ejemplo. No sé dónde querían llegar con esto, pero no me reí ni una sola vez, y creo que es una comedia...

Saludos.

La casa del náufrago

CARTAS DE UN HOMBRE MUERTO es a la ciencia ficción lo que una crónica sin intereses espurios a una realidad que se mueve demasiado deprisa para ser comprendida en su totalidad. Todo lo contrario a lo que tan alegremente consumimos hoy día, imágenes y secuencias tan veloces que no permiten una crítica reposada y ecuánime. Lo tomas o lo dejas, aunque da igual, el propósito no digerir nada para desconocer si es bueno o malo. Lo vemos a diario con el fascismo a cara descubierta de Estados Unidos, que nos ha explotado en las narices como si no lo hubiésemos visto venir; ya lo tenemos aquí, y sólo hay una respuesta, el combate. Konstantin Lopushansky filmó su mejor película en plena crisis nuclear entre las dos grandes potencias allá por 1986; un angustioso, claustrofóbico y nihilista canto de derrota, asumida e inevitable, que representaba a una humanidad diezmada por el cataclismo nuclear, que sobrevive como ratas en bunkers subterráneos. Seguimos a Larsen, un viejo profesor, que no pierde la esperanza de que la humanidad aún pueda resurgir, por lo que envía cartas a su hijo a la superficie, aun sabiendo que no hay posibilidades de que haya sobrevivido al invierno nuclear. Mientras cuida de su esposa enferma, que sólo quiere morir de una vez, es incapaz de encontrar a nadie que comparta sus esperanzas, pues lo toman sólo por un pobre hombre que ha perdido la razón. La paradoja de este extraordinario guion está en esa imposibilidad de que podamos empatizar con este hombre, porque también somos conscientes de que no hay nada que hacer, excepto esperar, languidecer y morir. Igual da para ello un búnker soviético, un resort en Gaza o las calles heladas y manchadas de sangre en Minneapolis...

Saludos.

Hombre en fuga

 

Habrá más de Robert Redford en un futuro, supongo, pero detenemos este amplísimo repaso a uno de los iconos incontestables del cine de los últimos sesenta años con la que fue, claro, su última película. Hablamos de THE OLD MAN AND THE GUN, que establecía una curiosa correspondencia entre el actor, que se despedía de su profesión, y el personaje que interpretaba, un veterano ladrón de bancos incapaz de dejar esa actividad, la única que le daba un motivo para seguir adelante. Estamos ante una película pequeña, intimista, en la que David Lowery vuelve a mostrarnos su cine sin grandes ruidos, atento a esos movimientos cotidianos para dibujar una figura extraordinaria, pero que se sabe normal y corriente. Redford era Forrest Tucker, que existió realmente, que llegó a fugarse dieciséis veces de prisión, y que robó su último banco con 80 años. Y le presta su mirada de simpático inconformista, un embaucador que robaba sin usar la violencia y tenía ese halo romántico e indescifrable del que no espera nada de la sociedad, mirándola con el desdén de una sonrisa ensayada. Fin de todo, de una enorme carrera cinematográfica, de una época en la que aún se podían robar bancos, y a lo mejor de una manera de entender el cine que huye del exhibicionismo, que prefiere contar una historia cualquiera, la misma que Redford le cuenta a una embelesada Sissy Spacek, no para que le crea, o a lo mejor sí...

Esto de las películas no será lo mismo sin él.

Saludos.

Rincón del freak #680: Miedo a coger el tren

 

Lo bueno de tener un blog, mientras imbéciles que no distinguen un "ahí" de un "hay" mongolean en las rr.SS, es que uno puede poner lo que le salga de las pelotas sin temor a represalias; será por la ínfima repercusión o por lo que sea, pero al menos se puede señalar la miseria moral lentejista, con la total seguridad de que cualquiera de estos escuadristas nos come las gónadas por detrás. Miserables rentabilizando a los muertos, mientras un tipo tiene que renunciar por las presiones por hacer una parodia de los carroñeros. El tren ha descarrilado, efectivamente, pero que la desgracia sirva para desenmascarar a los que han hecho de la amenaza y el acoso su desgraciado modo de vida. Dicho esto, poco más, porque traer hoy una cosa tan rara y olvidada como THE MIDNIGHT MEAT TRAIN obedecía a motivos evidentes. No hace mucho que leí el relato de Clive Barker en sus "Libros de sangre", donde abundaba en sus obsesiones "cenobitales", esta vez imaginando un misterioso tren subterráneo, donde un no menos enigmático carnicero iba dando matarile a todo quisque, convirtiendo los vagones en un tétrico desfile de cuerpos colgando de ganchos. La película, fallida por tomarse en serio, no conjuga bien la truculencia propuesta por Ryûhei Kitamura (que debutaba fuera de Japón) con un guion cansino y repetitivo, porque el relato daba para poco más. Si acaso, destacaba el curioso reparto, con un Bradley Cooper aún lejos del estrellato, Vinnie Jones cambiando las patadas por martillazos o una ya madura Brooke Shields convenciéndonos de que quedaba bien como figurante. Gore cutrísimo, alguna idea interesante y poco más para otro ejemplo de que Barker y el cine nunca han casado bien. Como la decencia y el prime time, vaya...

Saludos.

El objetivo es ser feliz

 

Anotaciones al principio, que es cuando hay que hacerlas. No he visto BREAKING BAD (la veré algún día), ni tampoco BETTER CALL SAUL, que son los buques insignia de Vince Gilligan, creador, ideólogo y todo lo demás de PLURIBUS, o la big sensation de la ficción televisiva más reciente. O eso dicen los que entienden de esto, porque lo único que me ha animado a ver sus nueve episodios es eso, que son nueve, aunque está bastante claro que va a haber más temporadas. La sinopsis nos habla de una especie de virus alienígena (aunque no sé si esto es exacto) que afecta a la práctica totalidad de la humanidad, convirtiéndola en una mente-colmena que funciona al unísono, eliminando toda individualidad. La gracia del asunto es que no estamos ante una invasión prototípica, y ni siquiera una amenaza para la escasa docena de no afectados que han quedado en todo el mundo, pues esta nueva "humanidad conjunta" es amable, servicial hasta el extremo, y un simple enfado los condena a un ataque que puede ser mortal. Ahí es donde entra el personaje principal, Carol. Una escritora de mediocres novelas de romantasy vertiente cutre, que vive en Nuevo Mexico junto a su pareja y agente, y que de la noche a la mañana ha de lidiar con una legión de gente sonriente que quiere servirla en lo que necesite, cuando su mal carácter es la perfecta antítesis de este "apocalipsis confortable". Sinceramente, no logro ver el supuesto magisterio filosófico en este guion, cuyos puntos fuertes son más que previsibles, pero sí la virtud de ser coherente con la magnitud de su propuesta, supliendo la imposibilidad de recrear toda la globalización que requeriría gracias a un guion que se aferra a su protagonista (magnífica Rhea Seehorn), que ejemplifica la eterna duda acerca de si realmente nos hemos convertido en seres individualistas, abandonando las reglas elementales de la vida en sociedad. 

Son nueve episodios que se ven muy bien, y que te dejan con ganas de una T2.

Saludos.

Donde maúllan los gatos

 

Y bueno, hasta aquí llegó el homenaje a Rob Reiner, como no podía ser de otra manera con la que finalmente ha sido su obra póstuma. Curioso, por todo lo que significaba hacer, cuarenta años después, SPINAL TAP II: THE END CONTINUES, no ya por retomar su legendario film de 1984, sino por cerrarlo todo con una mezcla de buen rollo, sarcasmo y un cariño a sus personajes que ya no suele verse. Es toda una declaración de intenciones ver a Chris Guest, Michael McKean y Harry Shearer como si no hubiese pasado el tiempo, pero mostrando cómo ha pasado el tiempo. Las mismas rencillas, las mismas amistades, el mismo humor absurdo, para acompañar a esta banda imposible en su último concierto. Por allí pasa Paul McCartney, también Elton John, y se declaran fans desde siempre; su nuevo manager (en el mejor y más retorcido chiste) es un tipo al que no le gusta la música; y también logran dar, al fin, con una gran batería que no tiene miedo a la muerte. Desde luego, si no eres un fanático de la original no vas a entender nada, pero merece la pena esta inesperada despedida, del grupo, de una manera de hacer humor y del viejo Rob, al que echaremos mucho de menos.

Ah, y sí, tocan otra vez "Stonehenge"...

Saludos.

Se oye venir

 

Nada destacable, ni para bien ni para mal, en RABBIT TRAP, una peliculita modesta y bienintencionada que estuvo en Panorama, a la que le hubiese venido mejor haber trabajado algo más la idea central, interesante pero insuficiente. Con un planteamiento prometedor, nos cuenta el día a día de una pareja de músicos, que a mediados de los años setenta se instala en una apartada casa en mitad del Gales más rural, con la idea de captar sonidos para su trabajo, que serían imposibles en un entorno urbano. Tras algún que otro suceso más o menos extraño, se encuentran con un ¿niñe? (jeje) que parece haber surgido de la nada, pero que conoce aquel apartado lugar, y que poco a poco se suma a su día a día de una forma que les empieza a no resultar del todo confortable. Rozando el terror "campestre", el film es en realidad una especie de fábula acerca de mitos ocultos, que consigue algunos momentos de cierta belleza formal, pero que, incluso no llegando a la hora y media, da la sensación de estar estiradísima y dar demasiados palos de ciego. Bien las interpretaciones, con unos solventes Dev Patel y Rosy McEwen, pero me temo que va a quedar como una tibia ópera prima. Esperemos que en próximos trabajos su director/a/e sea capaz de concretar su interesante formalismo.

Saludos.

Orégano caducado

 

Reconozco (debo hacerlo) que esto de los homenajes a actores fallecidos se me ha ido un poco de las manos, no tanto por el volumen, porque siempre es grato encontrarse con títulos que de otra manera difícilmente habría llegado a interesarme por ellos, sino por la constatación de que las más de las veces mi instinto me ha salvado de ver según qué bodrios. Es el caso de SOMETHING'S GOTTA GIVE, de 2003, donde Jack Nicholson y Diane Keaton intentan cobrar su cheque dignamente, mientras se parten de risa en cada escena en la que el ridículo está asegurado. De verdad que no tengo nada en contra de las comedias románticas, pero en la mayoría suelo echar en falta dos cosas: un mínimo de credibilidad y otro de buen hacer técnico. Este vergonzoso guion intenta emular (dios de mi vida) nada menos que a Lubitsch, mostrando un juego de equívocos tan previsible como perezoso, y donde un tipo bastante desagradable, un sugar daddy de manual, se encoña con la madre de su novia, a la que saca tres décadas. Para redondear la gilipollez, al tipo le da un infarto (por lo de las Viagras) y el médico es Keanu Reeves, que también se pirra por la buena señora, que va de humedad en humedad, mientras nos muestra cómo es la despreocupada vida de la gente que aparece en estas bazofias, habitantes de casas de 400 metros cuadrados a pie de playa, que toman vinito entre risitas y se desestresan yéndose a París (por cierto, cómo cantan los chroma aquí). Y de verdad que no hacía falta que doña Diane se desnudara en una escena ridícula.

Horrible, y dura más de dos horas.

Saludos.

Quién mata a la rata

De refilón, me encuentro con RABIA, película de 2009, sepultada en el fondo de catálogo de Prime, que de servir para algo sería para arrojar algo de luz al siempre controvertido tema de las subvenciones. La película, como digo olvidada, estaba dirigida por el ecuatoriano Sebastián Cordero, adaptando el libro del argentino Sergio Bizzio, con mejores intenciones que resultados, en una mezcla de géneros que termina por ser forzada. Nos habla de Rosa, inmigrante colombiana, que trabaja como empleada doméstica en la casa de unos señores acaudalados, mientras imagina cómo podría ser su vida junto a José María, su pareja, que es albañil en una obra. Sin embargo, su vida da un vuelco cuando José María, celoso patológico, da una paliza a un tipo que piropea a Rosa. Esto llega a oídos de su capataz, que lo despide, y que resulta muerto por la posterior discusión. Desesperado, José María se refugia en la casa donde trabaja Rosa, que además descubre que está embarazada. Demasiadas cosas para un guion básico y esquemático, que pretende aunar un thriller criminal con un retrato psicológico igualmente superficial, y una problemática, la de la inmigración, por la que también pasa de puntillas. Es correcta, demasiado correcta, pero no tiene un solo elemento por el que pueda ser recordada, cosa que efectivamente ha acabado ocurriendo. El tema al que aludíamos al principio, júzguenlo ustedes mismos: 200.000 euros de recaudación para 3.500.000 de presupuesto. Ay...

Saludos.

El viejo en el mar

 

Ya en el final de su carrera, Robert Redford tomó una decisión que en un principio puede parecer descabellada. Con 77 años, se puso en manos de un director semidesconocido, que en su segunda película asumía un reto dificilísimo, no ya siendo el único actor, sino sosteniendo todo el metraje sin articular apenas unas palabras. ALL IS LOST nos coloca en una pequeña embarcación, en la que "nuestro hombre" navega en solitario por el océano Índico, hasta que un día la mala fortuna quiere que choque contra un contenedor perdido, seguramente caído desde un gran barco comercial. A partir de ahí, todo se tuerce, pese a la obstinada lucha de este hombre contra todo lo que le rodea, el mar, los elementos, la escasez de víveres, en un asfixiante y claustrofóbico retrato de la determinación humana contra la desesperación. Una lucha por la vida, al fin y al cabo, en la que Redford borda el papel de "ser humano", imperfecto, obligado a encontrar soluciones donde no parece haberlas. Y todo rodado con un naturalismo que califico de hazaña, una proeza fílmica que adquiere tintes expresionistas en sus momentos álgidos, que no son pocos.

El único adjetivo que se me ocurre es "acojonante", y para mí por partida doble, que aún no sé cómo he podido verla de un tirón.

Saludos.

Rincón del freak #679: Imbéciles Culeros Enmascarados

 

Podría estar hablando sobre EL CASTILLO DE LAS MOMIAS DE GUANAJUATO, tercera entrega de las aventuras de Superzán, Blue Demon y Tinieblas, que trata sobre un siniestro mad doctor que dirige una organización criminal compuesta por enanos que tocan un cazú, mediante el que activan a un ejército de momias que son señores con traje de funcionario y una careta de goma. Su crimen: cagarse en el colegio de médicos, del que es expulsado, para seguidamente raptar a un montón de gente con la intención de sacarle la sangre en plena agonía y fabricar un elixir de juventud. Afortunadamente, hay tres luchadores que igual le arreglan el coche a unas bailarinas eróticas, rescatan a unos huerfanitos del castillo de marras y aún les queda tiempo para alzarse con el campeonato nacional. Podría, de no ser, claro, que la realidad supere a la ficción, incluso a la más casposa, y nos presente a un grupo de enmascarados disparando a una mujer en su coche, para ser ensalzados como héroes por una momia anaranjada. Me falta encajar a los enanos, pero al menos he logrado descifrar qué significaban esas iniciales...

Saludos.

El pizzicato interminable

 

Una buena idea puede tornarse un coñazo pretencioso, casi siempre por culpa de quien no maneja la autoría con suficiente distancia, y quizás cree estar en posesión de "una gran historia". Es el caso de LE VIOLON ROUGE, odisea transtemporal, a través de nada menos que cuatro siglos, desde la fabricación de un supuesto violín perfecto a cargo del maestro Nicolo Bussotti, pero al que repudia inmediatamente al coincidir con la trágica muerte de su esposa al dar a luz. A partir de ahí, la rocambolesca historia de este violín nos lleva por distintas épocas y países, como la corte austríaca, donde un niño prodigio no se separa del violín ni para dormir; la Inglaterra decimonónica, en la que un excéntrico compositor e intérprete revoluciona la música tocando mientras tiene sexo; la China de Mao, que quiere destruir lo que considera "un decadente símbolo capitalista"; para terminar, cómo no, en una afamada subasta, en la que se quiere redimensionar el valor simbólico del instrumento, por encima de la ridícula suma que se va a pagar por el mismo. Girard, que siempre ha ido en busca de ese "gran relato", logra su mejor obra, pero no por ello carente de su habitual pedantería, que la sitúa en clave de best seller escrito sin tacha, pero también sin auténtico corazón. No está mal, de todas formas, si tiene al público adecuado y que abraza esta forma de narrar.

Saludos.

El relevo relevante pero no revelador

 

LBJ, la película que supuestamente venía a arrojar luz sobre el nudo gordiano en el que coinciden multitud de expertos, acerca de en qué momento se abrazó definitivamente el siniestro pragmatismo, en detrimento de un aperturismo decididamente ingenuo, y que como sabemos se cortó de raíz. Quien quiera saber el significado y legado del oscurísimo ascenso al poder de Lyndon B. Johnson, tras el magnicidio de JFK (vengan siglas), es mejor que no se acerque a este ridículo guiñol perpetrado por Rob Reiner y el guionista Joey Hartstone, repleto de prótesis grotescas, discursos de culebrón venezolano ¿? y un intento por lavar la imagen del 36º presidente de Yanquilandia que yo al menos no entiendo a cuento de qué. Eso por un lado, pero la película está jodidamente mal realizada, con una colección de planos en los que la espalda de un personaje tapa al filmado, sin que esto sea un recurso, sino más bien una torpeza. Yo, diez años después, sigo preguntándome para qué carajo sirve esta película. Y aún peor ¿No había un actor al que no hubiese que poner tres kilos de látex en la cara? Porque lo de Woody Harrelson y Jennifer Jason Leigh es indefendible, y eso que son de lo poco salvable junto a un Richard Jenkins que nunca está mal.

Saludos.

Mandarina va

 

También en Panorama, en Sitges, se pudo ver SHELBY OAKS, enésima engañifa proveniente de la subcultura audiovisual de YouTube, TikTok y otras "inteligencias artificiales", que están llevando lo que en otro tiempo se llamó séptimo arte hasta una cloaca de imágenes clónicas y acomodaticias, cual engrudo dispuesto a ser consumido sin muchos miramientos. Lo digo porque algo tan nimio como un encabezado que reza "Mike Flanagan presents" ha sido suficiente para que los susodichos "creadores de contenido" (dios los cría...) hayan alabado esta cosa sin sentido. Película mala, mal hecha, mal interpretada, sin ritmo, sin propósito de guion, que ni siquiera aprovecha la austeridad de medios para centrarse en armar, como mínimo, una historia coherente. Un grupo de gente que se va a buscar fantasmas a sitios inhóspitos, se enlaza con una señora que busca a su hermana, la única que desapareció de la extraña matanza de dicho grupo. Huelga entrar en detalles, porque el nivel es el que es, pero les dejo sólo una escena para que vean de qué hablo: llega un tipo a la puerta de la hermana mayor y allí mismo se descerraja un tiro en la cabeza. Se supone que llega la policía, pero no sale, supongo que por presupuesto. La compungida hermana se queda todo el día en casita con la cara manchada de sangre (es literal), y luego ve un video que el suicida llevaba en la mano, pero que no le da a la policía invisible porque patatas. 

Ridículo es poco.

Saludos.

Veinte años no es nada

 

MARVIN'S ROOM podría ponerse a las cuatro de la tarde de un domingo cualquiera en una cadena que dejo a su entera elección. Curiosamente, además de Diane Keaton, aquí estaban (aunque nadie se acuerde) nada menos que Meryl streep, Leonardo DiCaprio y Robert De Niro, a cual peor dirigido por Jerry Zaks, que luego se dedicó a cuerpear en ignotas series televisivas. Sin saber qué tono adoptar, es una comedia sin gracia, pero también un drama sin emoción, que gira en torno a Bessie, a la que han detectado leucemia. Bessie (Keaton) es lo que denominaríamos despectivamente una solterona, que ha dedicado su vida a cuidar de sus padres, mientras que su hermana, Lee (Streep), es una peluquera en Ohio, que se quedó embarazada demasiado pronto y ahora tiene un hijo problemático (DiCaprio) a punto de cumplir los dieciocho. Nada concuerda, porque aquí la Streep estaba casi en los cincuenta, pero en fin. El caso es que la hermana "desenfadada" va a ver a la mojigata después de veinte años, por si le puede donar médula y salvarla, aunque se pasen el día discutiendo y echándose cosas en cara. Para rematar, dos cosas: De Niro hace de médico, probablemente en el papel más desubicado de toda su carrera, y el título del film hace referencia al padre, que se llama Marvin y está postrado en una cama, pero cuya relevancia en esta mediocridad es un misterio tan grande como saber quién pensó que esto debía hacerse.

No la vean.

Saludos.

Sigan con sus vidas

 

Ninguna película más fácil de resumir que TRON: ARES. Buenos y malos buscando lo mismo, pero los buenos para que haya cultivos y felicidad en los sitios donde internet aún tiene sus pegas, y los malos para hacerse aún más millonarios y acceder a condecoraciones que legitimen sus actos, sean estos los que fueren. Seguro que les suena a algo no muy lejano en el tiempo. Pues esto es lo que ofrece el enésimo truco de magia de Disney, que se ha tirado a la bartola definitivamente, porque ¿quién querría inventar con un catálogo propio y dispuesto a ser saqueado sin miramientos? Lucecitas que no falten, Jared Leto con cara de salir de un after, Jeff Bridges pagando las facturas con diez minutos de piloto automático, Evan Peters haciendo de un malo que da más lástima que otra cosa y, como decíamos, ese insoportable e indefendible raccord, en el que mientras se destrozan edificios, coches y mobiliario urbano, el tráfico sigue a lo suyo y tampoco se percibe un pánico feroz. Esto era la gracia de la película original, que al desarrollarse en el interior de un videojuego no había necesidad de recrear la complejidad del mundo real; ahora es al revés, y los elementos digitales se integran en la "realidad", pero de manera tan pobre que otra vez podríamos estar en un vidojuego. En fin, al menos la banda sonora de Reznor & Ross no está mal.

Saludos.

Naturaleza del stent

 

Te vas a morir, a menos que te coloquen un aparatito insignificante, una especie de tubito que tiende a expandirse, creando un espacio donde no lo había, en el interior de una arteria obstruida. Simple y efectivo, pero artificial. Vivir gracias a lo que no está vivo, o más retorcido aún, ser desechado por quien te mantiene e, inesperadamente, salvado por quien ya no posee los medios para hacerlo. No sé si es enrevesado o directamente absurdo, pero buscarle algo de coherencia a algo como SPY GAME ya es toda una proeza o un acto de fe. La misma fe que le tiene el personaje interpretado por Robert Redford (un veterano espía de la CIA) al que encarna con cara de cobrar el cheque un Brad Pitt insulsísimo. Vale que uno le ha enseñado todo lo que sabe al otro, pero hay que tragarse que en su último día de servicio se dedique a orquestar una complejísima acción de contraespionaje, tan sólo para salvarlo de las horrísonas garras del tenebroso régimen de terror chino, que lo mantiene preso... sí, por espiarles, fíjese usted. Por eso digo que este guion no hay por dónde cogerlo, porque igual te idealiza a un par de superagentes, que en realidad no son más que mentirosos profesionales, te pinta a un país soberano como la encarnación de Mordor en la Tierra, mientras pone a parir a la CIA como un hatajo de incompetentes. Para que no falte de nada, a Tony Scott no le dejaron hacer lo que mejor sabe, que es la exaltación pictórica de la acción, sin entrar en tanto lío; porque esta película es liosa, torpemente tendenciosa y un coñazo de más de dos horas a ritmo de videoclip cutre, que es al cine lo que una intervención coronaria a un tipo que no se cuida.

Saludos

Rincón del freak #678: Hideputas, hijodalgos y relinches de la Malinche

 

Uno no sabe cómo calificar objetos tan extraños como el que nos ocupa hoy, uno de esos casos extremos de cinematografía, que no deberían existir, pero han resurgido gracias al empeño y dedicación de unos pocos locos de esto del cine, transgrediendo y obviando las dificultades para, por ejemplo, restaurar un film que parecía perdido desde hace casi un siglo. Más allá de dicha anécdota, no puede decirse que LA LLORONA sea mucho más que la leyenda de la que es considerada nada menos que la primera película de terror mexicana, porque hablamos de 1933.Terror, lo que se dice terror, no tiene tanto, quedándose en una intriga criminal, alimentada por otra leyenda, la que habla de la despechada azteca Malinche, que es ultrajada por el malandrín Hernán Cortés, a lo que, quitándose la vida con un cuchillo sacrificante, lanza una maldición a toda la casta del conquistador español: al cumplir cuatro años, el primogénito será asesinado por una fuerza maligna, sin que nadie pueda impedirlo. Así, nos plantamos en la casa colonial de un prohombre de aquellos treintas, cuyo padre intenta advertir de la maldición sin lograrlo. A esto que sale un encapuchado de Sábado Santo y nos percatamos de que manda narices la cantidad de puertas secretas y pasadizos que albergaba la casa, sin que ninguno de sus habitantes supiera de su existencia. A ver, son 70 minutillos que se ven con una sonrisa inocente, por las declamaciones y las miradas arrobadas, pero también por un mogollónico flashback hasta los tiempos en los que los Quijotes desfacían entuertos y vengaban a damas despechadas.

Más que llorar, parece una depilación dolorosa, pero bue...

Saludos.

Las compañías improbables

 

Aceptamos PREDATOR como franquicia moldeable a los gustos del mercado, de la cual BADLANDS supone un extraño espaldarazo, porque no la vimos venir y porque, una vez superada su gozosa primera parte, es más de lo mismo. Y depende de lo que le pidamos, porque todo el preámbulo es de lo mejorcito que se ha escrito sobre los Yautja, centrándose esta vez en uno muy joven e impetuoso, pero que no tiene las características físicas de su raza, por lo que es repudiado por su padre, que no le permite ingresar en el clan. Tras un sangriento enfrentamiento, se dirige hacia el planeta más peligroso conocido, donde cada organismo es una presa potencial de otro más grande, y donde este Yautja pretende dar aza al mítico Kalisk, que jamás ha podido ser apresado y del que se dice que es imposible de matar. Hasta ahí, todo perfecto, un guion que mantiene la atención, que no se pasa de incongruente y nos sitúa en un mundo repleto de sorpresas a cual más imaginativa. Incluso la aparición de Elle Fanning, magnífica como una sintética sin piernas que acompañará al joven Yautja, nos plantea una buddy movie muy entretenida. El problema viene en la resolución, que se vuelve acomodaticia y previsible, prefiriendo el impacto comercial que no ensucie la incomprensible deriva actual, que insiste en querer contentar a todas las franjas. Aun así, merece la pena para una tarde en la que pensar no sea la prioridad, sin más.

Saludos.

A partir de mañana

 

Puede que sea THE BUCKET LIST la peor película de Rob Reiner, o al menos la más incomprensible, porque tener a Morgan Freeman y Jack Nicholson en un mano a mano debería bastar para componer un film al menos interesante. Ante lo que estamos es una tontería sin sustancia ni sentido, en la que Freeman interpreta a un modesto mecánico, marido amadísimo y fanático de los concursos de preguntas y respuestas, mientras que Nicholson es un multimillonario pasota y cínico, dueño de varios hospitales, a uno de los cuales van a parar ambos, y a la misma habitación por el "método de ahorro" del propio dueño, sin habitaciones únicas. Los dos sufren enfermedades gravísimas, un cáncer de pulmón y un tumor en el cerebro, y un último resultado les da escasos meses de vida. Ahora toca, tras diversas escenas de lucimiento para los dos protagonistas, tragarnos que, claro, ya que nos vamos a morir vámonos a dar la vuelta al mundo. Pero no de cualquier manera, que Nicholson es millonario, así que se tiran en paracaídas, alquilan un circuito de F1 para destrozar dos coches de carreras, visita a la pirámides (que ocupa un minuto quince segundos) o nos vamos al Taj Mahal (uno cuarenta). Todo para darnos en las narices con este descarado manual de autoayuda, más simple que el mecanismo de una cuerda, en la que ya el rizo queda rizado cuando Nicholson, como buen gamberrete, contrata a una meretriz para tentar al incorruptible Freeman. Todo ello con enfermedades terminales.

De no creerse, pero no todo va a ser bueno por ser de Reiner.

Saludos.

El pájaro manchado de tinta

Una verdadera lástima dejar pasar la oportunidad de componer un oscuro retrato vital, a partir de un gran intérprete como Benedict Cumberbatch, simplemente por no haber entendido nada del material original, convirtiendo el descenso a los infiernos de la depresión de su protagonista en un simple cuentecito moralizante, con algunos episodios torpemente rodados de supuesto terror. No me extraña que THE THING WITH FEATHERS pasara por completo desapercibida por Sitges, cuando ostentaba la apariencia de producción de peso. Como fuese, se nos cuenta la triste deriva de un dibujante de comics (o novelas gráficas) que se queda viudo tras la repentina muerte de su esposa, debiendo hacerse cargo de sus dos pequeños hijos y afrontando un bloqueo mental y emocional absoluto, que además se ve agravado por una misteriosa presencia que le atosiga y que se parece sospechosamente al monstruoso protagonista del trabajo que, por motivos obvios, ha dejado inacabado. Con este material daba para un film más amargo, pero todo está tan subrayado, predecible y predeterminado, que termina donde todos sabíamos que terminaría, que es en ese cine que estuvo tan de moda (Con BABADOOK como punta de lanza), el de los trastornos emocionales representados en entidades monstruosas. Yo aquí no veo ni terror, ni drama psicológico, sino una idea estimulante que el director y guionista se ve incapaz de llevar a ninguna parte. Fíjense cómo habrá sido, que lo único que me ha emocionado ha sido escuchar a la inmensa Sandy Denny en los créditos finales.

No merece la pena.

Saludos.

Crímenes imperfectos

 

Es fantástico comprobar cómo el tiempo no pasa por algunas obras, que aún mantienen el mismo fresco aroma que las acompañaba en el momento de su estreno, precisamente para aguardar otro visionado. MANHATTAN MURDER MYSTERY pertenece a esta categoría, películas aparentemente ligeras, sin vocación de trascender, que aprovechan esa supuesta liviandad para terminar siendo una demostración de sabiduría y tenacidad. Lo digo porque el cine de Woody Allen, de alguna manera acabó aquí, no literalmente, pero sí en su esencia creadora, para continuar después como una factoría más o menos eficaz de amables copias de sí mismas. Lo más fascinante de este film es el tono, desenfadado cuando se inscribe en la comedia, pero terriblemente sórdido al aflorar el motor argumental. Como dos películas que se desarrollaran paralelamente, nos situamos en un bloque de apartamentos del Manhattan del título, donde un matrimonio (Woody Allen y Diane Keaton) conocen por caualidad a unos vecinos algo mayores que ellos, con la fatal coincidencia de que la mujer aparece muerta al día siguiente de un infarto. Sin embargo, Carol (Keaton) sospecha que el "pobre viudo" oculta algo, por lo que comienza a urdir un supuesto complot asesino junto a su amigo Ted (Alan Alda), que usa este perverso juego para acercarse a ella. Así, Allen compone un delicioso rompecabezas donde ninguna pieza falla, pese a que constantemente el tablero es zarandeado, las convicciones puestas a prueba, siempre con un humor entre ácido y desesperado, montando cine negro desde la cotidianidad y demostrándonos que saltarse las reglas puede salvar un matrimonio... o incluso resolver un crimen.

Absolutamente maravillosa.

Saludos.

El lado correcto de la historia

 

Más curiosidades, o coincidencias, o lo que sea. Acabo de terminar de ver THE MAN IN THE HIGH CASTLE, la adaptación de la novela homónima de Philip K. Dick, en la que se contaba cómo hubiese sido el mundo si la WWII la hubiesen ganado los nazis. Bien, admitamos antes que nada que esta serie, que consta de 40 episodios repartidos en 4 temporadas, es una adaptación tan libre, que mucho me temo que o no han entendido a K. Dick (lo que es más que probable) o simplemente no se han atrevido a poner en imágenes su desafiante y revolucionaria tesis, que iba mucho más allá de imaginar una Norteamérica dominada por nazis y, en menor medida, japoneses, exponiendo las similitudes (¿o no lo vemos hoy día?) entre ambas posibilidades, como si la Historia no fuese más que un monorraíl inseparable de su destino. Esto es otra cosa, un thriller conspiranoico, que tarda una eternidad en introducir el elemento distópico, con un ritmo en exceso ralentizado y un guion que se enreda en infinitas tramas, la mayoría sin mucho interés. Posiblemente le hubiese bastado con unir la primera y la última temporada, haber ido por lo que es, un entretenimiento más o menos ingenioso, pero que desaprovecha la oportunidad de haber movido el eje de las ficciones televisivas recientes. Yo les recomiendo mucho más que lean la novela y la piensen en los términos geopolíticos actuales, porque les va a volar la cabeza y aún mejor, pondrá a prueba muchas de sus convicciones morales.

Saludos.

Bandera bocabajo

 

Si se le buscan muchas dobleces a THE LAST CASTLE, es muy posible que salga uno escaldado ante la enésima demostración de ese cine patriotero, conductista y de comida rápida que realmente es. Si, por el contrario, uno acepta de antemano que va a ver dos horas de entretenimiento, mientras ponen a un malo muy malo frente a un bueno muy bueno, a lo mejor lo ve sin mayores agobios, y seguidamente se pone a pensar en si hacer ensaladilla rusa o comprarla hecha. No hay mucho que explicar, excepto que es bastante improbable que a un general lo metan en prisión por proteger a sus hombres, pero aún más que al frente de esa prisión pongan a un tipo que escucha a Salieri, colecciona reliquias y nunca haya estado en combate. Si esto hubiese tenido un guion decente, habríamos visto una película mucho mejor, porque el carisma de Robert Redford y James Gandolfini, como absolutas antítesis de lo que debe ser la disciplina, daba para algo menos infantiloide que este film de acción, inusual al convertir el interior de la prisión en un campo de batalla, y donde el estimulante ejemplo de dicha prisión como un castillo se va difuminando en pos de momentos impactantes pero muy previsibles.

Demasiado dinero para tan poca cosa.

Saludos.

Rincón del freak #677: Y todo alrededor del pozo

 

A veces me pregunto (porque suelo preguntarme muchas gilipolleces) qué clase de películas debe ver alguien tan sumamente lerdo e inmaduro como Trump, y la respuesta surge casi sin buscarla. En THE WARRIOR AND THE SORCERESS, a David Carradine lo disfrazaron de Clint Eastwood pero con una espada en la espalda, le dijeron que se limitara a poner las caras que ponía en Kung-fu y luchar con la espada al revés, que lo demás vendría solo. De nuevo estamos ante otro mierdón rodado en Argentina en los ochenta, con excusa barbárica y póster engañoso, para poner un montón de extras tapados moviendo los brazos, monstruos que dan menos miedo que un muppet (literalmente), peleas que parecen coreografiadas por Nacho Duato y señoras mudas que por lo que sea van siempre desnudas. Esta "fantasía épica" tiene un guion ingenioso como pocos, en el que dos tipos se odian a muerte pero viven a escasos metros, y en medio hay un pozo de agua. Todos quieren el pozo, todos quieren darse de hostias, y en medio del ungaunga llega el Carradine y va regalando oídos, dando espadazos en reversa, poniendo cara de proto Kill Bill y coleccionando bolsitas con oro de uno y otro mamarracho (no se pierdan la escena en la que una de las bolsas está rota, se caen algunas monedas y al personal le da igual). Hay un baile del vientre con una mujer de Dos Hermanas (jeroglífico tontaina), un megabicho con tentáculos que nuestro héroe despacha en la friolera de 24 segundos, pero sobre todo un magistral alegórico con el rollo del pozo, y eso seguro que le dio un par de ideas al señor que se peina con una sandwichera para "madurar" cierto asuntillo...

Más que mala es desvaída, como la mujer de un presidente que pinta menos que un extra con bocata de mortadela.

Saludos.

Nuestros pequeños desamores

 

La aventura francesa de Jaime Rosales es MORLAIX, un pequeño y desigual retrato de la fugacidad de la juventud, de cómo siempre será demasiado tarde para todo y los discursos, por bonitos y rotundos que sean, acabarán sepultados por la necesidad de pagar una factura o comprar verduras. Con un pie en el Rohmer de "las rodillas" y otro en el Truffaut combativo, donde más quiere reflejarse es en Eustache reconvertido, pero, todo hay que decirlo, aniquilando el motor suicida del francés, conformándose con un inofensivo juego especular que, a mí al menos, no me funciona. En su última vertiente, Rosales ensaya un necesario (por insólito) fresco que abarque a la última generación, una generación denostada, olvidada a su suerte, a la que se ridiculiza como acomodaticia (y cuál no), quejumbrosa y, aún peor, frígida. El director catalán imagina unos jóvenes serenos, seguros, curiosos, solidarios, para seguidamente enfrentarlos a sus problemas generacionales; la incertidumbre social, la falta de asideros morales, la sensación de habitar un submundo del que desconocen las claves para acceder a ese otro mundo, que siempre verán a través de una pantalla. No hay aquí móviles, ni redes sociales, y sí una película que los jóvenes van a ver, y que en realidad es la película de sus vidas, las posibles, las reales, las prometidas, las imaginadas. Y en esa necesidad de verse para elegir qué hacer, qué decir, a lo mejor no hay más que un dejar pasar el tiempo, ver cómo se agota. La discordia es, sin revelar nada, elegir entre abandonar el entusiasmo o morir precisamente por él; puede parecer absurdo, pero las desesperaciones, en tanto que tranquilas y meditadas, son hermosas.

En mi interior, es una obra bienintencionada pero fallida de un cineasta, al menos, honesto consigo mismo.

Saludos.