Rincón del freak #613: Cárnicas Fernández presenta...

 

Quizá no les suene Jim Wynorski, pero el tipo, que sigue rodando varias "películas" al año, es, desde hace cuarenta años, uno de los máximos exponentes del "ultraexploitation", sea eso lo que sea. Su exquisita filmografía incluye tiburones voladores, anacondas mutantes, chimpancés vampíricos y otras lindezas, pero el reconocimiento mundial lo ha obtenido por mostrar impúdicamente "peitos de garota", como si de un Russ Meyer cualquiera se tratara. Hasta ahí todo correcto, pero se preguntarán si hay algo parecido a un guion bullendo tras tanto busto trémulo por sinfonía de Magnum 44. Un ejemplo lo encontramos en THE LOST EMPIRE, que fue su esplendoroso debut allá por 1984, y que ya desde la portada dejaba claro que todo cabía en su concepto de reciclador de conceptos. Allí se veía una rubicunda amazona blandiendo un espadón, y debajo un rótulo adecuadamente spielbergiano. No, ni esto copia a Indy ni a Conan, y nos sorprendemos una vez más ante lo que parece un cruce (atención) de Fumanchú, Hill Street Blues y aquel anuncio en el que una señorita motorizada buscaba a Jacq´s. Sin solución de continuidad, la rubia protagonista echa un polvo con su maromo del FBI, visita a su hermano moribundo sin derramar una lágrima y se va en busca de una explosiva india nativa, y de ahí a una cárcel de mujeres, donde hay luchas de barro con látigos... Y aún no han visto nada, porque reclutan a una enchironada y las tres se largan a una especie de Mongo pintado en cartulina, donde participan en unas olimpiadas femeninas sin ropa, con la idea de cargarse al malo, que resulta ser Angus Scrimm (búsquenlo). Yo no recordaba una trama tan esquizoide desde DEATHSTALKER, pero aquélla es una obra de arte al lado de este lodazal de pechos turgentes, narices de goma y diálogos escritos por el asesor de Abascal... Y entonces recordé que Wynorski perpetró la segunda parte de aquélla... pero ésa es una historia que les contaremos en otra ocasión...

Ah, que sí, que está en Filmin...

Saludos.

Madres amantes

 

AS BOAS MANEIRAS, además de una propuesta singular como pocas en el panorama fantástico, es una película que, precisamente en su irregularidad, encuentra caminos tangenciales para extraer su valía como relato de sororidad femenina, justo antes de implosionar hacia terrenos más propios del terror canónico. Clara es una mujer que intenta abrirse camino desesperadamente, hasta que llega a la casa de Ana, que busca una ayudante a tiempo completo hasta que tenga al bebé que espera. Ese primer tramo está espléndidamente construido, apoyado en dos magníficas actrices, que transitan por una improbable camaradería, dado lo opuesto de su extracción social, pero que nunca chirría merced a un guion sin estridencias, y que introduce el elemento sobrenatural con suave cadencia, la que da paso a una amistad hermosa pero imposible. Me resisto a contar mucho más, puesto que el film se va hasta más allá de las dos horas, con un giro que no por esperado es más chocante. Me hubiese gustado ver qué deriva tomarían los directores de haber exprimido más esa ejemplar historia entre dos mujeres golpeadas, que encuentran el sosiego la una en la otra. Aun así, estamos ante dos creadores con el suficiente criterio como para esperar futuros proyectos, ya que éste fue su última colaboración y data de 2017.

Esperaremos.

Saludos.

La familia lo es todo

 

La historia de Kate "Ma" Barker forma parte de la leyenda negra americana, y Roger Corman dio buena cuenta de sus insólita historia en BLOODY MAMA, donde una gigantesca Shelley Winters daba vida a esta madre de cuatro hijos, que un día abandonó el hogar conyugal junto a sus cuatro hijos y se convirtieron en una temible banda de gangsters. El film se abre con una escabrosa escena, en la que una joven Kate es violada por su propio padre, ayudado por sus hermanos. A partir de ahí, todo es un vertiginoso descenso a una tremebunda espiral de degeneración y delincuencia, marcada por la violencia que este singular grupo imprimía a cada una de sus apariciones. El film, valiente, con ese estilo en forma de gancho a la mandíbula que Corman tenía siempre que se alejaba del fantástico, y que de nuevo es de valorar cómo marcaba el camino para un cine negro menos icónico, más a pie de calle. Por ello es uno de los títulos más reivindicables de su autor, además de uno de los primeros en los que intervenía un jovencísimo Robert DeNiro, dando vida a uno de los hijos de esta "mamá sangrienta".

Saludos.

Correr o huir

 

Hay muy poco que reseñar sobre FERRARI, el supuesto biopic de Michael Mann sobre el mítico constructor, ni como documento histórico ni como el ejercicio de estilo que cabría esperar en un director que, al menos, puede ofrecer ese magma fílmico tan característico. Es una película aburrida, mal montada, desganada en los diálogos e incluso poco dada a la mitificación, que a priori parece la única vía para abordar un personaje tan enigmático y controvertido como el de Enzo Ferrari. Adam Driver hace lo que puede por no inventarse un personaje que no le pertenece, Penélope Cruz vuelve a tirar del catálogo "magnaniano", y el film discurre entre la soberbia puesta en escena de unos vehículos tan bellos como mortíferos, las pecuniarias tribulaciones de una empresa que se ahoga entre sus artículos de lujo, y la braguetil vida amorosa de este señor, que aparte de fabricar coches de carreras es más bien grisáceo y hasta antipático. Un resbalón no obstante esperable, por cuanto Mann siempre ha sido mejor director cuando menos ha contado, y ya no digo si encima pretende ser veraz y fidedigno, porque ahí se convierte en un cineasta abocado a una pedantería insufrible. FERRARI está entre lo peorcito suyo, y no tengo más que añadir.

Saludos.

Los socios improbables

LE CERCLE ROUGE supuso la segunda colaboración entre Alain Delon y Jean-Pierre Melville, además del ejemplo más refinado del significado del "polar" como universo cerrado y plegado sobre sí mismo. Con una construcción de guion ejemplar, narra el encuentro entre tres criminales, Corey (Delon), que acaba de cumplir condena, Vogel (Gian Maria Volonté), que escapa de una férrea custodia policial, y Jansen (Yves Montand), un expolicía arrasado por el alcoholismo y que no dudará en embarcarse en un descabellado plan para robar una prestigiosa joyería en la Plaza Vendôme. Con un dominio majestuoso de los tiempos narrativos, Melville va construyendo pacientemente la identidad de sus personajes, diseccionando su psicología y extraer de ahí la totalidad del sustento argumental. En mi opinión le sobran algunos minutos de un metraje ligeramente excesivo, pero que permite a Melville, autor también del guion, esa atenta construcción de personajes, una de las más precisas del cine negro, género al que este título da cartas de nobleza, fabricando un clásico instantáneo, y seguramente la única continuación posible a EL SILENCIO DE UN HOMBRE. 

Imperdible.

Saludos.

Heraldos y parias

 

En un arrebato de coherencia, lo que no me es muy habitual, reparé en el poco tacto para con los mutantes y sus circunstancias varias. La lejana película primigenia apareció allá por el no menos remoto albor de este blog, y es cierto que he ido siguiendo puntualmente el resto de producciones; pero ni las he completado ni dispuse en reagruparlas como es debido, entuerto que pienso arreglar en un par de pinceladas. La primera, X2, de 2003, y también dirigida por el ínclito Bryan Singer, cuando aún mantenía su pico más alto de forma. Magnífica secuela-continuación de aquel sorprendente detonador de todo lo que habría de venir después, en este caso el aumento de metraje juega a su favor, con más espacio para desarrollar la gran cantidad de personajes, cada vez mayor, sin olvidar unas escenas de acción aún mejor rodadas, y que supusieron un canon a seguir. Hay menos protagonismo de Magneto, aunque la escena más potente le pertenece a él; al fin se explicita la compleja relación entre Wolverine y Jean Grey, que culmina el film de forma apoteósica; mientras el resto de personajes se siguen desarrollando en una complicada presentación continua. No habí vuelto a verla desde su estreno en cine, si la memoria no me juega una mala pasada, pero no la esperaba tan potente, actual y bien realizada; indicó el camino a seguir que otros tomaron sin rubor, y al mismo tiempo marcó el declive, personal y profesional, del propio Singer, del que se hace fundamental la separación de vida y obra, bajo el riesgo de perder muchísima perspectiva.

Necesaria, sobria y reivindicable.

Saludos.

Run for your life

 

¿Qué me dicen de GLORIA? No puede haber más espectadores y críticos pasmados ante esta película, una película "que no se puede hacer", que tira a la basura todos los prejuicios y clichés del cine de gangsters y los lleva a una dimensión desconocida. Es puro Cassavetes, reconocible con sus diálogos rápidos, cámara nerviosa y actuaciones desconcertantes; pero hay una película comercial aquí, o eso parece hasta que las expectativas se desbordan en una huida hacia delante, que la historia toma prestada de su icónica e inolvidable protagonista, una Gena Rowlands descomunal, devorando cada fotograma con una convicción tan real que llega a asustar. Con un montaje en cascada, la familia de un niño de ocho años es asesinada por deudas con la mafia, pero antes confían al pequeño a Gloria, que es amiga pero hace años era "la chica del gangster", y con él un misterioso libro. La mafia busca al niño y al libro, pero, por alguna razón indescifrable, Gloria no estará dispuesta a permitirlo. Como un animal salvaje balanceándose en una débil cuerda, asistimos atónitos a cómo esta mujer ya entrada en los cincuenta huye junto a un niño de peligrosos matones, en un New York sucio y abigarrado, terco y hostil. Si llegan al final de sus trepidantes dos horas, se encontrarán con una inesperada y hermosa flor surgiendo en el peor de los infiernos. En mi opinión, uno de los mejores thrillers de todos los tiempos, y seguramente el más incomprendido...

Otra genialidad.

Saludos.

Rincón del freak #612: Amor, hombres del tiempo y carteles de autopista

 

A lo mejor no lo parece, pero sí creo que la película de hoy está en esta sección por méritos propios. Incluso sin ocultar su condición de "comedia romántica bobalicona de los 90", porque ahí radica el extrañamiento que me produce encontrarme con L.A. STORY tantos años después. Partiendo de una idea original de Steve Martin (a la sazón, guionista y protagonista), veo un armazón engañoso, una de esas comedias físicas e intrascendentes, que viste sin pudor todo el horterismo de una década y una ciudad que, fíjense, nunca casaron mejor mutuamente. Todo es una treta, y Martin, un estrambótico hombre del tiempo, pasa de chiflado neurótico a romántico empedernido, tras conocer por casualidad a una reportera inglesa de paso en Los Angeles. Y por su puesto que están las idas y venidas, los diálogos rápidos y tontuelos, o el lucimiento del propio Martin, pero es un film extraño, en el que una ciudad tan refractaria y poco acogedora se muestra más entrañable que nunca, y donde nada menos que un cartel informativo a pie de autopista ejerce como consejero sentimental de este cuarentón, que busca consuelo en una jovencita porque la mujer de la que se ha enamorado no quiere saber nada da él. Es divertida con moderación, del mismo modo que suelta sus píldoras de romanticismo, con una timidez poco frecuente en el Hollywood de aquellos años; por eso hay muchas cosas que das por sentadas y luego acontecen de forma diferente. Por todo eso, y por lo diametralmente opuesta a cualquier cosa que se pueda ver hoy en un cine en estos términos, yo la recomendaría para ver con ojos desprejuiciados.

Saludos.

Fantasmas

 

Con todo el interés que suscitan las historias de fantasmas, las correspondencias y simbolismos entre el mundo de los vivos y el de los muertos, la tendencia predominante consiste en el típico relatillo de susto fácil, que proviene de la necesidad decimonónica de aderezar la reflexión con algún condimento más comercial. Películas de fantasmas ha habido muchas, pero pocas realmente valiosas, y si tuviéramos que "invocar" una cúspide, siempre se me viene a la mente KWAIDAN, el apabullante film realizado pr Masaki Kobayashi hace ya sesenta años, donde reinterpretaba la revolucionaria obra del orientalista Lafcadio Hearn, que merecería un aparte por sí mismo. Dividida en cuatro historias, aunque todas son complementarias, la película indaga en la intromisión de ese "otro mundo" en la cotidianidad humana, motivo tanto de fascinación como de perdición.

En el primer segmento ("Pelo negro"), vemos a un samurái aburrido de su vida conyugal, que decide marcharse a la capital para reverdecer antiguas glorias, hasta el punto de contraer segundas nupcias con una sofisticada princesa, sólo para descubrir toda la falsedad del mundo palaciego, que lo reduce a menos de lo que era en su modesta vida anterior, por lo que decide volver junto a su primera esposa, que le acoge dulcemente, pero que oculta un terrible secreto tras una cabellera que no para de crecer...

"La mujer en la nieve" narra la deriva de dos leñadores que están a punto de perecer en una cruda tormenta de nieve, hasta que son rescatados por una extraña mujer que parece ajena a un entorno tan hostil, reclamando tan sólo una vaga promesa futura a uno de ellos. Años más tarde, el leñador ayuda a una joven que parece perdida junto a su casa; ambos se enamoran, se casan y tienen tres hijos, pero esa bella esposa, que es la envidia de las vecinas por su reticencia a envejecer, hece una revelación a su marido que le helará la sangre...

El mejor episodio de los cuatro, titulado "El hombre sin orejas", se abre con una sangrienta batalla naval, en la que todo un ejército perece, ingresando en el terreno sobrenatural. El fantasma de un gran samurái vaga eternamente con un único propósito: encontrar al mejor bardo que exista, para que componga y cante una alabanza a la gloria de su señor, evocando esa última batalla. El bardo, ciego de nacimiento, es acosado por el fantasma, hasta el punto de temer por su vida y pedir ayuda a un sacerdote, que elabora un encantamiento que lo proteja, aunque un fatal error resulta aún peor para él en una terrorífica noche...

Finalmente, "La taza de té", el segmento más breve y conciso, presenta a otro samurái que empieza a ver invariablemente el rostro de un extraño hombre en al té que toma cada mañana. Su naturaleza pragmática le lleva a buscar una respuesta racional a este suceso, pero lo que encuentra es aún más horripilante, aun siendo un simple reflejo...

Clásico por excelencia, KWAIDAN trasciende el género de terror, explosionando en una puesta en escena imaginativa y exuberante, para hablarnos de los fantasmas de la condición humana, o la incapacidad para comprendernos a nosotros mismos, refugiándonos en lo sobrenatural para bordear los abismos de todo lo que no alcanzamos a comprender. Kobayashi lo convierte en un espectáculo único y subyugante, una obra maestra del fantástico, a partir del cuál se entienden muchas de las claves que han hecho del terror nipón uno de los más singulares del mundo. Su visionado, exigente, es de los que permanecen en la retina mucho tiempo después, y por ello me permito recomendarla como experiencia sensorial absolutamente al margen del hipotenúsico festín digital que nos es impuesto actualmente.

Saludos.

Los autores son los que marcan el camino

 

Hemos hablado mucho de Roger Corman, su importancia en la industria como revolucionario al margen de los grandes estudios, o de su ojo para captar el interés del espectador y ofrecerle productos atractivos, comerciales sin pretender serlo. Sin embargo, el dicho desmiente la falsa creencia de que hay quien se siente cómodo en la precariedad; porque una cosa es el malabar económico y otra saber instruir un margen más holgado. Lo admirable de Corman en THE St. VALENTINE'S DAY MASSACRE comporta dos vertientes, una en el ámbito de producción (sólo diré 20th Century Fox), pero aún más en el creativo. Resulta que Corman también dominaba las Dolly, los planos secuencia y los montajes paralelos, y la sensación al principio del film es de mandíbula caída, de cineasta mayor, con talento y muchísimo oficio, para encarar la crónica de aquel 14 de febrero de 1929, cuando Al Capone decidió masacrar a la banda de Moran, su principal enemigo. Ahora bien, no seríamos justos si no mencionáramos el sorprendente trabajo de guion de Howard Browne, cuyo sincopado sentido cronológico nos adelanta a directores como Scorsese, Tarantino o De Palma, expandiendo magistralmente una narrativa coral y coronándola con una alucinante presentación de personajes, justo antes del final, amplificando la intriga al marcar el destino de cada uno de ellos.

Al final resultaba que Corman sabía dirigir... y con dinero.

Saludos.

El médico

 

Recuerdo ver THE EGYPTIAN hace eones, presumiblemente en casa de mis abuelos, con barquitos de pero, queso fresco y membrillo, el regaliz que se llamaba como una tienda de ropa y un ventilador que no desentonaría para Chandler. Me juego que en un Sábado Cine. Kilómetros de felicidad en base a ropajes y peinados extraños, esos señores que se colaban en tu comedor declamando en falsete, mientras miraban sin pestañear un punto de inconcreción al lado del señor que imprimió aquello de "Tócala otra vez, Sam". Cuarenta veranos después, me sorprendo pasándolo igual de bien, con moderación pero ninguna culpabilidad; y descubriendo que el protagonista no era Victor Mature, sino Edmund Purdom, que tenía una voz portentosa pero era un actor mediocre, y también podría ser el padre de James Franco, lo juro. Otro verano (el pasado, creo) terminé la tortura de leer el texto de Mika Waltari, que se asfixiaba en descripciones pueriles para terminar contando lo que Curtiz hace con algo más de ligereza. Sinuhé era un cuñado insoportable ("consejos vendo..."), y todo lo que le pasa le pasa por borracho, putero y bocachancla, lo que le convierte en el primer antihéroe del Hollywood clásico. No me extraña que terminara triunfando Horemheb, que sólo era un chupaculos medrador de manual. En fin, una película con un ritmo rarísimo para una gran producción de la época, y que supuso un revés económico del tamaño de Tebas para el mamoncete de Zanuck, aunque se agenció como querida con pisito a la pobre Bella Darvi, cuya biografía haría sollozar a cualquier persona con buen corazón. Esto le daba un punto por encima de dos estrellas como Gene Tierney y Jean Simmons, relegadas a roles de peso relativo ¿Si hay que revisarla? Comparemos épocas, si habemus magdalena proustiana no debe haber dudas...

Saludos.

Todo ha de cambiar

 

La frase, genial, constituye casi más un estado de ánimo que una panorámica histórica, convirtiendo el absoluto fin de un época en el otoño de un hombre que acepta la derrota con el último almidón. IL GATTOPARDO constata y sintetiza en esa frase inmortal el significado de la decadencia, la complejidad para asumir que el esplendor ya es un espejismo, y que el león ha de ofrecer la cabeza para el tiro de gracia sin rechistar. Admirablemente planteado en el majestuoso arranque, en el que el príncipe Salina es incapaz de enojarse con su rebelde sobrino, Tancredi, que comulga con los liberales y se presta a combatir por la unificación. Ya el texto original de Tomasi di Lampedusa detiene el tiempo narrativo, para dar cuenta de un mundo ajeno a cualquier realidad social, con sus ritos beatíficos y tradiciones arcáicas, que se ve literalmente desplazado por una avalancha que no les necesita como moduladores de su nuevo concepto de sociedad. Ahí, el puntilloso guion adapta con precisión la crónica de la novela, pero la fiesta visual ideada por Visconti sobrepasa cualquier descripción, imbricando el polvo con el terciopelo, las tascas con los banquetes, el pueblo que camina con la aristocracia inmóvil. La partitura de Nino Rota suena más bella y desgarrada que nunca, y la fotografía de Giuseppe Rotunno es una explosión de colores, texturas y profundidad de campo. El elenco, vastísimo, queda sujeto fundamentalmente por un joven Alain Delon, que encarna la jovialidad del cambio, sin desprenderse del todo de su condición privilegiada. Pero sobre todo de un colosal Burt Lancaster, gigantesco e irrepetible como la figura que evoca el pasado moribundo, y se apaga discretamente en uno de los bailes más hermosos de la historia del cine, y que cierra categóricamente esta obra maestra absoluta e intemporal.

Patrimonio y museo en movimiento.

Saludos.

El asesino soñado

 

Que SPELLBOUND es absurda hasta decir basta, es algo bien sabido; que contiene las imágenes más sugerentes y juguetonas de la filmografía de Alfred Hitchcock, también. Imposible ignorar esto: Una psicóloga (Ingrid Bergman) que tiene tanta aversión al género masculino como moscones alrededor, pero que queda subyugada y diríase que sometida por el nuevo director del centro donde trabaja, a lo mejor porque es Gregory Peck. Como alguien así no puede ser una eminencia, empieza a actuar raro, y en mitad de una operación (¿una operación psicológica?) colapsa, quedando como un pelele a base de infusiones, pero proyectando fuerte ternura en la doctora, que ya sólo tiene ojos para él. Incluso si sabe que es un impostor, hasta si se confiesa un tétrico asesino, cosa que tampoco cree cierta, por lo que inicia una especie de terapia de choque que incluye un episodio hipnótico y otro aún más escabroso, pero que no desvelaré. Tanto revoloteo sirve para introducir los famosos decorados diseñados por Salvador Dalí, que implementan un mundo onírico entre el ensoñamiento buñueliano y el simbolismo de un Lynch que parece trasplantado cuarenta años antes. El final, tan atropelladamente encantador como insospechado (no se podía saber), se cuenta entre lo más expresionista del director británico, y también de lo más reputacional. 

¿Hay que verla? Sí, pero sin miedo a criticarla, como ha hecho recientemente una grandísima amiga mía, que me ha impulsado irremediablemente a volver a verla después de tantos años... a la película y a ella, claro...

Aquí mi dedicatoria.

Saludos.

La hierba en mitad del asfalto

 

Lo confieso, lo llevo confesando varias décadas. Soy un enamorado del cine de Cassavetes, ese tipo con pinta de maldito, de refinado o de hijo de puta, según le dé en el momento del día que le pille. Ese tipo que parecía tirar la cámara en mitad de la calle para que revoloteara, para captar gestos robados, dimensiones del rostro, en realidad lo que vemos con nuestros propios ojos pero es tan jodido de plasmar en una pantalla. Aún más, Cassavetes pulsa, fuerza, socava, espera impaciente a que el actor sea ser humano, no AI. Les suena, supongo. Ninguna actriz mejor para ello que Gena Rowlands; tierna, fiera, rota, monumental. "De perfil eres un poco como Lauren Bacall", le dice Seymour Cassel en MINNIE AND MOSKOWITZ, y ella no sabe serlo, porque no sabe existir si no es junto a los tipos más imbéciles, que la golpean y la insultan. Y él, un simple aparcacoches, la ama, y eso la desarma, la lleva a un terreno que no conocía, la felicidad según Cassavetes, que es brutal e imperfecta, como marcharse a un puesto de perritos calientes desde el restaurante donde no te respetan. El amor no es Julia Roberts, ni una playa con un piano de fondo; el amor es soledad, es incomprensión y es un borracho capaz de rechazar el billete que le acabas de tender, porque quizá sólo quería contarte una historia, no para que la entiendas sino para que llores dentro de un año al recordarla...

Obra maestra absoluta. Otra más.

Saludos.

Rincón del freak #611: Pera, fantasma, engranaje, cíngulo y corredor de seguros

 

Hablemos de DEATHSTALKER, a la que podríamos llamar "película", utilizando para ello la misma lógica que sus perpetradores en aquel brumoso 1983.

Salgo en un bosque. A caballo. Hombres. Mujer corriendo=mujer desnuda. Sudor, helechos y pelucas. Verruga en nariz. Salgo del bosque y gente con tomate frito en el sudor y los helechos y las pelucas. Bruja que desaparece detrás de verruga. Misión. Me da igual, sólo tetas y culos y la actriz pidiendo un tampax. Hombre al azar, luchando ¿por qué? Mujer con espada, las tetas fuera, sin tampax. Malo, Coto Matamoros, mago sin poderes. Alianza para buscar una cosa ¿qué? Más tetas y menos tampax, la psicosis del monólogo en lip-sync. Careta de gorrino, paredes de corchopán, olor a rancio, a burguer en Ushuaia. A pelear he dicho, el vino calentito. Todo se acaba, las tetas, las espadas, las pelucas, las misiones sin sentido, y una inmensa tristeza me invade mientras imagino a Roger Corman contando billetitos dando un sorbo a un expreso en vasito floreado...

El año que viene se estrena un remake...

Saludos.